sábado, mayo 31, 2008

ARCO IRIS
(1972) - Sudamérica o El Regreso a la Aurora

Argentina
Género: Rock Progresivo



CD1
01.: Obertura
02.: Canción de Nahuel
03.: Canto del pájaro dorado
04.: Viaje astral
05.: Tema del Maestro
06.: Iluminación
07.: Gira
08.: Sígueme
09.: El negro
10.: Los campesinos y el viajero
10.: El estudioso
12.: Oración de la partida
13.: Epílogo: Salvense ya

CD2
01.: Recuerdo
02.: Canción de los peregrinos
03.: Amancay
04.: Hombre
05.: Deserción del viajero
06.: La duda de los campesinos
07.: El aliento de Dios
08.: El viajero delata a los peregrinos
09.: Persecución de los
peregrinos
10.: Viaje por las galerías subterraneas
11.: Salida al inmenso lago/Iluminación
12.: Reencuentro con Amancay/Oremos
13.: Las colinas y el Maestro


Gustavo Santaolalla: guitarras acústicas, eléctrica, charango, armónica, percusión y voz
Ara Tokatlián: flauta traversa, saxos soprano, alto y tenor, teclados, erke, erkenchsicuri, quena, pincuyos, percusión y voz
Guillermo Bodarampe: bajo, contrabajo y percusión
Horacio Gianello: bateria y percusión
Dana: Coros

Como ya señalé en posteos anteriores de esta banda fundacional del Rock Argentino, la ópera rock "Sudamérica o el regreso a la aurora" cierra una trilogía fundamental de la obra de Arco Iris (junto a Agitor Lucens e Inti Raimi).

A diferencia de Los Jaivas (banda chilena contemporánea con quienes muchas veces se hacen analogías) Arco Iris no parte del folklore, sino que incorpora elementos del folklore, fusionándolos de manera notable con elementos del Jazz Rock y del Rock Sinfónico.


Es una ópera rock presentada en 2 actos, y creo que no hay antecedentes de un proyecto musical tán ambicioso, en la corriente musical del género progersivo en latinoamérica en la década del '70.

Sudamérica fué presentado el día 23 de diciembre de 1972 en el estadio del club River Plate ante 12.000 personas, convirtiéndose en el primer grupo en tocar en ese lugar, que se convertiría a partir de los '90 en el máximo escenario para los grupos mas importantes del rock Argentino.

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viernes, mayo 30, 2008

PETER HAMMILL
(1986) - And Close As This
U.K.

Género: Rock Progresivo



o1.: Too Many of My Yesterdays (4:48)
02.: Faith (4:28)
03.: Empire of Delight (4:44)
04.: Silver (5:29)
05.: Beside the One You Love (5:14)
06.: Other Old Chiches (4:07)
07.: Confidence (6:37)
08.: Sleep Now (4:44)

Peter Hammill: Piano, Programaciones y voz

Debo confesar que con este disco me ocurrió algo muy particular, durante meses, despues de haberlo comprado, no puede parar de escuchar solo el primer track: Too Many of My Yesterdays....

Es por lejos, el tema mas interesantes del disco. Es un tema melancólico extremadamente bello y conmovedor, interpretado con tanto sentimiento!

Absolutamente crudo y desgarrador poema de amor, con el gran Pedro solo con su piano y con su alma...

Una vez que lo escuchen, seguramente me darán la razón...

El resto del disco?... poco importa pero les puedo decir que es un disco particular, en solitario y tal vez con ciertos altibajos...

En general es un disco con temas notables pero, debo admitir que para algun oyente, puede resultar algo monótono.

Puede ser un buen disco en momentos relajados y en buena compañía.

Una perla: el tema Empire of Delight fué co-escrito con Keith Emerson.

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jueves, mayo 29, 2008

PIERRE JEAN GAUCHER
(1997) - Zappe Zappa

Francia
Género: Rock Progresivo, Jazz Rock



01.: Heavy Duty Judy
02.: Cosmik Debris
03.: The Purple Lagoon
04.: Sofa / Eric Dolphy's Barbecue
05.: Dupree's Paradise
06.: Let's Move to Cleveland
07.: Welcome to The U.S.A.
08.: Sinister Footwear / Uncle Meat
09.: Yo Mama...
10.: Sleep Dirt
11.: Inca Roads
12.: Pygmy Twylyte
13.: Medley
14.: Strictly Genteel

PierreJean Gaucher: guitarras y samplers
Eric Lohrer: guitarra
Bobby Rangell: flauta, saxo soprano & saxo tenor, voz
Daniel Yvinec: bajo
Andre Charlier: batería

Otro tributo interesante al maestro, en este caso de Pierrejean de Gaucher, músico francés, formado en la Berklee School de Boston, pero con una carrera musical desarrollada en su Francia natal.

