DANIEL MELERO
(1999) - Piano
Argentina
Género: Rock & Pop

01.: Habitantes
02.. No dejes que llueva
03.. Trátame suavemente
04.: Nena mía
05.: Pequeño
06.: Quiero estar entre tus cosas
07.: Planeta Agua
08.: Cielo
09.: Estrella fugaz
10.: Música lenta
11.: Descanza en mis brazos
12.. Herirte
13.: La sed
14.: Dejaré que el tiempo me alcance
15.: Buenas noches

Daniel Melero: voz
Diego Vainer: Piano

"Daniel Melero es algo así como el Brain Eno argentino. Es el primer no-músico que sin ninguna vergüenza, más bien con orgullo, ha proclamado su impericia como instrumentista. Es el adalid de una nueva tecnología (samplers, sintetizadores, secuenciadores) frente a la cual no se ha deslumbrado sino que le plantea constantes cuestionamientos. Es quien más lejos ha llevado en el rock argentino el concepto de que cualquier configuración sonora puede ser música" (Rockología: Documentos de los '80, Eduardo Berti, pag. 159).

Daniel Melero es un personaje ineludible a la hora de hablar de vanguardia. Artista inquieto si los hay, hizo tecno y música electrónica en los '80 con Los Encargados; creó una de las primeras compañías discográficas independientes de Argentina (Catálogo Incierto) donde grabaron sus primeros trabajos Todos Tus Muertos, entre otros; ha editado más de 10 discos componiendo canciones que ya son clásicos del pop argentino; ha sido ni mas ni menos que el cuarto Soda Stereo; ha producido a toda una generación de grupos tan relevantes como Babasónicos, Suárez, Juana La Loca, Los Brujos, Victoria a mil...

Piano es un disco despojado, con baladas que logran conmover desde la sencillez. Es también, el antojo de un artista que reinterpreta temas de toda su carrera en versiones intimistas, grabadas en sólo dos días y sin sobregrabaciones.

Los invito a sacudirse los prejuicios, explorar un disco de grandes canciones, sencillamente hermoso, y comprobar el talento de este enorme artista.

Dijo Melero alguna vez en una entrevista "Como en la música todo el tiempo nos están queriendo impresionar, uno se pone en guardia. En cambio, con 'Piano', la idea es que no haya que defenderse porque es un disco con el que no intento conquistar sino seducir"...

Vaya si lo ha logrado!

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DAVID GILMOUR
(2007) - Remember That Night
U.K.
Género: Rock Progresivo



CD1 - Live At The Royal Albert Hall:
01.: Speak to Me
02.: Breathe
03.: Time
04.: Breathe (Reprise)
05.: Castellorizon
06.: On an Island (con David Crosby and Graham Nash)
07.: The Blue (con David Crosby and Graham Nash)
08.: Red Sky at Night
09.: This Heaven
10.: Then I Close My Eyes (con Robert Wyatt)
11.: Smile
12.: Take a Breath
13.: A Pocketful of Stones
14.: Where We Start

CD2 - Live At The Royal Albert Hall:
01.: Shine On You Crazy Diamond (con David Crosby and Graham Nash)
02.: Fat Old Sun
03.: Coming Back to Life
04.: High Hopes
05.: Echoes
06.: Wish You Were Here
07.: Find the Cost of Freedom (con David Crosby and Graham Nash)
08.: Arnold Layne (con David Bowie)
09.: Comfortably Numb (con David Bowie)

CD3 - Bonus Features:
01.: Wot's... Uh the Deal
02.: Dominoes
03.: Wearing the Inside Out (con Richard Wright)
04. Arnold Layne (con Richard Wright)
05.: Comfortably Numb (con Richard Wright)
06.: Dark Globe (Music Video)
07.: Astronomy Domine (Live from Abbey Road)
08.: This Heaven (AOL Sessions performance)
09.: Castellorizon (From The BBC Mermaid Theatre Concert)
10.: On an Island (From The BBC Mermaid Theatre Concert)
11.: The Blue (From The BBC Mermaid Theatre Concert)
12.: Take A Breath (From The BBC Mermaid Theatre Concert)
13.: High Hopes (From The BBC Mermaid Theatre Concert)
14.: On an Island (Music Promo Video)
15.: Smile (Music Video)

David Gilmour: guitarra y voz
Phil Manzanera: guitarra
Jon Carin: teclados
Steve DiStanislao: batería
Guy Pratt: bajo
Dick Parry: saxo

Músicos invitados
Rick Wright: Teclados
David Bowie: voz
Robert Wyatt: teclados y voz
Mica Paris: voz
David Crosby: guitarra y voz
Graham Nash: guitarra y voz
Nick Mason: batería

Remember That Night es el registro de los conciertos de David Gilmour en el Royal Albert Hall de Londres durante 3 noches (los días 29, 30 y 31 Mayo de 2006) editado en DVD, donde Gilmour intérpreta todos los temas de su último álbum de estudio, "On An Island", y por supuesto, algunas de las tantas gemas de Pink Floyd, + un CD a modo de bonus track con registros en los míticos estudios Abbey Road o en la BBC de Londres... en total, mas de 3 horas de duración.

