LUIS ALBERTO SPINETTA
(2004) - En Vivo en el Teatro Argentino de La Plata
Argentina
Género: Rock & Pop
CD1
01.: Barro tal vez
02.: Prométeme el paraiso
03.: Pequeño ángel
04.: A Starosta, el idiota
05.: Ekathé
06.: Plegaria para un niño dormido
07.: Sin abandono
08.: Tu cuerpo mediodía
09.: Viaje y epílogo
10.: Nueva luna, mundo arjo
11.: Vidamí
12.: Yo miro tu amor
CD2
01.: Despiértate nena
02.: Resumen porteÑo
03.: Durazno sangrando
04.: La herida de Paris
05.: Tonta luz
06.: Nelly no me mientas
07.: Buenos Aires, alma de piedra
08.: Era de Uranio
09.: Me gusta ese tajo
10.: Hombre de lata
11.: Ludmila
12.: Seguir viviendo sin tu amor
Luis Alberto Spinetta: guitarra y voz
Claudio Cardone: teclados
Nerina Nicotra: bajo
José Morelli: batería
Otro concierto del maestro, grabación no oficial en este caso, en el Teatro Argentino de La Plata, Buenos Aires, el 13 de noviembre de 2004, estrenando bajista.
Es la primera vez que toca en este magnífico teatro, ofreciendo para delicia de los fanáticos (como yo), un recorrido por gran parte de su prolífica trayectoria.
Está dividido en 2 partes, con una escala que va de menor a mayor. La 1º más intimista y acústica y la 2º con el aporte de toda la banda, sumando todos esos matices que solo Claudio Cardone puede generar, y la base categórica y contundente de J. Morelli y Nerina Nicotra, tal vez sin el virtuosismo de Javier Malosetti, pero con la solvencia de los grandes y a la altura de las circunstancias...
Versiones de temas de Almendra (Plegaria para un niño dormido), Pescado Rabioso (Me gusta ese tajo, Despiértate nena, A Starosta el idiota), Invisible (Durazno Sangrando), Spinetta Jade (Resumen Porteño, Ludmila), Los Socios del desierto (Ekathé) y un paneo de todas las etapas de su carrera solista (Barro tal vez, Vidamí y Yo miro tu amor, acaso mis favoritas!!)
También hay lugar para temas inéditos: Tu cuerpo mediodía y Nueva luna, mundo arjo (una delicia con aires folklóricos); de yapa, excelente sonido (de consola)... que más se puede pedir!!!
A disfrutarlo...
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jueves, noviembre 08, 2007
miércoles, noviembre 07, 2007
B.B. KING
(1993) - Blues Summit
U.S.A.
Género: Blues
01.: Playin' With My Friends
02.: Since I Met You Baby
03.: I Pity The Fool
04.: You Shook Me
05.: Something You Got
06.: There's Something On Your Mind
07.: Little By Little
08.: Call It Stormy Monday
09.: You're The Boss
10.: We're Gonna Make It
11.: I Gotta Move Out Of This Neighborhood
12.: Everybody's Had The Blues
The Menphis Sessions, Estudios Ardent, Menphis, Tennessee,
entre el 15 y el 19-02-93 (tracks 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
The Berkeley Sessions, Estudios Fantasy, Berkeley, California
entre el 08 y el 12-03-93 (tracks 1, 4 y 12)
B.B. King: guitarra y voz
Robert Cray: guitarra y voz (track 1, 4 y 5)
Robert Murray: guitarra rítmica (track 1)
Katie Webster: piano y voz (track 2)
Buddy Guy: guitarra y voz (track 3)
John Lee Hooker: guitarra y voz (track 4)
Roy Rogers: guitarra slide (track 4)
Koko Taylor: voz (track 5)
Etta James: voz (track 6)
Lowell Fulson: guitarra y voz (track 7)
Albert Colins: guitarra y voz (track 8)
Ruth Brown: voz (track 9)
Irma Thomas: (track 10)
Joe Louis Walker: guitarra y voz (track 12) coros (track 7)
Jim Pugh: teclados (track 1 y 4)
Richard Cousins: bajo (track 1 y 4)
Kevin Hayes: batería (track 1 y 4)
Kim Wilson: armónica (track 3, 4 y 7)
Lee Allen: solo de saxo (track 5 y 10)
Maxine Waters: coros (track 5 y 10)
Julia Tillman Waters: (track 5 y 10)
Maxayne Lewis: (track 5 y 10)
Randy Waldman: sintetizador (track 6)
Antoine Salleý: percusión (track 6)
Vasti Jackson: guitarra rítmica (track 2)
Nancy Wright: (track 2)
Ben Couley: trompeta (track 3,4 y 11)
Mabon “Teeny” Hodges: guitarra rítmica (track 3 y 11)
Tony Coleman: percusión (track 4 y 12)
Leon Warren: guitarra rítmica (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
James Toney: teclados (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Tony Coleman: percusión (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
James Bolden: trompeta (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Melvin Jackson: saxo (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Walter King: saxo (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Michael Doster: bajo (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Calep Emphrey Jr.: batería (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Mike Eppley: teclados
Jeff Lewis: saxo (track 12)
Tim Devine: saxo (track 12)
Henry Olden: bajo (track 12)
Paul Revelle: batería (track 12)
Riley B. King, mejor conocido como B. B. King (Blues Boy King - Nombre tomado de un programa radial de Sonny Boy Williamson II) nació el 16 de septiembre de 1925 en Ittabena, Mississippi.
Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950.
Es considerado como uno de los mayores virtuosos del blues que ha tenido la historia de la música y de acuerdo a una lista de la revista Rolling Stone de 2003, King es el guitarrista más grande en vida, y posicionado 3º entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (bajo Jimi Hendrix y Duane Allman).
Por todos es sabido que al llamado Rey del Blues le gusta de vez en cuando rodearse de un nutrido grupo de artistas de fama mundial para grabar un álbum de duetos. En el caso de su disco de 1993, Blues Summit, no encontraremos a los habituales Eric Clapton, Bono o Van Morrison entre sus acompañantes. En aquella ocasión B.B. King se rodeó de lo más ilustre y granado del Blues para hacer un merecido homenaje al género que le dió la corona. Una apuesta del "Rey", que ganamos todos sus "súbditos".
Después de que su famoso directo Live At The Apollo de 1990, pusiera de nuevo a B.B. KING en el pedestal internacional que merecía, pocos imaginaban que en sólo tres años editaría un álbum tan increíble, tan poderoso y tan injustamente tratado por la crítica.
Blues Summit fue grabado en dos sesiones: Una en Memphis (Tennesse) y otra en Berkeley (California), durante el invierno de 1993 y, aparte de contar con la maestría indiscutible a la voz y a las cuerdas de su creador y con sus acompañantes, contaba con la presencia de la mejor y más sublime reunión de artistas de Blues en activo de entonces. A saber: Robert Cray, Katie Webster, Buddy Guy, John Lee Hooker, Koko Taylor, Etta James, Lowell Fulson, Albert Collins, Ruth Brown, Irma Thomas y Joe Louis Walker.
Si a dicho elenco le añadimos músicos de sesión de la talla de The Memphis Horns (en la sección de "metales") o Kim Wilson (un verdadero maestro de la armónica), el resultado es sencillamente insuperable.
En la elección de sus 12 temas no se cayó en la habitual revisión de clásicos. Hubo uno o dos de ellos, pero en general fueron canciones de las que poco se había "abusado" en el mundo del Blues hasta entonces.
Tal vez son destacables quizá las citadas excepciones: 'Call It Stormy Monday', junto a Albert Collins, y el dueto irrepetible entre dos de los más grandes Bluesman de la historia: B.B. King y John Lee Hooker cantando juntos 'You Shook Me'.
No obstante, y aunque es dificil destacar un tema por encima de otro, hay algunas joyas únicas, como 'Little By Little', junto a Lowell Fulson, o el tema q cierra el disco: 'Everybody´s Had The Blues', junto al que denominaron sucesor de King, Joe Louis Walker.
Por supuesto, también ellas juegan un papel decisivo en Blues Summit. Son impresionantes los duetos entre el Rey y Koko Taylor en 'Something You Got' (uno de los mejores del disco), o junto a Ruth Brown en 'You´re The Boss'. Y no me resisto a nombrar 'We´re Gonna Make It', cantado con Irma Thomas.
En definitiva, estamos sin lugar a dudas ante El Mejor disco de duetos de B.B. KING y posiblemente ante uno de los mejores de su extensa carrera. Un álbum único que se deja escuchar con gran facilidad una y otra vez, que rezuma el placer de sus músicos al grabarlo, y que supone una de las más completas reuniones de intérpretes de Blues en un solo disco.