Con su primera banda Abus, grabó 8 álbumes y ganó cierto prestigio en la escena musical europea.

Músico inquieto, incursionó en la composición de bandas de sonido para el teatro, para coreografías de música contemporánea, y para la televisión.

En 1992, formó el Nuevo Trío con el baterista André Charlier y el bajista Daniel Yvinec con quienes grabó 2 álbumes de estudio, trabajos que fueron alabados por la prensa especializada europea como los proyectos más originales del momento.

En 1994 el nuevo trío se convirtió en un quinteto y rindió homenaje a Frank Zappa, que había fallecido el año anterior con este proyecto titulado "Zappe Zappa"

Este trabajo es un registro en vivo de octubre de 1997, y les permitió giras con mayor regularidad por el mundo y ampliar su público que supera en gran medida al público de jazz tradicional que lo seguía.

La música de Zappa es bastante compleja para un músico de jazz, ya que a menudo se opone a los códigos actuales y clichés jazz: cadencias armónicas y rítmicas no recurrentes... no en vano muchos reconocen al gran Frank como uno de los grandes compositores del siglo 20...

Un proyecto original, extraño zapping por todos los períodos de Zappa, mezclando todo los títulos, bocetos de varios temas y riffs extraídos de sus álbumes.

El resultado?
explosivo, festivo, sarcástico, brillante e inteligente ...

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miércoles, mayo 28, 2008

SERU GIRAN
(2000) - Yo No Quiero Volverme Tan Loco

Argentina
Género: Rock & Pop



CD1
01.: Autos, jets, aviones, barcos
02.: Salir de la melancolía
03.: Qué voy a hacer
04.: Canción de Alicia en el país
05.: A los jóvenes de ayer
06.: Cuánto tiempo más llevará
07.: Esperando nacer
08.: Seminare
09.: El mendigo en el andén
10.: Parado en el medio de la vida
11.: Espejismo en la nieve

CD2
01.: Inconsciente colectivo
02.: Alto en la torre
03.: Cinema verité
04.: No llores por mí, Argentina
05.: En la vereda del sol
06.: Yo no quiero volverme tan loco
07.: Mientras miro las nuevas olas
08.: Encuentro con el diablo
09.: Peperina
10.: No llores por mí, Argentina

Charly García: teclados y voz
David Lebón: guitarra, percusión y voz
Pedro Aznar: bajo, teclados y voz
Oscar Moro: batería

Ay ay ay!... que puedo decir de este concierto....

En principio, la anécdota mas jugosa: dicen que alguna vez el entrañable Oscar Moro, se topó con esta joya de casualidad en el Parque Rivadavia (infinito proveedor de alegrías para los coleccionistas), tomo contacto con sus ex compañeros de ruta, se fascinaron, Pedro Aznar remasterizó el audio y se editó.

Es un concierto del 26 de diciembre de 1981 en el Teatro Coliseo, que capta la excelencia y la frescura de una de las bandas argentinas más grosas de todos los tiempos en su plenitud, con una calidad de sonido impecable.

Tratándose de un registro tomado directo de consola, no contiene ninguna pista adicional que desprestigie la escencia de estos 4 monstruos, como ocurrió con el registro en vivo "No llores por mi Argentina".

El valor documental no tiene precio, y el valor sentimental mucho menos: yo estuve ahí...

El disco tiene algunas perlas. "Oh Dios qué voy a hacer" (editada en El Tiempo es Veloz, de David Lebón) una versión de "Inconsciente colectivo" recién salida del horno en ese entonces, una soberbia versión de "Alto en la torre" y el tema que le da origen al nombre del disco: "Yo no quiero volverme tan loco" en una versión furiosa (fué grabada posteriormente en el 1º trabajo solista de García como "Pena en mi corazón" junto a León Gieco en otra versión no menos increíble).

Y por último, Color Humano se complace en esta oportunidad de inaugurar el servicio de delivery: para Carolina y para Fer (se que en España y Canadá no se consiguen, aunque quedense tranquilos, acá tampoco: ya fué descatalogado).