Siempre es un placer escuchar a Gilmour, pero cual es la particularidad de este concierto?, la talla de los invitados: Richard Wright, David Bowie, Robert Wyatt, David Crosby, Graham Nash...

Esta es la extracción de audio del DVD.

Enjoy it!

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MAGMA
(1971) - 1001° Centigrades
Francia
Género: Rock Progresivo



01.: Riah Sahiltaahk
02.: "Iss" Lansei Doia
03.: Ki Iahl O Liahk

Christian Vander: batería, percusión y voz
François Cahen: teclados
Francis Moze: bajo
Klaus Blasquiz: percusión y voz
Teddy Lasry: clarinete, saxo, flauta y voz
Jeff Seffer: saxo, clarinete bajo
Louis Toesca: trompeta

Ya nos hemos acercado al universo de Christian Vander, a traves de Univeria Zekt (Magma en una de sus mutaciones).

Hablar de Magma, es hablar de una banda de culto de la escena progresiva francesa. Fueron los creadores del estilo musical conocido como "Zeuhl Rock". Vander es el baterista, compositor e inventor del idioma llamado Kobaian, mediante el cual la banda cuenta historias de ciencia ficción acerca de una raza pacífica que viven en un lejano planeta Kobaia y sus relaciones con los pueblos de la Tierra.

Con estremecedoras líneas de bajo, voces super excéntricas, teclados oscuros y repetitivos, convengamos que la música de Magma no es para los pusilánimes.

La banda ha influido muchísimo, no solo en el universo del rock progresivo, sino también en el campo de la electrónica.

Este es el 2º trabajo de la banda.

Ver también: Univeria Zekt

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THE BILLY COBHAM & GEORGE DUKE BAND
(1974) - Live On Tour in Europe
U.S.A.
Género: Jazz Rock



01.: Hip Pockets
02.: Ivory Tattoo
03.: Space Lady
04.: Almustafa The Beloved
05:. Do What Cha Wanna
06.: Frankenstein Goes to The Disco
07.: Sweet Wine8. Juicy

Billy Cobham: batería, percusión, sintetizadores y coros
George Duke: teclados y voz
Alfonso Johnson: bajo, stick y coros
John Scofield: guitarra eléctrica

Es el único registro como la formación Billy Cobham/George Duke Band, aunque a decir verdad no hace justicia, ya que el aporte del guitarrista John Scofield y el bajista Alphonso Johnson amerita que la banda pueda llamarse La scofiend/Johnson Band tranquilamente...de hecho las composiciones son compartidas por los 4....

Jazz Rock en estado puro, este CD registra una gira por Europa del año '76 y es imprescindible para todo amante del jazz fussion, Es por lejos uno de los mejores registros en vivo del género.

Por lo tanto, a disfrutar de la única grabación de estos 4 virtousos y en especial de Scofield, Duke y Cobham, quienes gozan de una carrera solista interesantísima ya que Alphonso (ex-bajista de grupos como Weather Report, del que se marchó para formar parte en esta banda), es mas un sesionista que ha acompañado a grandes bandas como Rolling Stones o al mismísimo Santana.

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ARCO IRIS
(1973) - Inti Raimi
Argentina
Género: Rock Progresivo

01.: Elevando una plegaria al sol
02.: En nuestra frente
03.: Maritimaria
04.: La pastora de los peces
05.: Abran los ojos
06.: Adonde irás camalotal
07.: Sólo como el cardon
08.: No quiero mirar atrás
09.: Elevando una plegaria al sol
10.: Soy un pedazo de sol (bonus)
11.: Llego el cambio (bonus)
12.: El niño, la libertad y las palomas (bonus)
13.: Kukuricu (bonus)
14.: La savia verde (bonus)
15.: Detrás (bonus)

Gustavo Santaolalla: voz, guitarra, charango
Ara Tokatlian:, órganos, flauta, saxo tenor alto y soprano
Guillermo Bordarampe: bajo y voz
Horacio Gianello: bateria y percusiones
Danais Wynnycka: guia espiritual y coros

Excelente trabajo de la banda de Gustavo Santaolalla & Ara Tokatlian, para que los que se han fascinado con la fusión entre el rock y el folklore, a la que arribaron de la mano de Divididos por La Era de la Boludez o de Bersuit por La Argentinidad puedan comprender, que el origen de semejante acercamiento entre rock y los ritmos folcklóricos tiene un nombre: Arco Iris...

Es junto a Sudamérica y Agitor Lucens V, la trilogía ineludible para abordar el trabajo de esta banda fundacional del rock progesivo, que supo urgar y nutrirse de nuestras raíces folckóricas haciendo escuela...

Este disco contiene 6 bonus: simples editados hasta 1975 que fueran recopilados en el disco Mañanas Campestres del año 1979 (Kukuricu es mi favorito)

Extraordinario también el arte de tapa a cargo de Pipo Ferrari.