Luis Beamud
Fuente: www.elalmacendelrock.com/
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martes, noviembre 06, 2007
RETRATO DE UNA OBSESIÓN
“La fotografía es un secreto que habla de un secreto.
Cuanto mas te dice, menos te enteras “
"Joven patriótico con la bandera"
Nueva York, 1967
En 1971, cuando Diane Arbus se suicidó, ya tenían fama sus desconcertantes fotografías de seres extravagantes y excéntricos. Un año despues de su muerte, se exhibieron en la bienal de Venecia ampliaciones de diez de sus fotos de esos seres ( enanos, travestis, nudistas) ....
Poco tiempo despues se inauguró en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York una gran muestra retrospectiva de su obra..., 250.000 personas acudieron a ver retratos de Arbus tan sobrecogedores como "The Jewish Giant" y "The Man in Hair Curles".
La exposicion luego recorrio todo Estados Unidos y dió pie a opiniones loables y controvertidas, y lo mismo sucedió con otra similar que se exhibio en algunos paises occidentales de Europa, Australia, Japón y Nueva Zelanda.
Con posterioridad Aperture publico ochenta de sus fotografias en un libro del cual se han vendido mas de 100.000 ejemplares. Los temas recurrentes de éste ( los papeles sexuales y la irrevocable soledad de los seres humanos ) parecen expresar la rebeldia, la alienación y la desilusión que surgieron en los años sesenta y prevalecieron durante parte de la década de los setenta” (Diane Arbus-Patricia Bosworth-ed circe).
Diane Arbus ( cuyo nombre de nacimiento era Diane Nemerov) nacio en Nueva York, Estados Unidos en 1923. Adopto el apellido de su marido Allan cuando tenia 18 años. Hija de una familia adinerada, se quejaba de haber sido “demasiado cuidada” en su piso de la quinta avernida..
Algunas de sus primeras fotografias famosas son de niños luchando con su energia y su desesperación por sus limitaciones psíquicas o físicas, como “Child with Toy Hand Grenade in Central Park” tomada en central Park en 1961, esta formaría parte de su serie en que fotografió a niños ricos “ya que yo tambien soy una niña rica” diria sobre esta serie.
En 1967, después de su gran exhibición en el MOMA en una entrevista para la Newsweek comento de la irrealidad en la que ella decia que habia crecido: “ Es irracional haber nacido en un cierto lugar y un cierto momento y de ser de un determinado sexo. Es irracional que uno pueda cambiar muchas circunstancias y que no pueda cambiar muchas otras. La simple idea de haber nacido rica y judia es parte de esa irracionalidad. Pero si naces siendo algo, podes tener la osadía( la aventura) de ser otras diez mil cosas”
Empezó como fotógrafa de moda y publicidad, trabajando para la revista Harper’s Bazaar, asistiendo primero y luego en sociedad con su marido. Conoció a artistas como Robert Frank o Walker Evans.
Entre 1955 y 1957 fue alumna de Lissette Model, de la que recogió un realismo crudo y aprendió a captar lo particular para alcanzar lo general. A partir de los años '60 se dedico a retratar a la población marginal americana: Lisiados, minusvalidos, gente con deficiencias mentales, travestis, gente de la calle y sus casas...y sus asilos. Con sus fotos da la impresión de querer enseñarnos que todos nosotros somos monstruos, solia decir “si observamos la realidad desde bastante cerca(...), ésta se hace fantástica”...
Arbus cambió drasticamente nuestro sentido de lo permisible desde el punto de vista de la fotografía, amplió el alcance de lo que resultaba un tema aceptable y exploró, de forma deliberada, la ambigüedad visual de las personas que ocupaban un lugar preponderante dentro de la sociedad como asi también de las marginadas.
Sus modelos miraban siempre, en forma directa, a la camara. Ella los iluminaba siempre con un flash directo o algun tipo de iluminacion directa. Según sus propias declaraciones “para mi, el tema de la fotografia será siempre mas importante que la imagen”
En 1963 y en 1966 recibió becas de la fundación Guggenheim. En 1969 su obra llamo mucho la atención cuando fue colgada junto a la de L.Friedlander y G.Winogrand (mostró a los locos de un manicomio disfrazados el día de una fiesta).
Su reputación mundial la llevó a estar entre una de las pioneras del nuevo estilo documental, y su trabajo fue comparado con el de August Sander.
Inspirándose en el libro de Patricia Bosworth “Diane Arbus: Una Biografía”, la película "Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus" (Retrato de una obsesión) de Steven Shainberg, homenajea a esta brillante artista que cuestionó las ideas convencionales sobre la belleza y la fealdad y cambió para siempre la fotografía a través de su técnica y de sus temas radicales.
Están invitados a descubrir la obra de quién es para muchos, una de las artistas más importantes del siglo XX, en estas 2 galerías que le rinden tributo...
http://pwp.netcabo.pt/jmmg/diane_arbus.htmhttp://www.artnet.com/Artists/ArtistHomePage.aspx?artist_id=672854&page_tab=Artworks_for_sale
domingo, noviembre 04, 2007
EGBERTO GISMONTI & JAQUES MORELENBAUN
(1991) - Astor Piazzolla - New Tango Brazilian Touch
Brasil
Género: Jazz, Tango
01.:Fuga 9 - 4:54
(Astor Piazzolla arr. Egberto Gismonti)
02-05 Las Cuatro Estaciones Porteñas
02.: Primavera Porteña - 5:18
(Astor Piazzolla arr. Jaques Morelenbaum)
03.: Verano Porteño - 3:42
(Astor Piazzolla arr. Jaques Morelenbaum)
04.: Otono Porteño - 5:55
(Astor Piazzolla arr. Jaques Morelenbaumar)
05.: Invierno Porteño - 6:46
(Astor Piazzolla arr. Jaques Morelenbaum)
06.: Años de soledad - 4:05
(Astor Piazzolla arr. Zeca Assumpcao)
07.: Libertango - 2:22
(Astor Piazzolla arr. Henrique Cazes)
07-09 Suite Libertango
08.: Tristango - 7:08
(Astor Piazzolla arr. Henrique Cazes)
09.: Novitango - 3:35
(Astor Piazzolla arr. Henrique Cazes)
10. Deus Xango - 5:46
(Astor Piazzolla arr. Henrique e Beto Cazes)
Alceu Reis: violoncello (track 1,2,3,4,5)
Marcio Mallard: violoncello (track 1,2,3,4,5)
Eduardo Monteiro: flauta traversa (track 2,3,4,5)
Paulo Sergio Santos: clarinete (track 2,3,4,5)
Philip Doyle: trombón (track 2,3,4,5)
Luis Carlos Justi: oboe (track 2,3,4,5)
Elione Medeiros: fagot (track 2,3,4,5)
Zeca Assumpcao: contrabajo (track 2,3,4,5,6,10)
Chiquinho do Acordeon: acordeón (track 6,7,8,9)
Jurim Moreira: batería (track 6)
Orquesta de cuerdas brasileira (track 7,8,9 )
Beto Cazes: percusión (track 10)
Henrique Cazes: chitarra, cavaquinho (track 10)
A simple vista la tapa engaña: no es un trabajo de Piazzolla, sino un homenaje a Astor Piazzolla de estos dos grandes músicos Brasileros.
Este trabajo reúne composiciones del gran artista argentino interpretadas de diversas formas y cada una con sus propios arreglos.
En algunos casos, como en "Fuga 9" y en "las 4 estaciones porteñas", cuesta encontrar el espíritu de la música de Piazzolla: la tristeza y la melancolía, y en el caso de "Deus Xango" (tema que cierra el disco), incorpra elementos de la música popular barsilera, gracias a la percusión de Beta Cazes, y a la chitarra y el cavaquinho de Henrique Cazes, creando una atmósfera muy diferente a las anteriores composiciones.
De todos modos, cualquier camino es válido para abordar la obra de Astor, y por otra parte convengamos que no es simple versionar a Piazzolla prescindiendo del sonido del bandoneón...
A mi particularmente, me gusta la versión de la Suite Libertango que con el sonido del acordeón incorpora otros matices ...
viernes, noviembre 02, 2007
FOCUS
(2003) - Live in America
Holanda
Género: Rock Progresivo
01.: Focus I
02.: House Of The King
03.: Focus II
04.: Eruption
05.: Sylvia
06.: Focus V
07.: Cathedral De Stasbourg
08.: Focus VII
09.: Hocus Pocus
10.: Focus III
Thijs van Leer: Organo Hammond, flauta traversa y voz
Jan Dumee: Guitarra y voz
Bobby Jacobs: Bajo
Bert Smaak: batería
Ufff!... qué disco...