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SANTANA
(1997) - Live At Fillmore '68
México
Género: Rock Psicidélico, Rock Latino



CD1
01.: Jingo
02.: Persuasion
03.: TreaT
04.: Chunk A Funk
05.: Fried Neckbones
06.: Conquistadore Rides Again

CD2
01.: Soul Sacrifice
02.: As The Years Go Passing By
03.: Freeway

Carlos Santana: guitarra
Greg Rolie: organo y voz
David Brow: bajo
Bob Livingston: batería
Marcus Malone: congas
Jose "Chepito" Areas: timbales y congas

El posteo anterior me remitió invariablemente a esos mega festivales de fines de los '60, que proyectaron monstruos de la talla de Carlos Alberto Santana Barragán (nacido en Autlán de la Grana, Jalisco, México, el 20 de julio de 1947), uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos.

Este es el mítico concierto de Fillmore West en San Francisco que la banda (Santana a secas) dió los días 19 y 22 de diciembre de 1968, antes de la grabación del 1º disco de estudio; y con un set list formado por clásicos de ese disco ("Jingo", "Persuasion", "Soul Sacrifice" y "Treat").

Al año siguiente, Santana y su banda dieron el gran salto: tocando y elevando su fama en el Festival de Woodstock, el Sábado 16 de agosto de 1969, haciendo que más de 600,000 espectadores se quedaran atónitos...

A los fans de la 1º época les encantará este concierto. Tiene algunas rarezas que no se encuentran en otros álbumes de Santana, como Fried Neckbones, Chunk A Funk, Conquistadore Rides Again y hasta un cover de Albert King ("As the years go passing by").

Que decir de la versión de Soul Sacrifice: es impresionante como siempre...

Este album es una fiel muestra de lo que era Santana en sus comienzos: crudeza sonora, guitarras cálidas, inigualables solos de organos hammond y percusión afro-latina (toda una excentricidad para ese entonces, pero la matriz del sonido "Marca Santana").

Pura Psicodelia, Puro San Francisco, Pura Libertad.


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domingo, mayo 18, 2008

(1971) - Soundtrack Music From A Clockwork Orange
U.K.
Género: Banda de Sonido



01.: Title Music From A Clockwork Orange - Walter Carlos
02.: The Thieving Magpie (Abridged) - A Clockwork Orange ST
03.: Theme from A Clockwork Orange (Beethoviana) - Walter Carlos
04.: Ninth Symphony, Second Movement (Abridged) -
A Clockwork Orange ST D
05.: March From A Clockwork Orange (Ninth Symphony, Fourth Movement, Abridged) - Walter Carlos
06.: William Tell Overture (Abridged) - Walter Carlos
07.: Pomp and Circumstance March No.1 - Stanley Kubrick
08.: Pomp And Circumstance March No.4 (Abridged) - Stanley Kubrick
09.: Timesteps (Excerpt) - Walter Carlos
10.: Overture To The Sun - Terry Tucker
11.: I Want To Marry A Lighthouse Keeper - Ericka Eigen
12.: William Tell Overture (Abridged) - A Clockwork Orange ST
13.: Suicide Scherzo (Ninth Symphony, Second Movement, Abridged) - Walter Carlos
14.: Ninth Symphony, Fourth Movement (Abridged) - A Clockwork Orange ST
15.: Singin' in the Rain - Gene Kelly

Stanley Kubrick ha dado lugar a una de las bandas de sonido más memorables de la historia del cine.

Para 1971 la adaptación de la novela de Anthony Burgués, A Clockwork Orange (La naranja mecánica) la banda de sonido fue encargada a Walter (ahora Wendy) Carlos, un pianista pionero en el uso de sintetizadores y moog, para componer música electrónica.

La adaptación fue producida, escrita y dirigida por el genio de Kubrick.
La banda de sonido, llena de matices, brilla no solo incluyendo obras propias y arreglos de música instrumental de Beethoven, Rossini y Purcell por parte de Carlos, sino con el repertorio de Rossini, de Beethoven y hasta la memorable Singin 'in the rain" interpretada por Gene Kelly.

Alex, el protagonista de la película, genialmente interpretado por Malcolm McDowell, es un joven pendenciero, lider de una pandilla (los drugos), con los que pasa el tiempo dedicándose a la ultraviolencia (palizas, abusos, violaciones, y trifulcas con otras pandillas) y al consumo de drogas.