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JOHN SCOFIELD
(2005) - That's What I Say
U.S.A.
Género: Jazz

01.: Busted
o2.: What'd I Say
03.: Sticks And Stones
04.: I Don't Need No Doctor

05.: Cryin' Time
06.: I Can't Stop Loving You

07.: Hit The Road Jack

08.: Talkin' 'Bout You/I Got A Woman

09.: Unchain My Heart (Part 1)

10.: Let's Go Get Stoned
11.: Night Time Is The Right Time
12.: You Don't Know Me
13.: Georgia On My Mind

John Scofield: guitarras eléctricas y acústicas
Larry Goldings: piano, órgno Hammond B3

Willie Weeks: bajo

Steve Jodan: batería, percisión y coros

Artistas Invitados

Dr. John: piano y voz

Warren Haynes: guitarra y voz

John Mayer: guitarra y voz

Aaron Neville: voz

David Newman: saxo tenor

Mavis Staples: voz

Aunque nació en Dayton, Ohio, se crió en Wilton, Connecticut, y allí se aficionó al blues y al rock and roll. En su adolescencia, Scofield tocaba Rythm & Blues, blues urbano, soul y rock and roll de grupos locales, pero pronto se sintió fascinado por la guitarra de jazz y asimiló muy deprisa los estilos de Wes Montgomery, Tal Farlow, Barney Kessel y Jim Hall, todos ellos destacados jazzistas de los sesenta.

En 1970 se marchó a Boston para estudiar jazz en la Berklee School of Music con Jim Hall y Mick Goodrick, dos de los guitarristas de jazz mas importantes de todos los tiempos.

Su primer trabajo como músico fue en colaboración con el vibrafonista Gary Burton, otro profesor de Berklee. Su segunda y gran oportunidad le llegó cuando, recomendado por Mick Godrick, fue invitado a tocar con el saxofinista Gerry Mulligan y el trompetista Chet Baker en un concierto en el Carnegie Hall.

La forma de tocar de Scofield llamó enseguida la atención de otros músicos como Billy Cobham, Charles Mingus y George Duke con quienes toco a finales de los '70.

También ha tocado y grabado con muchos otros jazzistas del más alto nivel: Miles Davis, Phil Lesh, Medeski Martin & Wood, Pat Metheny, Bill Frisell, Johnn Abercrombie, Steve Swalow, Charlie Haden, Dennis Chambers, Jack DeJohnette...

Este trabajo es un tributo a Ray Charles. Si sos un fan de Mr. Scofield, es imprescindible este álbum. Si sos un fan del mejor blues y el rock and roll, tambien.... y si sos fan de Ray Charles, mas que imprescindible...

Ver también: Medeski Scofield Martin & Wood

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BLUES CREATION
(1969) - Blues Creation
Japón
Género: Blues

01.: Checkin Up On My Baby

02.: Steppin Out

03.: Smoke Stack Lightning

04.: Double Crossing Time

05.: I Cant Keep From Crying

06.: Spoonful

07.: Rollin Ans Tumblin

08.: All Your Love

Fumio Nunoya: voz
Kazuo Takeda: guitarra
Masashi Saeki: bajo
Akiyoshi Higuchi: batería

Absoluta rareza que pesque por ahí.

Blues Creation es una banda nipona de blues liderada por el guitarrista Kazuo Takeda. Se los conoce como Blues Creación de 1969-1972, periodo en el que graban 4 discos (3 de estudio y 1 en vivo) y después de un paréntesis de tres años regresó como Creation en 1975.

Este es el disco debut Y rinde tributo al blues, con covers de Sonny Boy Williamson, Memphis Slim, Chester Burnett, J. Mayall-E. Clapton, Blind Willie Johnson, Willie Dixon y Otis Rush.

En agosto de 1971 se publicó el 2º, "Demon & Eleven Children". Este trabajo fue fuertemente influenciado por Cream, Deep Purple, Yardbirds, Led Zeppelin y Black Sabbath evolucionando hacia un sonido mas progresivo y más duro. A diferencia del debut, incluye canciones escritas por Takeda.

Los constantes cambios en la alineación del grupo, llevan a Kazuo Takeda a refundar el grupo como Creation, banda con la cual traspasa las fronteras de Japón, girando por Estados Unidos y hasta grabando en los estudios Bearsville de Nueva York el disco homónimo "Creation" en 1976.

Creaction publicó un álbum en vivo final llamado "Electric Pure Soul", de 1977

Kazuo Takeda ha publicado más de 20 discos como solista desde 1978 y actualmente trabaja como guitarrista de sesión en Los Angeles.