Este concierto se basa en lo mejor del repertorio de la banda, además de un par de nuevas piezas, y fué registrado en el Patriot's Theater de Trenton, Nueva Jersey en el marco del Nearfest 2002, un prestigioso festival de rock Progresivo.
Focus es por lejos mi banda favorita no- británica de Rock Progresivo, y la verdad es que viendo tantos retornos de otros grupos en estos últimos años, debo confiar que lo escuché con cierto recelo, sin apostar de antemano, considerando que Jan Akkerman no es de la partida y que todos los músicos que Thijs Van Leer convocó para conformar esta nueva versión de Focus son nuevos y tán jóvenes que ni siquiera habían nacido cuando la banda se formó allá por el ' 73...
Pero este retorno fué tremendo!...
Jan Dumee, es tan pero tan bueno, que los dejará con la boca abierta al primer solo, de hecho con algunos amigos debatimos y sostienen que quizás es mejor que Akkerman. Todos los solos son inmejorables, en el ardiente estilo de fusión. El chico es un monstruo, realmente.
La flauta y el órgano de Thijs son también de primer nivel. Su performance en "House Of The King" y "Eruption" son increíbles al igual que su voz.
La versión de "Hocus Pocus" es un placer.
El sonido excelente!
Altamente recomendado!
Con esta misma formación la banda registró Focus 8 en año 2002 (también recomendadísimo)
jueves, noviembre 01, 2007
BEAUTIFUL LOSERS
La generación Beat -cuyos miembros han acabado siendo conocidos como beatniks-, fué la generación de los derrotados. Es un punto de referencia ineludible para comprender todos los movimientos sociales e intelectuales posteriores.
El termino "Generación Beat" tuvo sus origenes con John Clellon Holmes y Jack Kerouac que describían así a la gente de su edad que vivía en Nueva York a finales de los 40´s. El termino "beat" viene de "beaten down" (derrotado), reflejando la desesperación frente a una sociedad barrida por la depresión económica, la segunda guerra mundial y la amenaza de la bomba atómica. Los beatniks (la partícula -nik es un sufijo despectivo yiddish -dialecto judeogermano-; así pues, beatnik viene a significar "derrotaducho") optaron, vista la situación, por una actitud que se despojase de todas las falsas moralidades y mostrara al hombre desnudo y sincero. Esta celebración del individuo como único, que rechazaba todas las posturas políticas por considerarlas intrínsecamente opresivas, tiene mayor valor considerando la política norteamericana del momento, no sólo reflejada en el anticomunismo atroz o en el desmesurado crecimiento de la burocracia, sino -por la parte que les tocaba- en la aplicación de técnicas como el electroshock o la lobotomía para tratar "enfermedades sociales" como la homosexualidad o el inconformismo.
Esta acepción de la espontaneidad como forma de vida, de la respuesta libre de concepciones sociales, este ascetismo frente a una sociedad básicamente materialista, logró liberar -de una forma natural, sin pretensiones iniciales- tanto a los practicantes como a quienes les observaron.Toda esta situación fue inmortalizada por escritores -algunos de ellos excelentes, como Burroughs, Ginsberg y Kerouac- que montaron este tren desde muy pronto. En realidad, la calidad de algunos de estos libros ha forzado la segunda apreciación de ´generación Beat´, más extendida pero equivocada, que dice esta generación beat es un grupo de escritores.
Ni tampoco es -tercera acepción, y la más peligrosa de todas- un grupo de personas desastradas pero elegantes, con exquisito gusto para el Jazz (principalmente el be-bop), que escriben poesías e insultan a los trajeados. La generación beat es una Generación, con g de gente, que se enfrentó a lo que se enfrentó y reaccionó como buenamente pudo, pero que demostró que hay más caminos que los oficiales cuando uno decide imponer las reglas a nadie excepto a sí mismo.
Según Kerouac y Ginsberg, hallaron la palabra en la jerga de los buscavidas y los jazzmen neoyorquinos: dead beat o beat-up equívalia a estar machacado, alienado,. Exiliado en la sociedad convencional. Todo ese mundo oscuro del jazz era punto de referencia y de admiración para la generación beat.
Coincidieron cronológicamente con el nacimiento del be bop y celebraron a los grandes "terroristas del jazz", como Charlie Parker, en infinidad de poemas y relatos. Existen muchas grabaciones de spoken words , sobre bases de jazz, de la mano de Ferlinghetti , Rexroth, Kerouak, y otros tantos. Por otro lado el bautismo de la generación beat se produjo el 16 de noviembre de 1952, cuando john Clellon Holmes publicó en el New York Times un artículo titulado: This is the Beat Generation". A partir de aquí el movimiento se convirtió en "oficial". Por otro lado Kerouak reivindico la paternidad del termino.
Durante una entrevista con Holmes en 1948 pronuncio las palabras: "This is really a beat generation" ("esta es realmente una generación golpeada"). El mismo Kerouak cuenta que en 1944, encontrándose en Times Square, en Nueva York, se le acerco un agitador de Chicago llamado Herbert Huncke, y le dijo: "Man, I an a Beat". Huncke era amigo de Ginsberg, con quien compartió muchas experiencias.
Este grupo, que acabó denominándose la Generación Beat, revitalizó la escena bohemia cultural norteamericana. Su energía se desbordó hacia los movimientos juveniles de aquella época (On the Road -En el camino, 1957- de Kerouac, asumió carácter de manifiesto universal de una juventud que quería huir de lo establecido), y fue absorbida por la cultura de masas y por la clase media hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta.
Sus ideales abogan por un arte como manifestación de las texturas de la conciencia. Su canto a la liberación espiritual derivó hacia una liberación sexual, particularmente homosexual, que hizo de catalizador en los movimientos de liberación de la mujer y de los negros. Llevados por una visión tolerante y no-teísta, un antifascismo cósmico, un eclecticismo... se interesaron por las sustancias psicodélicas como herramientas de conocimiento.
Centraron su lucha en contra de los valores tradicionalistas y puritanos de Estados Unidos, contra el "American Way of life", un repudio implícito a los valores comerciales, para cuyo reemplazo proponían los ideales expuestos por Whitman en "Hojas de hierba".
Los beatniks, los miembros de la Generación Beat y sus partidarios, no son tan novedosos como se creyó cuando aparecieron, y fueron suprimidos del escenario por la publicidad. Una paradoja: luchaban contra la sociedad de consumo.
JACK KEROUAC
Es frecuente que una celebridad y la idea que sus admiradores tienen de ella no se parezcan demasiado: éste es el caso de Jack Kerouac, a quien los críticos acribillaron, la fama le llegó tarde, sus fans se negaron a asociarlo con sus obras y acabó fagocitado por el sistema al que nunca se había propuesto pertenecer.
Vivió siempre al margen de cualquier regla o estereotipo: fue un brillante jugador de fútbol americano para obtener una beca en la universidad de Columbia, cuando su único interés era escribir; se enroló en la marina mercante durante los años de la segunda guerra mundial; fue el alma mater del movimiento beat cuando siempre pensó que cualquiera de sus amigos (Burroughs, Cassady, Ginsberg...) eran más inteligentes y brillantes que él.
Vivió al límite durante la segunda mitad de los cuarenta y principios de los cincuenta, años en que acumuló suficientes experiencias vitales para luego plasmarlas en sus libros. Sin embargo, cuando le llegó el reconocimiento económico y del público el ya estaba de vuelta de todo, no supo asimilar la popularidad y el dinero que ésta le reportaba y sus lectores no querían creer que ese borracho que aparecía en los shows de T.V. había escrito esos libros llenos de energía y ganas de vivir. De forma inconsciente se había labrado una reputación de personaje extraordinario.
Sólo por dos de sus obras: ´Los subterráneos´ y ´En el camino´ ya merece un hueco en el olimpo de la literatura del siglo XX (por otra parte son lo único realmente reseñable de su bibliografía). Este último libro pasa por ser ´la Biblia de la generación Beat´, ya que retrata de forma autobiográfica sus viajes por todo Estados Unidos y está protagonizado por todo el plantel de escritores del movimiento: la realidad supera a la ficción y apenas podemos creer que hayan existido nunca personajes tan locos, salvajes y, a la vez, geniales.
A pesar de que siempre había tenido éxito con las mujeres, nunca consiguió durar demasiado con ninguna; la única relación sentimental duradera que tuvo fue con las botellas de cutty sark. Durante sus últimos años Jack vivió con su madre, a la que siempre había adorado. Kerouac murió en 1969 de rotura de variz esofágica, o sea, de borracho; triste colofón para la vida intensa e inconformista de un hombre que sólo se encontró en su sitio a finales de los cuarenta viajando de un sitio a otro con sus amigos y con su talento todavía por demostrar. A finales de los ´50, principios de los ´60, empieza a repercutir la fama de "En el Camino", entrevistas en televisión, en la prensa, ventas abultadas. Jack no aguanta la presión del éxito que le otorgó, se encierra con su madre y escribe alejado de todo el movimiento beat (ya casí extinguido). Se transforma.
Esa vida que le llevo a recorrer los Estado Unido de América de punta a punta desaparece. Escribía y por la noche bebía y bebía y regresaba a casa, muchas veces, "calentito" por la cantidad de alcohol que ingería y por las palizas que provocaba (en un claro sentido de autodestrucción). Según Ginsberg su comportamiento obedecía a un alejamiento voluntario del estado casi policial que se había organizado a su alrededor, pero también son notorias las declaraciones del Jack renegando de todos sus antiguos amigos, acusándolos de reaccionarios y deplorando el radicalismo del underground.
Según Burroughs (en una charla años más tarde con Lou Reed) el cambio no fue tal: "No cambió tanto, Lou. Fue siempre así. Primero había un joven sentado delante de la televisión en camiseta bebiendo cerveza con su madre, luego había una persona más gorda y más vieja sentada delante de la televisión en camiseta bebiendo cerveza con su madre…"."Y él andaba dándole fuerte a la botella, porque cogió otra habitación en el hotel y se quedó a pasar la noche, y empezó a pedir botellas de whisky y a beber por la mañana, que es una practica que a mí me parece horrorosa."
Y aquel día, el 20 de octubre de 1969, después de muchas borracheras y muchos viajes, su cuerpo no aguantó más y se le reventó una vena. Lo que le provoco una hemorragia interna. Fu trasladado al hospital de St. Anthony y los médicos trabajaron furiosamente. En las siguientes veinticuatro horas recibió once litros y medio de sangre. El 21 de octubre de 1969, a las cinco y media de la madrugada, Jack Kerouak, murió. Y ya nada volvió a ser lo mismo. Medio mundo, mas tarde (en los ´60), volvió a intentar emular lo que estos hombres lograron ser: protagonistas de sus propias historias. Y es curioso lo que jamás en la literatura se ha vuelto a repetir: inscribirse en la historia de la literatura como una generación, la Beat. compuesta principalmente y sobre todo, por amigos (casi hermanos).
Jack Kerouac
WILLIAM S. BURROUGHS
William Seward Burroughs ha escrito uno de los mejores libros de este siglo, mató de un tiro a su mujer, ha probado (y sobrevivido al consumo repetido de) todas las drogas imaginables por todos los métodos concebibles y anuncia Nike en TV. Es una de las personalidades más complejas del planeta y bien merece una lectura detenida.W.B. nació en St. Louis, Missouri, en febrero de 1914.Nieto del inventor de la calculadora, creció rodeado por el lujo, una vida que pronto descubrió no le satisfacía. Ratón de biblioteca, fascinado con las armas y con una necesidad irrefrenable de romper toda regla de la que tuviese conocimiento, sus padres comprendieron que jamás podría ´integrarse´ en la sociedad, y, una vez que se graduó en Harvard, decidieron subvencionarle sus aventuras/experiencias.
A principios de los treinta, tras involucrarse en los bajos fondos neoyorkinos, conoció a un grupo de enloquecidos inconformistas que estudiaban en la universidad de Columbia: entre ellos estaban Jack Kerouac, Allen Ginsberg, y su futura esposa, Joan Vollmer Adams. W.B. era mayor que ellos, pero quedaron impresionados por su inteligencia y su cinismo. Para entonces tanto K. como G. tenían inquietudes literarias; a los treinta años, W.B. aún no había empezado a escribir, pero todos los que rodearon a K. y G. acabaron escribiendo algo. Burroughs escribió primero Junky (Yonqui) -acerca de sus experiencias con la droga- y luego Queer (Marica), tan fuerte que no llegó a imprenta durante décadas.
Se trasladó a Texas, donde intentó vivir como granjero hasta que, perseguido por su relación con las drogas, marchó a Méjico. Allí, bromeando ante amigos, haciendo de Guillermo Tell con un vaso en la cabeza de su esposa Joan (por primera y última vez), la mató de un tiro en la frente. La tragedia afectó terriblemente a W.B., que vagó por todo el mundo hasta aterrizar en Tánger, donde escribiría su Opus Magna: Naked Lunch (El Almuerzo Desnudo). La obra le convirtió en una celebridad underground, puesto que mantiene hasta el momento. Sólo dos datos recientes: grabó un disco con Kurt Cobain (W.B. contando un cuento, fondo de guitarra de Cobain) y ahora anuncia zapatillas deportivas.
W.Burroughs
Fue la voz de la herencia beatnik: mucho del poder del hippismo y de la conciencia social anti-Vietnam nació de su boca. Nació en junio de 1926 en Newark, New Jersey; su padre era poeta y profesor; su madre una comunista radical y una nudista irreprimible que enloqueció al poco de alcanzar la madurez (por lo que fue posteriormente hospitalizada de por vida y finalmente lobotomizada).Fue un niño tímido y complicado, dominado por los ataques de su madre y por el temprano descubrimiento de su homosexualidad. Descubrió la poesía en el instituto pero decidió labrarse un futuro estudiando Derecho Laboral en la Universidad de Columbia. Allí cayó ante la irrefrenable vitalidad de un grupo de personas como Jack Kerouac, William Burroughs o Neal Cassady, jóvenes filósofos igualmente obsesionados con el crimen, las drogas, el sexo y la literatura.
Ginsberg, el más joven e inocente del grupo, les ayudó a pulir sus habilidades literarias, mientras éstos a su vez lo espabilaban un poco. Le expulsaron de la Universidad -la Norteamérica represiva-, comenzó a frecuenta ladrones y yonquis neoyorkinos -la mayoría amigos de Burroughs- y se enamoró perdidamente de Neal Cassady y le visitaba en Denver y San Francisco, comenzando una cinética de viajes de costa a costa que desembocarían en ´En el Camino´ de Kerouac.
A los 29 años, había escrito mucha poesía pero no había publicado nada (había promovido las obras de Burroughs y Kerouac, pero no las suyas) hasta que decidió, en un ya mítico recital de 1955, presentar espectacularmente su poema Howl (Aullido); ganó fama instantánea, parte por la calidad del texto, parte por la denuncia por depravación sexual que le pusieron -la homosexualidad era imperdonable en la época-. Esa fama no le abandonaría, como a Kerouac, y la mantuvo cuando decidió entrar en los 60´s en la escena hippy -con todos los honores-, y como poeta americano tendría acceso a las grandes figuras de su tiempo y, sobre todo, a los grandes medios, y fue un factor esencial para desarrollar las protestas anti-Vietnam. Su actividad en los 60´s fue frenética y de enorme importancia.
En los 70´s fundo la escuela de poesía The Jack Kerouac School of Disembodied Poetics, en Boulder, Colorado. En los primeros '80 flirteó con el punk y colaboró con The Clash. Y en estos treinta años no ha dejado de recitar sus poesías.
"He visto a las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura"
Allen Ginsberg
MUSICA & GENERACION BEAT
David Bowie
Está muy familiarizado con las obras de William Burroughs e incluso a reconocido su influencia estilística en las letras de sus canciones, para Bowie, Burroughs es otro compañero de los años sesenta al igual que otros profetas de la contracultura como Andy Warhol o Marshall McLuhan. "Diamond dogs" es el trabajo en el que más claramente se aprecia la influencia de Burroughs; este albúm de gran influencia orwelliana comienza con una introducción hablada llamada "Future Legend" que proviene de uno de los "cut-up" de Burroughs. Por otro lado, en el albúm en directo "David Live", lo primero que se oye es una melodía de tintes árabes, grabada en Tanger. Una curiosidad: en una reciente entrevista, Bowie ha contado que el título de su famosa canción "Jean Genie" se le ocurrió estando en la librería City Ligths, donde vio una serie de obras del novelista frances Jean Genet, que fue uno de los escritores que más influenciaron a Kerouac.