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COLOR HUMANO
(1995) - Color Humano en The Roxy
Argentina
Género: Rock Progresivo



01.: Larga vida al sol
02.: Cosas rústicas (Coto de caza)
03.: Sílbame, Oh Cabeza!!!
04.: Vuelo 144
05.: Mestizo
06.: Amantes solitarios
07.: Pascual tal cual
08.: Hace casi 2000 años
09.: Mañana por la noche

Edelmiro Molinari: guitarra y voz
Rinaldo Raffanelli: bajo y voz
Oscar Moro: batería

Tercer y último trabajo de Color Humano. En septiembre de 1995, Edelmiro, Rinaldo y Moro fueron tentados por un oferta para presentarse en vivo en The Roxy. El show fue grabado y editado a fines de ese año

El registro contiene temas del grupo, mas 2 perlitas: una versión de mestizo (Almendra) y Vuelo 144 (Edelmiro y la Galletita).

«Estos temas no son nada viejos, yo los siento modernos. La música que hacíamos en los '70 era bastante avanzada para la época y no ha envejecido. Hoy suena más densa, mas fuerte, pero es la misma», explica Rafanelli.

Las nuevas versiones de "Coto de caza", "Hace casi dos mil años" y "Mañana por la noche" son la prueba.

Fuente: http://www.rock.com.ar

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EL OTRO LADO DEL SEÑOR SPOCK

El otro lado de Leornard Nimoy, su aficción por la fotografía....

Galería de imágenes en blanco y negro y el desnudo como concepto artístico y estético...

http://www.leonardnimoyphotography.com/

SAMLA MAMMAS MANNA
(1973) - Måltid
Suecia
Género: Rock Progresivo



01.: Dundrets Frojder
02.: Oförutsedd Förlossning
03.: Den Aterupplivade Laten
04.: Folkvisa I Morse
05.: Sister System
06.: Tarningen
07.: Svackorpoängen
08.: Minareten
09.: Værelseds Tilbud
10.: Minareten II*
11.: Circus Apparatha*+
12.: Probably the Probablay*

Coste Apetréa: guitarra y voz
Lars Hollmer: piano, piano eléctrico y voz
Lars Krantz: bajo y voz
Hans Bruniusson: batería, percusión y voz
Henrik Öberg: congas (track 12)

Samla Mammas Manna es una agrupación sueca formada en 1970 por Lars Hollmer (teclados), Hans Bruniusson (batería), Lars Krantz (bajo) y Bebben Öberg (percusión). Este último se separó del grupo en 1971.

Fué el primer grupo progresivo de ese país despues del "contagio" que se extendió a la Europa continental desde Gran Bretaña: es que el rock progresivo apelaba claramente más a la audiencia "intelectual" de Europa de lo que lo hizo el rock'n'roll

Samla Mammas Manna logró una mezcla de sesiones de rock progresivo, enloquecimiento psicodélico y música de cámara exótica.

Un año más tarde, en el otoño de 1972, se les une el guitarrista Coste Apetrea. En 1976, tras haber recorrido toda Suecia y después de haber grabado cuatro discos, el grupo decide tomarse un descanso y reformarse con el nombre de Zamla Mammaz Manna, con la incorporación de Eino Haapala en la guitarra. En 1978, Zamla Mammaz Manna se suma al colectivo Rock In Opposition, al lado de otras propuestas independientes de la nueva música europea como Henry Cow, Etron Fou Leloublan, Univers Zéro y Stormy Six.

Zamla Mammaz Manna se desintegra en 1980 tras la salida de Hans Bruniusson y de Lars Krantz. Lars Hollmer y Eino Haapala continúan trabajando juntos como Von Zamla, recorriendo Europa, hasta 1985.

En 1990, Lars Hollmer, Hans Bruniusson, Coste Apetrea y Lars Krantz deciden reformar Samla Mammas Manna. En diciembre de 1999, Hans Bruniusson deja al grupo siendo reemplazado por el baterista japonés Tatsuya Yoshida.

En 2002, Samla Mammas Manna hace una gira por Rusia y Japón y, un año más tarde, Estados Unidos. En septiembre de 2007 el grupo es invitado a participar en el Festival de Musiques Progressives de Montréal, Quebec, Canadá.

Måltid es el 2º album de estudio.

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GATO BARBIERI
(2003) - Bolivia /Under Fire
Argentina
Género: Jazz



01.: Merceditas
02.: Eclypse/Michellina
03.: Bolivia
04.: Ninos
05.: Vidala Triste
06.: El Parana
07.: Yo le Canto a la Luna
08.: Antonico
09.: Maria Domingas
10.: El Sertao

Gato Barbieri: saxo tenor, flauta y voz
Lonnie Liston Smith: piano
Stanley Clarke: bajo
Jean-Francois Jenny-Clark: bajo
Airto Moreira: batería y percusión
John Abercrombie: guitarra
Roy Haynes: batería
Mtume: congas
Gene Golden: congas
Moulay Ali Hafid: dumbeg

Esta es una reedición de dos discos de estudio grabados en Nueva York en 1971 y 1973, y representan, una muestra del Gato en su esplendor.