Bob Dylan
Allen Ginsberg era uno de los poetas favoritos de Dylan y llego a formar parte de su íntimo circulo de amistades, llegando a colaborar en varios proyectos juntos, como la película "Don´t look back", en varias canciones a loa largo de los años 70 y en el legendario Rolling Thunder Revue Tour, y en la película de esa gira, en la que se ve a un emocionado Ginsberg leyendo su poema "Kaddish" y visitando la tumba de Kerouac. A pesar de la estrecha relación entre ambos, el punto de vista creativo de Dylan es más próximo a Kerouac, quizás por la presunta admiración, no reconocida por él, que Dylan sentía hacia la obra de Kerouac, entevista por ejemplo en "Last thoughts on woody guthrie" en The Bootleg series. Sin embargo, Kerouac no tenía una elevada opinión de Dylan, quizás por el profundo rechazo que despertaba en él todo lo relacionado con los hippies y la explosión contracultural de los sesenta.
Janis Joplin
La famosísima canción "Buy me a Mercedes- Benz" es muy conocida, pero lo es menos el hecho de que la letra es del poeta Beat Michael McClure.
Van Morrison
Hay gran cantidad de referencias literarias en las letras de Van Morrison, existen citas de William Blake, Rimbaud, Joyce, y también breves menciones de miembros de la generación Beat, especialemente Kerouac, al que, más que referirse a su onra, invoca nominalmente, como por ejemplo en la canción "Cleaning windows" del albúm "Beautiful Vision" (1982) o en "On Hyndford Street" (Hymns to the silence, 1993).
Patti Smith
Otra cantante en la que la influencia de Rimbaud es harto manifiesta, como se ve en el álbum "Horses": "go Rimbaud and go Johnny go". También es conocida su devoción por William Burroughs al que dedicó su elepé "Peace and noise" de 1997, que también incluye referencias al "Howl" de Allen Ginsberg.
Frank Zappa
Existen varias referencias a los Beats en los elepés de Frank Zappa con los "Mothers of Invention", entre ellas la parodia que hace Zappa de la forma de recitar de Ginsberg en la introducción a la canción "Muffin Man" del elepé directo "Bongo fury".
Grateful Dead
Los Dead estuvieron muy ligados al movimiento Beat incluso antes de ser los "Grateful Dead". Cuando Ken Kesey, autor de "Alguien voló sobre el nido del cuco", comenzó a vislumbrar la idea de las que luego se conocieron como "Fiestas del Ácido", contaba con la inestimable colaboración de Neal Cassady, experto en cualquier tipo de celebración lúdica, y con una banda, los "Warlocks"que, bajo la dirección de Jerry García, amenizaban las Fiestas. Está banda, posteriormente cambio su nombre; se pasaron a llamar "The Grateful Dead" Estas "celebraciones" comenzaron entre 1965 y 1966, antes del Verano del Amor y la explosión del movimiento hippie, del que los Beats son claros, y principales, precursores. Los "Grateful Dead" estuvieron siempre muy unidos en cuanto a ideología con el movimiento Beat y también por la relación que mantuvieron con algunos de sus miembros, ya fueran de los fundadores, como Neal Cassady o de los miembros posteriores, especialmente Ken Kesey. Precisamente a Cassady le dedicaron varias canciones, como "The other one" y "Cassady", en las que demostraban su amistad/adoración por tan curioso personaje.
Jethro Tull
Esta conocida banda que exploró, en los años setenta, las posibilidades de fusión entre los ritmos celtas y el rock progresivo no aparece en primera línea de los grupos influenciados por cualquier miembro de la Literatura Americana. De todas formas, en el elepé "Too old to Rock and Roll" incluyen una canción titulada "From a dead Beat to an old Greaser"
Pink Floyd
La relación de este grupo con los Beats, si bien no tan reconocida como la de los Grateful Dead si existe, sobre todo por el hecho de que los muchachos de "Pink Floyd" procedían de la escena psicodélica del Londres de mediados de los sesenta que había comenzado con el Festival Poético Internacional celebrado en el Royal Albert Hall en 1965 y en el que habían participado, entre otros, Ginsberg, Ferlinghetti y Corso. Probablemente, la mejor muestra de la conexión entre "Pink Floyd" y los Beats es Miles, el dueño de la librería Indica y miembro en la escena poético-artístico-rock de los "Pink Floyd". Escribió el mejor libre que existe sobre este grupo: "Pink Floyd: A Visual Documentary by Miles" y también la mejor biografía sobre Allen Ginsberg. Como anécdota decir que fue en la librería Indica donde se conocieron John Lennon y Yoko Ono.
Velvet Underground
En el Festival Poético del Royal Albert Hall también estaban presentes Andy Warhol y Gerald Malagna, y mientras Kesey y los "Grateful Dead" creaban el Haight- Ashbury en San Francisco, y Pink Floyd participaba activamente en la puesta en marcha de la escena psicodélica en Londres, Warhol estaba convirtiendo Greenwich Village y el Lower East Side en su propio patio de colegio dedicado al arte, las películas, las drogas y, por supuesto, a la música. La banda que acogió bajo su tutela fue la "Velvet Undergrund" cuyos principales integrantes eran Lou Reed y John Cale. Las conexiones con los Beats son bastante numerosas, pero tienden a ser accidentales, Tanto la gente de Ginsberg como la de Warhol compartían la misma zona de juegos, el Lower East Side, pero sus filosofías de vida eran algo diferentes lo que impidió que ambos crearan mejores alianzas creativas.
Por otro lado, Lou Reed como letrista ha sido comparado muchas veces con Burroughs, ya que a ambos les fascinaban las drogas, los pasos hacia la depravación humana y el mismo lado de la vida. Pero mientras Burroughs jugaba con ideas, con la ruptura de reglas para hacer su trabajo incomprensible, Reed es un minimalista, y escribe sobre las emociones con gran claridad. En realidad, en cuanto a las revelaciones emocionales sobre si mismo, Reed está más próximo a Kerouac y a Ginsberg que a Burroughs.
Fuente: http://punksunidos.com.ar
lunes, octubre 29, 2007
Las elecciones pasaron, y otra posibilidad de cambio también….Qué paso con la consigna del 2001 bandera del cacerolazo, que muchos veíamos como una demanda ineludible para toda la clase política argentina?
Nada, absolutamente nada…
El radicalismo luego de la debacle de la Alianza, deambula como un Zombie, parasitando del peronismo (de Cristina o Lavaña, da igual)…
Haría las delicias de George Romero en una versión vernácula La Noche de los Muertos Vivientes, (recuerdan a la legión de Zombies alimentándose de la carne de los vivos?)
El peronismo es un ejemplo por su aporte ecológico: sabe como reciclarse... Del primero al último caudillo, del primero al último puntero, cruzan de vereda sin inmutarse, y son adalides de cualquiera de las mutaciones que “el Movimiento” presente (acaso el compañero Scioli salió de un repollo?, les refresco la memoria? fué mascarón de proa del menemismo y del duhaldismo en la Ciudad de Buenos Aires y ahora del kirchnerismo en la Provincia de Buenos Aires sin que se les mueva un músculo…ni a él ni a sus impulsores... Y los compañeros Kirchner? ayer fervientes defensores de la política entreguista del menemismo y hoy detractores a ultranza!!!)
Y la nueva líder de la oposición?... bien gracias… no escapa a la regla… haciendo gala de su progresismo, pero coqueteando con López Murphy hasta la semana pasada por una senaduría o posando con Patricia Bullrich en los afiches de campaña…. No les da como cosita?...
El espacio de derecha, abanderado de la mano dura, en un país que carga con 30.000 muertos como saldo de las políticas de extermino de la última dictadura no resiste el menor análisis…
Y la Izquierda… HIPER-ATOMIZADA… MAS, MST, PST, PO, AyL, Proyecto Sur, etc., etc.,etc… tienen diferencias programáticas tan insalvables que no les permita confluir en un espacio común?.... no quiero ser tan mal pensado y suponer que la mezquindad y la pequeñez de las ambiciones por el mejor lugar en las listas, sea el mayor problema…
Nahhhhh!!!! Ni ahí no?...muchachos! un poco más de generosidad! es mucho pedir?
Que se viene? + poder hegemónico – calidad institucional (manejo a su antojo de las 2 cámaras, el 90% de las provincias, todos los municipios del conurbano a excepción de San Isidro y Vicente López; y el Poder Judicial (nahhhh hasta ahí no, che! Que mal pesnsado que sos!)…
Creo que necesitamos mucho más que buenaventura económica…
Yo no bajo la guardia...
Mientras tanto, a seguir participando…
Y como decía Tato, mis queridos chichipíos, vermouth con papas fritas y Good Show!!
domingo, octubre 28, 2007
REDD
(1979) - Tristes Noticias del Imperio
Argentina
Género: Rock Progresivo
02.: Kamala
03.: Reyes en Guerra
04.: Matinee
05.: Nocturno de Enero
06.: Kamala II
07.: Parche Armonico [bonus track]
08.: Intro [bonus track]
09.: Despues de un Mes [bonus track]
10.: Kamala III [bonus track]
Esteban Cerioni: bajo y voz
Juan Escalante: batería, percusion y voz
Enrique Mondino: teclados
Reconoce influencias de Invisible, King Crimson y Génesis, que da como resultado un prog sinfonico evocativo, melancólico, con una densidad especial, casi mágica.