Este saxofonista estrella de lo que se denominó Jazz Fusión a principios de los años '70, tuvo el privilegio de registrar estos trabajos con varias de las principales figuras del género, como el baterista Bernard Purdie, el bajista Stanley Clarke y el guitarrista John Abercrombie, constituyendo un verdadero seleccionado para estas sesiones de Nueva York.

Este Rosarino es sin dudas uno de los más prestigiosos saxofonistas argentinos y representante destacado del denominado "jazz latino".

Si algo destaca a Barbieri, quien tocó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino como Lalo Schifrin, es haber abordado al jazz desde la vanguardia y sin ataduras, admitiendo entre sus influencias a Charlie Parker, John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana e incorporando a la composición de sus melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos.

El saxo de Gato Barbieri tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado.

Aquejado de serios problemas cardíacos y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década del '90, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles y grabando a partir de entonces varios discos.

Ver también: Stanley Clarke y Lonnie Liston Smith

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PREMIATA FORNERIA MARCONI
(1974) - Live in USA
Italia
Género: Rock Progresivo



1.: Four holes in the ground
2.: Dove... quando...
3.: Just look away
4.: Celebration (included The world became the world)
5.: Mr. 9 till 5
6.: Alta Loma 5 till 9

Flavio Premoli: órgano Hammond, piano, mellotron, moog y voz
Franco Mussida: guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz
Mauro Pagani: flauta, violín y voz
Jan Patrick Djivas: bajo
Franz Di Cioccio: batería y voz

Premiata Forneria Marconi es la banda mas representativa del Rock Progresivo italiano, que trascendió las fronteras de su país teniendo gran éxito en USA, donde llego a ser muy popular en los '70.

El debut del grupo fué en 1971 en el Teatro Lírico de Milano, ni más ni menos que como teloneros de YES en su primera gira por Italia. Este importante debut atrajo la atención del público y de la crítica. Reconocen influencias de Genesis y King Crimson.

En el mismo año, el sello "Numero Uno" edita en su primer álbum llamado "Storia Di Un Minuto", el grupo sigue creciendo musicalmente y son invitados a abrir los conciertos de Deep Purple y Procol Harum, logrando realizar su primera gira por 16 ciudades de Italia.

Este disco de 1974, es el registro de los conciertos de su primera gira por Canadá y EEUU, donde comparten escenario con Santana, Beach Boys y otros artistas, llevándolos a tener gran éxito en el mercado americano, también se conoce este disco con el nombre de "Cook".

El grupo, con algunos cambios en su formación original, sigue en carrera hasta hoy y lleva editados más de 20 discos oficiales.

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BO DIDDLEY
(1973) - The London Bo Diddley Sessions
U.S.A.
Género:Blues



01.: Don't Want No Lying Woman
02.: Bo Diddley
03.: Going Down
04.: Make a Hit Record
05.: Bo-Jam
06.: Husband-In-Law
07.: Do the Robot
08.: Sneakers Ona Rooster

Bo Diddley: guitarra y voz
Cookie Vee: voz
Roy Wood: bajo
Eddie Hardin: órgano
Ray Fenwick: guitarra
Keith Smart: batería
Charlie Grimar: congas
Nigel Grainge: percussión

Vaya un homenaje a esta leyenda que emprendió hace unos días su última gira para zapar con Muddy, Hendrix y su amado John Lee Hooker…

Diddley nació en Mississippi, pero creció en Chicago. Como muchos jóvenes negros, sus principales inquietudes eran el boxeo (que es donde recogió su apodo) y la música.

A pesar de su formación en el gospel y los spirituals de la música de iglesia, Diddley también tomó lecciones de violín y estudió música clásica. Hasta que a los 13 años, descubrió la guitarra y el blues a través de “Boogie Chillen” de John Lee Hooker.

Después de formar su primer grupo, The Hipsters, Diddley se trasladó de tocar en las calles de Chicago a tocar en los clubes.

Allá por 1958, se traslada a Washington, donde diseña su guitarra cuadrada que es todo un símbolo.

A principios de los ’60, a partir del aluvión de bandas británicas como los Beatles, los Rolling Stones o The Yardbirds, que invadieron los Estados Unidos a través de presentaciones y de la difusión en los medios, Diddley como tantos otros exponentes del Blues y del R&B, vieron como su popularidad se desvanecía al punto tal de volver a los pequeños circuitos del género. Vaya paradoja!

The London Bo Diddley Sessions, es un registro de 1972, que capta la esencia de este genio, a quien al igual que a Chuck Berry, podemos ubicar en algún lugar entre el blues y el R & B a base de rock & roll.