Su musica rebosa energía, pero principalmente Redd elabora un repertorio no muy trepidante, trabajando mas bien con compases y cadencias reposadas, y melodías mas tiradas hacia lo sutil que hacia lo fastuoso.
Tuvieron el privilegio de debutar en año '72, nada mas y nada menos que como teloneros del maestro: Luis Alberto Spinetta.
Los bonus tracks provienen de presentaciones en vivo.
sábado, octubre 27, 2007
PAUL GILBERT
(1991) - Tribute to Jimi Hendrix
U.S.A.
Género: Blues, Hard Rock
01.: Red House
02.: Hey Joe
03.: Highway Chile
04.: Midnight
05.: Purple Haze
Paul Gilbert: guitarra y voz
Horst Polland: bajo
Rick Lee: batería
Grabado en vivo en el festival de Jazz de Frankfurt, el 2 de junio de 1991.
Excelente tributo hecho por un gran guitarrista. Curiosamente, pese a que es una grabación en vivo, el bajo fue grabado en estudio.
Es un disco relativamente corto, pero muy intenso. Si bien la voz de Gilbert no es la más adecuada para cantar las canciones de Jimi (a diferencia de Stevie Ray Vaughan), su virtuosismo en la ejecución es exquisito. No es cualquier guitarrista quien hace el tributo!...Es Paul Gilbert, uno de los guitarristas más rápidos y técnicos de la actualidad
En todo el disco se aprecia la limpieza de su ejecución y la velocidad de sus riffs.
Hablemos un poquito más del gran Paul. Nació en 1966 en Ilinois. A los 5 años comienza a tocar guitarra, a los 15 aparece en la revista Guitar One junto a Yngwie Mälmsteen, a los 18 se va a estudiar en los Ángeles al GIT (Guitar Institute of Technology) en el cual se vuelve instructor al año.
Sus influencias van desde Eddie Van Halen e Yngwie Malmsteen hasta otras no tan comunes para un guitarrista de este estilo, como The Beatles, The Beach Boys o The Ramones.
Es considerado uno de los guitarristas más rápidos del mundo, por ello salió elegido dentro de los diez primeros en una encuesta de la revista Guitar One. No sólo se destaca por su habilidad en la guitarra eléctrica, sino que también ejecuta con la guitarra acústica a un gran nivel, como demuestra en sus discos Acoustic Samurai y Gilbert Hotel.
Ha impartido algunos talleres en video, como Intense Rock - Sequences & Techniques, Intense Rock II, Guitars from Mars, Guitars from Mars II y Terryfying Guitar Trip, donde demuestra sus habilidades como guitarrista y como instructor, enseñando a tocar la guitarra con muy buen sentido del humor. Ha sido maestro de otros grandes guitarristas como Buckethead y Joey Tafolla. Fue miembro de Racer X (OJO: Banda Altamente Recomendable) y Mr. Big. En 1996 dejó el grupo Mr. Big (siendo reemplazado por Richie Kotzen) y comenzó su carrera solista. Usa guitarras Ibanez y tiene varios modelos propios, como la PGM-301 .
Bueno, sabiendo ésto hay que decir algunas cosas más sobre el disco.
Versionar a Hendrix no es moco 'e pavo, no es nada sencillo de tocar, si eso ya es complicado, llevar las canciones de Hendrix a otro nivel, mucho más!... Quizás sean pocos quienes han logrado ir más allá de la canción original al hacer su versión.
Al único al que podía considerar que había llevado a otro nivel las canciones de Jimi era a Stevie Ray Vaughan (busquen las versiones de Stevie de Vodoo Chile, pero sobre todo la de Little Wing), pero debo decir que Paul no me defrauda en éste disco y sabe unir su velocidad a la pasión de las canciones de Jimi.
Suenan acordes que no habían, hay riffs más rápidos y además Paul es más limpio que Jimi para tocar. Pero en esas diferencias hay un enorme gustazo para el oído.
Que lo disfruten...
viernes, octubre 26, 2007
Mc GUEVARA o CHE DONALD'S? 
Pero se ve chic en remeras, mochilas, bolsos, pines, billeteras, posters, camperas, tatuajes, medallas, amuletos, etc., etc., etc. ......., no?
Esa foto (obra de arte, que duda cabe), se ha convertido en el mundo que es el nuestro, el capitalismo, en un producto comercial, una mercancía, en su género una de las más vendidas del mundo.
Qué paradoja ver la imagen de Che mercantilizada, él para quien el dinero no valía más que para destruirlo, él que incluso estudió, dirigiendo el Banco Central de Cuba, experiencias de supresión de la moneda (esa foto es también la de un presidente de Banco Central!)
Se pueden ver, en Nueva York, camisetas con el retrato de Che vendidas al lado de otras con el logo de la CIA...
Cómo gana dinero el capitalismo con el retrato de uno de sus adversarios más acérrimos! Porque lo que nos muestra esta foto, es la imagen de un revolucionario que combatió hasta la muerte, no contra la injusticia de un capitalismo "malo", sino contra la injusticia del capitalismo en sí, enemigo de los pueblos ; que combatió hasta la muerte contra el imeprialismo, enemigo de la democracia.
El icono como simbolo de rebelión ha trascendido al sujeto y al hecho en si...
Pasen y vean:
Revolution & Commerce
http://138.23.124.165/exhibitions/che/default.html
miércoles, octubre 24, 2007
PETER HAMMILL
(1999) - Radio Archives I (1971-1982)
U.K.
Género: Rock Progresivo
CD1
01.: Vision
02.: German Overalls
03.: Time For a Change
04.: Easy to Slip Away
05.: In The End
06.: The Black Room
07.: My Room
08.: The Future Now
09.: Mirror images
10.: Porton Down
11.: Faculty X
12.: The Secondhand
13.: Out Of My Book
14.: Last Frame
15.: Tintagel
CD2
01.: If i Could
02.: Afterwards
03.: Mediaeval
04.: Losing Faith in Words
05.: Sign
06.: Don't Tell Me
07.: Stranger Still
08.: Autumn
09.: My Experience
10.: Paradox Drive
11.: Modern
12.: Patient
13.: Film Noir
14.: Happy Hour
Peter Hammill: teclados, guitarra y voz
John Ellis: guitarra (track 4,5,8,9 Y 14 CD2)
Nic Potter: bajo (track 4,5,8,9 Y 14 CD2)
Guy Evans: batería y percusión (track 4,5,8,9 Y 14 CD2)
David Jackson: saxo y flauta (track 7,8,9,10 Y 11 yCD1)
Una antología increíble de las actuaciones en distintos programas de radio (BBC de Londres, Capitol Radio de Londres, Munich Radio de Alemania, Amsterdan Radio...) , entre 1971 y 1982 de este enorme artista.
De alguna manera el medio parece adaptarse a él, brindándole ese espacio intimista con el público en estudio y con la audiencia. Hay registros de Peter solo al piano o con su guitarra al hombro, y performances con The K Group.
Una joyita!
>>>descargar CD1<<<
>>>descargar CD2<<<
martes, octubre 23, 2007
LA ARGENTINIDAD AL PALO
+INFO: http://www.popularonline.com.ar/nota.php?Nota=118132&fechaEdicion=2007-08-19
domingo, octubre 21, 2007
CIRUELO
"Un día dije: no dibujo más, ahora quiero ser mago y cuando hice magia me di cuenta que era igual que dibujar..."
Carta de presentación de Ciruelo.
Para quienes no lo conocen, Gustavo Cabral, alias Ciruelo, es un artista argentino del rubro fantástico, especializado en dragones y uno de los más prestigiosos del mundo.
Sufrir de daltonismo no le ha impedido desarrollar su vocación por el dibujo: es reconocido mundialmente como uno de los más importantes ilustradores y referentes del Fantasy Art o Fantasía Épica, género que representa una temática básicamente mágica o supernatural.
Creador y desarrollador de la técnica de petropictos, en la cual dibuja sobre piedras, sin alterar su forma original, encontrando figuras en ellas y logrando, así, una escultura.
En su haber se encuentra la realización de las portadas de la trilogía Chronicles of the Shadow War, escrita por el director de cine George Lucas; Ilustración de portadas de álbumes de rock, tales como The 7th Song y Ellusive Ligth & Sound de Steve Vai, tapas para las revistas Playboy y Heavy Metal entre otras, y exposiciones de su muestra de Ilustraciones y Petropictos en Italia, Alemania, España, Reino Unido, China y U.S.A.