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JOHN McLAUGHLIN & THE ONE TRUTH BAND
(1979) - Electric Dreams
U.K.
Género: Jazz Rock


Bitrate: 192 Kbps
Duración Aprox.: 39:03 Minutos

01.: Guardian Angels - (0:51)
02.: Miles Davis - (4:54)
03.: Electric Dreams, Electric Sighs - (6:57)
04.: Desire and the Comforter - (7:34)
05.: Love and Understanding - (6:36)
06.: Singing Earth - (0:37)
07.: The Dark Prince - (5:15)
08.: The Unknown Dissident - (6:16)

John McLaughlin: guitarra eléctrica, guitarra acustica de 6, 12 & 13 cuerdas y banjo (track 3)
L. Shankar: violín acústico y eléctrico violin
Stu Goldberg: piano eléctrico, moog, prophet y órgano hammond
Fernando Sanders: bajo acústico y eléctrico, voz (track 5)
Tony Smith: batería y voz (track 4 y 5)
Alyrio Lima: percusión
David Sanborn: saxo alto (track 8)

Grabado en los Estudios Soundmixers, Nueva York entre noviembre y diciembre de 1978.

Producido por John McLaughlin y John Pace

John McLaughlin es uno de los más grandes guitarristas de la historia del Jazz y el Rock (considerado por muchos conocedores el mejor), y su primera banda, Mahavishnu Orchestra, ocupa dentro de ésta un sitial de honor, a pesar de su breve existencia.

Reconocido como el grupo fusión predominante, la Mahavishnu Orchestra fue considerada por muchos observadores durante sus inicios como una banda de rock, pero sus sofisticadas improvisaciones colocaron su poderosa música entre el rock y el jazz.

Este músico británico, nacido en Yorkshire, Inglaterra en 1942, se trasladó a los Estados Unidos en 1969 para unirse al grupo de Tony Williams, Lifetime.

Su fama se la debe también al haber ocupado un lugar en el grupo de Miles Davis a finales de la década de 1960, junto a otros interpretes como Chick Corea y Tony Williams, participando en los discos In A Silent Way, Bitches Brew, y A Tribute to Jack Johnson.

A principios de los 80 se unió al guitarrista flamenco Paco de Lucía y Al Di Meola formando el Guitar Trio. El Trio se reunió nuevamente en 1996 para una segunda sesión de grabación y una gira mundial.

Electric Dreams, a mi juicio le hace honor al nombre: es el disco más eléctrico de toda la carrera solista de McLaughlin, con la sombra de Miles y la Mahavishnu proyectándose... por suerte!.

ARCO IRIS
(1973) - Sudamérica o El Regreso a la Aurora
Versión en Inglés
Argentina
Género: Rock Progresivo

CD1
01.: Obertura
02.: Canción de Nahuel
03.: Canto del pájaro dorado
04.: Viaje astral
05.: Tema del Maestro
06.: Iluminación/Gira
07.: Sígueme/El negro
08.: Los campesinos y el viajero
09.: El estudioso
10.: Oración de la partida
10.: Epílogo: Salvense ya

CD2
01.: Recuerdo
02.: Canción de los peregrinos
03.: Amancay
04.: Hombre
05.: Deserción del viajero/La duda de los campesinos/El aliento de Dios
06.: El viajero delata a los peregrinos
07.: Persecución de los peregrinos
08.: Viaje por las galerías subterraneas/Salida al inmenso lago/Iluminación
09.: Reencuentro con Amancay/Oremos/Las colinas y el Maestro
10.: Sudamérica

Gustavo Santaolalla: guitarras acústicas, eléctrica, charango, armónica, percusión y voz
Ara Tokatlián: flauta traversa, saxos soprano, alto y tenor, teclados, erke, erkenchsicuri, quena, pincuyos, percusión y voz
Guillermo Bodarampe: bajo, contrabajo y percusión
Horacio Gianello: bateria y percusión
Dana: Coros

Vaya rareza!!...

Es la versión inédita de la Opera en Inglés, no hay variación alguna en las composiciónes ni en las interpretaciones, solo cambian las pistas de las voces y la distribución de los temas

Compré este CD pirata en una de esas cuevas que Buenos Aires ofrece para regocijo de los melómanos empedernidos, y lamentablemente, no tiene ningun tipo de información.

Presumo que es un demo destinado a seducir a los inescrupulosos de siempre (Fucking Discográficas!!), con el fin de editarse en el mercado norteamericano y lograr el reconocimiento internacional que la banda merecía, sin lugar a dudas a principios de los años '70, pero no tuvo la aceptación de Music Hall...

Tanto Ara con Arco Iris, como Gustavo y sus múltiples emprendimientos, tuvieron que esperar 30 años para lograr prestigio y reconocimiento en los Estados Unidos... (todo llega!!!)