Un fan, alias Nando, le rinde tributo en un website de su autoría: http://www.ciruelocabral.com.ar/
MARCUS MILLER, MICHEL PETRUCCIANI, KENNY GARRET, BIRÉLI LAGRÈNE & LENNY WHITE
(2004) - Dreyfus Night in Paris
U.S.A.
Género: Jazz
01.: Tutu
02.: The king is gone
03.: Looking up
Marcus Miller: bajo
Michel Petrucciani: teclados
Kenny Garrett: saxo alto
Biréli Lagrene: guitarra eléctrica
Lenny White: batería y percusión
Grabado en el Palais Des Sports de París, el 7 de Julio de 1994. Este concierto reunió a estos músicos que nunca antes habían tenido la oportunidad de tocar juntos, comandados por el ya desaparecido Michel Petrucciani.
Esta especie de jam session de jazz contemporáneo, se basa en el material compuesto por Marcus Miller en tributo a Miles Davis a mediados de los '80. Así, la primera de las tres largas piezas que lo conforman es el mítico Tutu, en una interpretación apasionada e intensa por parte de los integrantes del quinteto.
Miller y Garrett parecen tirar bastante del grupo en los dos primeros temas, mientras es Petrucciani quien se ofrece con extremada soltura en su samba Looking Up.
Si bien la grabación no denota la cohesión que uno pudiera apreciar en un disco de estudio, es muy interesante escuchar la interacción entre músicos pertenecientes a distintas corrientes.
Tanto Petrucciani y Miller como Kenny Garrett rebosan de poderío y decisión, mientras el camaleónico Biréli Lagrene se muestra más efectista que efectivo y Lenny White se defiende con sobriedad y solvencia.
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sábado, octubre 13, 2007
BIENVENIDOS AL UNIVERSO DE DON BENITO...
Esta historia ni siquiera puede empezar como cualquier biografía: “Fulano nació el tanto del tanto de tal año”. Lo que se sabe de Quinquela es que un 21 de marzo de 1890 fue dejado en la Casa de los Expósitos de Buenos Aires. Estaba arropado en telas finas. Junto a él una nota decía: “Este niño ha sido bautizado y se llama Benito Juan Martín”. Junto a la nota, un pañuelo con una flor bordada y cortado por la mitad, recurso clásico para reconocer a un familiar abandonado cuando la madre decide recuperarlo.
Pero la mujer con la otra mitad de la flor bordada no apareció jamás. Las monjitas de la Caridad que tenían a su cargo la institución estimaron, a ojo de buen cubero, que debía tener unas tres semanas de vida, de manera que se dio por fecha de nacimiento el 1º de marzo, quizá. No tenemos recuerdos precisos de nuestros primeros años, y a Benito le ocurrió lo que a todos: imágenes aisladas, guardapolvos grises, disciplina con amor, protección del frío y el hambre.
Sólo una idea penetra como una espada de sol en sus recuerdos: la certeza de que alguien lo va a venir a buscar, de que una mujer lo va a querer como hijo. Cada tanto, llaman a los chicos mientras una pareja de adultos espera en la sala. Son los minutos del destino. La pareja se decide y un chico tiene hogar. Y el resto es amor. Quinquela recuerda la ansiedad con que esperaba ese momento decisivo, pero lo asombroso del caso es que cuando llegó, cuando una pareja lo eligió, a los 5 ó 6 años, Benito no pudo recordar más tarde nada en absoluto de la situación. Pero los afectos se encaminaron rápido.
“Mi vieja me conquistó en seguida –dicta Quinquela en su autobiografía recogida por Andrés Muñoz y publicada en 1963– y desde el primer momento encontró en mí un hijo y un aliado”. Justina Molina tenía sangre india, venía de Gualeguaychú y era analfabeta, lo cual no le impedía atender la carbonería en el barrio porteño de la Boca con perfecta eficiencia: se acordaba mejor que cualquier computadora actual del estado de cuentas de cada cliente.
Manuel Chinchella era un forzudo italiano que redondeaba los ingresos de la carbonería con trabajos en el puerto, donde cargaba de a dos las bolsas de 60 kilos. Su trato con el niño era un poco distante, de ruda ternura, pero cada tanto una caricia cuando el padre llegaba del puerto le tiznaba la cara al purrete. Pronto empezó a ir a la escuela. Aprendió lo elemental durante tres años. También aprendió la ley de la calle, las guerras de pandillas entre la Boca (italiana) y Barracas (española), y a usar el alambre de púa como arma, envenenándolo con ajo.
Pero duró poco. A los tres, años sus padres lo sacaron de la escuela para que ayudase en el reparto de carbón. Algunos clientes eran de la Boca, de este lado de la calle Patricios, zona confiable, pero otros eran del lado enemigo, y Benito tenía que apechugar solo en zona hostil. Aprendió a defenderse a pedradas, o mejor dicho a carbonazos, que tenía siempre a mano. Tenía 10 años. Se entretenía haciendo garabatos con el carbón en las paredes. Barrio y política En esos tiempos de comienzos de siglo, la Boca era el puerto de una de las ciudades más pujantes del mundo. En el apuro de construir un país, se amontonaban barcos sobre las aguas oleosas y ya un poco podridas. Cuando un viejo navío no daba para más, iba al cementerio, donde lo desguazaban y lo dejaban desnudo, tapado cada tanto sólo por las nieblas de la Ribera, que convertían a esas estructuras ya inútiles y carcomidas en pesados fantasmas que se veían a fragmentos a lo alto, por encima de la bruma, despertando las locas fantasías de la nostalgia quebrada.
Los habitantes del barrio no eran menos singulares. De todas las latitudes llegaban inmigrantes que ponían a prueba la tolerancia y la intolerancia de los vecinos. Muchos habían dejado una mujer del otro lado del mar. Los vaivenes de la vida obligaban a decir “¡Adiós!” con demasiada frecuencia: “adiós” a los que se volvían, “adiós” a los que probaban suerte en el interior. Todos los destinos se jugaban a una ilusión.
En una ocasión, Quinquela se acercó a la orilla para analizar la posibilidad de pintar uno de esos paisajes fantasmagóricos. De pronto, sintió que alguien lo tomaba del brazo:
–¿Qué va a hacer?
–Nada. Aquí estoy mirando estos muertos (se refería a los barcos).
–¿Qué muertos?... Usted iba a suicidarse. No sería el primero en este sitio... Yo mismo me asomé al cementerio de barcos y de pronto me tiré al agua...
–¿Y por qué se tiró?
–Por culpa de una mujer. Una traición... A mí ya se me pasó. Todo se olvida, y a la mujer que nos traiciona, también. Pero si usted no está curado todavía, mejor que no vuelva por aquí...
Los socialistas trataron de poner un sentido al caos de esa vida hirviente e inestable. Sus sociedades iniciaron la lucha por la mejora social. Benito se daba una vuelta por la de Caldereros, la más brava. En 1904 hubo elecciones.
Los socialistas no se ilusionaban mucho, pero Quinquela no dejaba de pegar carteles y distribuir volantes, como buen militante juvenil. Pero los socialistas eran casi todos extranjeros y la mayoría no podía votar. En la Boca se presentaron ese año candidatos roquistas, pellegrinistas y mitristas, todos con muy buenos apoyos en el gobierno.
Falleció en Buenos Aires el 28 de Enero de 1977.
Están invitados a pasar por esta Galería virtual: http://www.galeriamuseoaguilar.com/esp/autores/benito-quinquela-martin.html
jueves, octubre 11, 2007
LUIS ALBERTO SPINETTA
(1990) - Exactas
Argentina
Género: Rock Progersivo
02 - Amor de primavera
03 - Parva
04 - El marcapiel
05 - Frazada de cactus
06 - Plegaria para un niño dormido
07 - Sicocisne
08 - La cereza del Zar
09 - Pequeño ángel
10 - La herida de París
Guillermo Arrom: Guitarra
Juan Carlos "Mono" Fontana: Teclados
Javier Malosetti: Bajo
Marcelo Novati: Batería
Tiene 3 gemas a saber: 2 temas nuevos "Frazada de Cactus" y "Sicocisne", y un cover de Amor de Primavera, tema de Tanguito, que el flaco grabó con Invisible en estudio, versión que fuera rescatada por la compañia Sony Music para editar uno de los tantos compilados de estos años (otra perlita que postearé, no tengan dudas!)...
>>>descargar<<<
miércoles, octubre 10, 2007
PETER HAMMILL
(1984) - The Love Songs
U.K.
Género: Rock Progresivo, Rock Sinfónico
01. Just Good Friends* [3:54] (Patience, 1983)
02. My Favourite [3:00] (pH7, 1979)
03. Been Alone So Long+ [5:01] (Nadir's Big Chance, 1974)
04. Ophelia [3:08] (Sitting Targets, 1981)
05. Again [3:34] (In Camera, 1974)
06. If I Could [5:00] (The Future Now, 1978)
07. Vision [3:15] (Fool's Mate, 1971)
08. Don't Tell Me [4:39] (Enter K, 1982)
09. The Birds [3:40] (Fool's Mate, 1971)
10. The Looking Glass+ [6:57] (Over, 1977)
Peter Hammil: guitaras, teclados, bajo, batería y voces
Graham Smith: violin (tema 2)
David Jackson: saxos (temas 3/8/9)
Nic Poter: bajo (temas 5/6/9)
Guy Evans: batería(temas 3/5/6/7/9)
Hugh Banton: órgano (temas 3/9)
Stuart Gordon: violín (temas 1/7)
John Ellis: guitarra (temas 5/6)
Manny Elias: batería (tema 1)
G. Brown, S. Power, H. Copp: voces (tema 9)
David Lord: sitetizador (tema 1)
Compilado de canciones de amor de Peter Hammill, ex líder de Van Der Graaf Generator, banda de culto de rock progresivo y uno de los músicos británicos más influyentes de todos los tiempos.
(de Peter Gabriel a Robert Smith, de Luca Prodan a Andrés Calamaro han expresado su admiración por este artista)
Para los que no lo conocen, este disco es un buen punto de partida, y a pesar del nombre elegido para la compilación y del arte de tapa, les aseguro que nada tiene que ver con el Puma Rodríguez o José Luis Perales.... absolutamente nada.
Todos los temas han aparecido en álbumes anteriores, (está indicado el disco al que pertenece cada track). Hay temas que son versionados nuevamente, como "Just Good Friends" o "Vision" y performences en vivo trabajadas posteriormente en estudio, como "Again" o "If I Could".
Por otra parte, en el caso de "Been Along So Long" se han grabado de nuevo las voces sobre la pista original.
Altamente Recomendado
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martes, octubre 09, 2007
HOY TE QUEREMOS CANTAR!
Adiós, buscaré tu huella, adiós
y adentro de mi cantaré,
cantaré al recordar,
que tu lucha no morirá jamás
Debimos luchar!
hay cosas que no verás más
Porque ya no estás!
Debimos luchar!
Porque te cegaron
como a un lirio con sus gotas de metal,
como a un río,
te dejaron sangrando en la ciudad
Todos debimos caer,
caer sin poder llorar
Hoy te queremos cantar,
nadie te puede olvidar,
vos estás vivo en todos, todos
como un sol...
...:::Alma y vida:::..
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Hace 40 años, moría un hombre y nacía un mito...
Ernesto Guevara Lynch nació en Rosario en 1928. Médico de formación, recorrió América en 1952 y 1953, y su vida dio un vuelco cuando conoció a Castro en México en 1955.
Se unió a su lucha y fue vital en el triunfo de la revolución cubana el 1 de enero de 1959. En 1966 apoyó experiencias guerrilleras en Latinoamérica y preparó su campaña en Bolivia, adonde ingresó clandestinamente.
El 8 de octubre de 1967 fue capturado por el Ejército y asesinado en La Higuera.
Es increible que a una de las figuras políticas mas relevantes del siglo XX, no se le haya rendido en Argentina el tributo que merece...
Vaya mi más sentido homenaje...
+ Info sobre el homenaje en América Latina
http://espanol.news.yahoo.com/s/reuters/071008/latinoamerica/latinoamerica_guevara_argentina_sol http://www.clarin.com/diario/2007/10/09/elmundo/i-02201.htm
http://www.elmundo.com.bo/Secundarianew.asp?edicion=08/10/2007&Tipo=Nacional&Cod=6794
lunes, octubre 08, 2007
ALMA Y VIDA
(1972) Volumen 2
Argentina
Género: Rock Progresivo
02- Un hombre más
03- No corras nono
04- Canción que se viene
05- Don Quijote de barba y gabán
06- Para mi no hay jaula
07- Fantasía sobre los Reyes Magos
08- Sonido final
Alberto Hualde: batería
Bernardo Baraj: saxo
Carlos Villalba: bajo
Juan Barrueco: guitarra
Gustavo Moretto: trompeta
Alma y Vida fué el grupo liderado por Carlos Mellino, con influencias de bandas como Chicago y Blood, Sweat & Tears.
Surgen como grupo de la unión de músicos orientados al jazz que se conocen por haber frecuentado el mítico local de la calle Pueyrredón llamado La Cueva.
Si algo caracterizó al grupo, fué sin dudas la voz de Carlos Mellino, la sección de vientos a cargo de Gustavo Moretto y las letras de neto compromiso social y político.
Otra de las características del grupo fueron los arreglos más que interesantes en las composiciones instrumentales.
HOUND DOG TAYLOR
(2004) - Release The Hound
U.S.A.
Género: Blues
01. Wild About You, Baby
02. Sen-sa-shun
03. She's Gone
04. It Hurts Me Too
05. What'd I Say
06. One More Time
07. Sadie
08. The Dog Meets The Wolf
09. Walking The Ceiling
10. Sitting At Home Alone
11. Phillips Screwsdriver
12. Gonna Send You Back To Georgia
13. Things Don't Work Out Right
14. See Me In The Evening/It's Alright
15. Streakin'
Hound Dog Taylor: Guitarra y voz
Brewer Phillips: guitarra
Ted Harvey: batería
Levi Warren: batería
Lugares de grabación: Smiling Dog Saloon, Cleveland, Ohio (11/22/1974 - 11/24/1974); Northwestern University, Evanston, IL (01/18/1974); Harvard University, Cambridge, Massachussets (12/01/1973).
Release The Hound es un una edición de rarezas, emisiones de radio de principios de los años '70 y grabaciones en vivo, de este monstruo del slide-guitar. El sonido no es el mejor, pero si consideramos que datan de mediados de los `70...
Taylor está apoyado por su banda: The Houserockers. Hound Dog Taylor fué uno de los músicos de blues más crudos y eufóricos alguna vez puestos para grabar, y estas grabaciones rescatadas, lo demuestran.
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AMIGOS SON LOS AMIGOS
Estan invitados a pegarse una vuelta por el fotolog de Max, un fotógrafo de San Petesburgo, Rusia...
No seas miserables, che! opinen! que opinar, alentar y difundir no cuesta nada!
domingo, octubre 07, 2007
QUE SEA ROCK!
Ficha técnica: Año 2006
Dirección: Sebastián SchindelGuión: Sebastián Schindel y Nicolás Avruj
Producción: Héctor Olivera
Dirección de producción: Daniel Werner
Duración: 101 minutos
+ Info: www.clarin.com/.../07/espectaculos/c-00601.htm
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sábado, octubre 06, 2007
VARIOS ARTISTAS
(2005) - Visions Of An Inner Mounting
(Mahavishnu Orchestra Tribute)
U.K.
Género: Jazz Rock, Rock Progresivo
01. Birds Of Fire (6:47)
02. Can't Stand Your Funk (6:43)
03. Celestrial Terrestrial Commuters (4:46)
04. Meeting Of The Spirits (6:51)
05. Jazz (4:53)
06. Dawn (6:34)
07. Lila's Dance (5:22)
08. Faith (5:47)
09. Dance Of Maya (6:16)
10. Follow Your Heart (7:46)
Vinnie Colaiuta: batería
Kai Eckhardt: bajo
Mitchel Forman: teclados
Jeff Richman: guitarra
Y la particpación de:
Steve Lukather: guitarra ( tema 1)
Mike Stern: guitarra (tem 2)
Jerry Goodman: violín (2 , 6, 7 y 9)
Steve Morse: guitarra (tema 3)
Jimmy Herring: guitarra (tema 4)
Frank Gambale: guitarra (tema 6)
Warren Haynes: guitarra (tema 7)
David Fiuczynski: guitarra (tema 8)
Greg Howe: guitarra (tema 9)
John Abercrombie: guitarra (tema 10)
Tributo a una de las bandas de Jazz Rock más influyentes de todos los tiempos y a las magistrales composiciones de John Mc Laughlin. Que decir de los participantes del tributo!, un verdadero "Dream Team".
Solo 2 músicos participaron alguna vez de la formación de la Mahavishnu: el tecladista Mitch Forman y el violinista Jerry Goodman...
Hay un solo guitarrista que me hubiera gustado ver participando del tributo y no está: Allan Holdsworth...
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