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ARCO IRIS
(1972) - Sudamérica o El Regreso a la Aurora
Argentina
Género: Rock Progresivo

CD1
01.: Obertura
02.: Canción de Nahuel
03.: Canto del pájaro dorado
04.: Viaje astral
05.: Tema del Maestro
06.: Iluminación
07.: Gira
08.: Sígueme
09.: El negro
10.: Los campesinos y el viajero
10.: El estudioso
12.: Oración de la partida
13.: Epílogo: Salvense ya

CD2
01.: Recuerdo
02.: Canción de los peregrinos
03.: Amancay
04.: Hombre
05.: Deserción del viajero
06.: La duda de los campesinos
07.: El aliento de Dios
08.: El viajero delata a los peregrinos
09.: Persecución de los peregrinos
10.: Viaje por las galerías subterraneas
11.: Salida al inmenso lago/Iluminación
12.: Reencuentro con Amancay/Oremos
13.: Las colinas y el Maestro

Gustavo Santaolalla: guitarras acústicas, eléctrica, charango, armónica, percusión y voz
Ara Tokatlián: flauta traversa, saxos soprano, alto y tenor, teclados, erke, erkenchsicuri, quena, pincuyos, percusión y voz
Guillermo Bodarampe: bajo, contrabajo y percusión
Horacio Gianello: bateria y percusión
Dana: Coros

Como ya señalé en posteos anteriores de esta banda fundacional del Rock Argentino, la ópera rock "Sudamérica o el regreso a la aurora" cierra una trilogía fundamental de la obra de Arco Iris (junto a Agitor Lucens e Inti Raimi).

A diferencia de Los Jaivas (banda chilena contemporánea con quienes muchas veces se hacen analogías) Arco Iris no parte del folklore, sino que incorpora elementos del folklore, fusionándolos de manera notable con elementos del Jazz Rock y del Rock Sinfónico.

Es una ópera rock presentada en 2 actos, y creo que no hay antecedentes de un proyecto musical tán ambicioso, en la corriente musical del género progersivo en latinoamérica en la década del '70.

Sudamérica fué presentado el día 23 de diciembre de 1972 en el estadio del club River Plate ante 12.000 personas, convirtiéndose en el primer grupo en tocar en ese lugar, que se convertiría a partir de los '90 en el máximo escenario para los grupos mas importantes del rock Argentino.

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PETER HAMMILL
(1986) - And Close As This
U.K.
Género: Rock Progresivo

o1.: Too Many of My Yesterdays (4:48)
02.: Faith (4:28)
03.: Empire of Delight (4:44)
04.: Silver (5:29)
05.: Beside the One You Love (5:14)
06.: Other Old Chiches (4:07)
07.: Confidence (6:37)
08.: Sleep Now (4:44)

Peter Hammill: Piano, Programaciones y voz

Debo confesar que con este disco me ocurrió algo muy particular, durante meses, despues de haberlo comprado, no puede parar de escuchar solo el primer track: Too Many of My Yesterdays....

Es por lejos, el tema mas interesantes del disco. Es un tema melancólico extremadamente bello y conmovedor, interpretado con tanto sentimiento!

Absolutamente crudo y desgarrador poema de amor, con el gran Pedro solo con su piano y con su alma...

Una vez que lo escuchen, seguramente me darán la razón...

El resto del disco?... poco importa pero les puedo decir que es un disco particular, en solitario y tal vez con ciertos altibajos...

En general es un disco con temas notables pero, debo admitir que para algun oyente, puede resultar algo monótono.

Puede ser un buen disco en momentos relajados y en buena compañía.

Una perla: el tema Empire of Delight fué co-escrito con Keith Emerson.

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PIERRE JEAN GAUCHER
(1997) - Zappe Zappa
Francia
Género: Rock Progresivo, Jazz Rock

01.: Heavy Duty Judy
02.: Cosmik Debris
03.: The Purple Lagoon
04.: Sofa / Eric Dolphy's Barbecue
05.: Dupree's Paradise
06.: Let's Move to Cleveland
07.: Welcome to The U.S.A.
08.: Sinister Footwear / Uncle Meat
09.: Yo Mama...
10.: Sleep Dirt
11.: Inca Roads
12.: Pygmy Twylyte
13.: Medley
14.: Strictly Genteel

PierreJean Gaucher: guitarras y samplers
Eric Lohrer: guitarra
Bobby Rangell: flauta, saxo soprano & saxo tenor, voz
Daniel Yvinec: bajo
Andre Charlier: batería

Otro tributo interesante al maestro, en este caso de Pierrejean de Gaucher, músico francés, formado en la Berklee School de Boston, pero con una carrera musical desarrollada en su Francia natal.

Con su primera banda Abus, grabó 8 álbumes y ganó cierto prestigio en la escena musical europea.

Músico inquieto, incursionó en la composición de bandas de sonido para el teatro, para coreografías de música contemporánea, y para la televisión.

En 1992, formó el Nuevo Trío con el baterista André Charlier y el bajista Daniel Yvinec con quienes grabó 2 álbumes de estudio, trabajos que fueron alabados por la prensa especializada europea como los proyectos más originales del momento.

En 1994 el nuevo trío se convirtió en un quinteto y rindió homenaje a Frank Zappa, que había fallecido el año anterior con este proyecto titulado "Zappe Zappa"

Este trabajo es un registro en vivo de octubre de 1997, y les permitió giras con mayor regularidad por el mundo y ampliar su público que supera en gran medida al público de jazz tradicional que lo seguía.

La música de Zappa es bastante compleja para un músico de jazz, ya que a menudo se opone a los códigos actuales y clichés jazz: cadencias armónicas y rítmicas no recurrentes... no en vano muchos reconocen al gran Frank como uno de los grandes compositores del siglo 20...

Un proyecto original, extraño zapping por todos los períodos de Zappa, mezclando todo los títulos, bocetos de varios temas y riffs extraídos de sus álbumes.

El resultado? explosivo, festivo, sarcástico, brillante e inteligente ...

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SERU GIRAN
(2000) - Yo No Quiero Volverme Tan Loco
Argentina
Género: Rock & Pop

CD1
01.: Autos, jets, aviones, barcos
02.: Salir de la melancolía
03.: Qué voy a hacer
04.: Canción de Alicia en el país
05.: A los jóvenes de ayer
06.: Cuánto tiempo más llevará
07.: Esperando nacer
08.: Seminare
09.: El mendigo en el andén
10.: Parado en el medio de la vida
11.: Espejismo en la nieve

CD2
01.: Inconsciente colectivo
02.: Alto en la torre
03.: Cinema verité
04.: No llores por mí, Argentina
05.: En la vereda del sol
06.: Yo no quiero volverme tan loco
07.: Mientras miro las nuevas olas
08.: Encuentro con el diablo
09.: Peperina
10.: No llores por mí, Argentina

Charly García: teclados y voz
David Lebón: guitarra, percusión y voz
Pedro Aznar: bajo, teclados y voz
Oscar Moro: batería

Ay ay ay!... que puedo decir de este concierto....

En principio, la anécdota mas jugosa: dicen que alguna vez el entrañable Oscar Moro, se topó con esta joya de casualidad en el Parque Rivadavia (infinito proveedor de alegrías para los coleccionistas), tomo contacto con sus ex compañeros de ruta, se fascinaron, Pedro Aznar remasterizó el audio y se editó.

Es un concierto del 26 de diciembre de 1981 en el Teatro Coliseo, que capta la excelencia y la frescura de una de las bandas argentinas más grosas de todos los tiempos en su plenitud, con una calidad de sonido impecable.

Tratándose de un registro tomado directo de consola, no contiene ninguna pista adicional que desprestigie la escencia de estos 4 monstruos, como ocurrió con el registro en vivo "No llores por mi Argentina".

El valor documental no tiene precio, y el valor sentimental mucho menos: yo estuve ahí...

El disco tiene algunas perlas. "Oh Dios qué voy a hacer" (editada en El Tiempo es Veloz, de David Lebón) una versión de "Inconsciente colectivo" recién salida del horno en ese entonces, una soberbia versión de "Alto en la torre" y el tema que le da origen al nombre del disco: "Yo no quiero volverme tan loco" en una versión furiosa (fué grabada posteriormente en el 1º trabajo solista de García como "Pena en mi corazón" junto a León Gieco en otra versión no menos increíble).

Y por último, Color Humano se complace en esta oportunidad de inaugurar el servicio de delivery: para Carolina y para Fer (se que en España y Canadá no se consiguen, aunque quedense tranquilos, acá tampoco: ya fué descatalogado).

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SANTANA
(1997) - Live At Fillmore '68
México
Género: Rock Psicidélico, Rock Latino



CD1
01.: Jingo
02.: Persuasion
03.: TreaT
04.: Chunk A Funk
05.: Fried Neckbones
06.: Conquistadore Rides Again

CD2
01.: Soul Sacrifice
02.: As The Years Go Passing By
03.: Freeway

Carlos Santana: guitarra
Greg Rolie: organo y voz
David Brow: bajo
Bob Livingston: batería
Marcus Malone: congas
Jose "Chepito" Areas: timbales y congas

El posteo anterior me remitió invariablemente a esos mega festivales de fines de los '60, que proyectaron monstruos de la talla de Carlos Alberto Santana Barragán (nacido en Autlán de la Grana, Jalisco, México, el 20 de julio de 1947), uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos.

Este es el mítico concierto de Fillmore West en San Francisco que la banda (Santana a secas) dió los días 19 y 22 de diciembre de 1968, antes de la grabación del 1º disco de estudio; y con un set list formado por clásicos de ese disco ("Jingo", "Persuasion", "Soul Sacrifice" y "Treat").

Al año siguiente, Santana y su banda dieron el gran salto: tocando y elevando su fama en el Festival de Woodstock, el Sábado 16 de agosto de 1969, haciendo que más de 600,000 espectadores se quedaran atónitos...

A los fans de la 1º época les encantará este concierto. Tiene algunas rarezas que no se encuentran en otros álbumes de Santana, como Fried Neckbones, Chunk A Funk, Conquistadore Rides Again y hasta un cover de Albert King ("As the years go passing by").

Que decir de la versión de Soul Sacrifice: es impresionante como siempre...

Este album es una fiel muestra de lo que era Santana en sus comienzos: crudeza sonora, guitarras cálidas, inigualables solos de organos hammond y percusión afro-latina (toda una excentricidad para ese entonces, pero la matriz del sonido "Marca Santana").

Pura Psicodelia, Puro San Francisco, Pura Libertad.

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