La pasión de Alex es la música clásica, principalmente del "divino, divino" Ludwig van Beethoven.

Como olvidar la escena en la que pelean con otra pandilla por violar a una joven, con The Thieving Magpie como música de fondo?

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sábado, mayo 17, 2008

B.B. MUÑOZ
(1983) - 59 Minutos de Vida

Argentina
Género: Rock Progresivo



01.: Memorias de un ser humano
02.: Dónde está la flor
03.: Civilización
04.: Usted no dice nada nuevo
05.: Como un camino de agua
06.: Para la gente como yo
07.: Vivimos
08.: Amigo mio
09.: Doña necedad
10.: Un poco mas que un vegetal
11.: Para ser humano
12.: Natural
13.: Amigo mio

B.B. Muñoz: piano y voz
Daniel Alambre González: guitarra eléctrica
Alejandro Costa: guitarras acústicas
Eduardo Pandolfo: bajo
Juan Rodríguez: batería
Nene Giménez: percusión

Músicos invitados
David Lebón: guitarra eléctrica y voz en "Doña Necedad" y "Un Poco más que Un Vegetal
Marilina Ross: voz en "Para Ser Humano"
Miguel Cantilo: voz en "Natural"
Hector Starc: guitarra eléctrica en "Vivimos"
El Mono Izaurralde: flauta traversa en "Civilizacion".

Si bien en los '70 grabó 4 discos (3 con Fedra como "Fedra Maximiliano" y Maximiliano), el B.B. Muñoz supo alcanzar cierta popularidad en los comienzos de la democracia a principio de los '80, a partir de este registro en vivo grabado en el mes de octubre de 1982.

"59 Minutos de Vida" es un álbum doble registrado en el Teatro Odeón de Buenos Aires, con músicos invitados de la talla de David Lebón, Miguel Cantilo y Héctor Starc, entre otros.

Apoyado en "Si no lo veo, no lo creo", disco de estudio grabado tras su residencia en Europa en los años difíciles, en estos conciertos hace un repaso de toda su carrera.

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40 AÑOS DESPUES...

Alain Touraine

“El problema hoy no es el 68, como dice Sarkozy, sino la regresión que trae consigo el liberalismo a ultranza”

Cuarenta años después, los “héroes” del Mayo francés ya peinan canas pero aún no tenemos claro qué demonios fue lo que ocurrió allí. ¿Señala aquel tiempo de barricadas y ocupaciones el nacimiento de una nueva época? Y si es así, ¿cómo podemos valorar su herencia cultural, la cuña radical que insertó en el corazón de la sociedad moderna? A la búsqueda de la claridad, más allá de los resúmenes intencionados y los panegíricos sospechosos, hemos llamado a la puerta de un lúcido protagonista de los hechos: Alain Touraine. El filósofo francés ejercía como profesor en Nanterre, epicentro de la Revuelta, hizo las veces de abogado defensor del principal líder estudiantil, Daniel Cohn-Bendit, y resistió en las barricadas los embates de la policía. Ahora no tiene reparos en criticar “el ridículo lenguaje revolucionario” del movimiento así como su “falta de organización y orientación política” pero defiende a la vez su “caracter antitotalitario” y su “defensa de la tolerancia”. Además, Eugenio Trías, Álvaro Pombo, Manuel Cruz, Luis Racionero y Gabriel Albiac debaten sobre el sentido que cobran hoy aquellas jornadas. Y resumimos en un diccionario las claves del evento.

Alain Touraine, sociólogo, humanista y luminaria de referencia occidental, ha cumplido 82 años, aunque la edad no le ha nublado la clarividencia ni le ha hipotecado mínimamente la actividad intelectual. Mucho menos ahora que Francia ocupa el centro de la actualidad a cuenta del 40 aniversario del mayo del 68. Touraine vivió el movimiento exactamente en el medio (just in the middle, matiza él mismo en inglés). Porque era profesor en la Universidad de Nanterre. Porque estuvo en las barricadas las tres noches más ajetreadas. Y porque le correspondió hacer el papel de abogado defensor de Daniel Cohn-Bendit, líder del movimiento estudiantil cuando el Gobierno pensaba que la revuelta consistía en unos cuantos exacerbados.

–¿Puede recordarnos el episodio de su papel de abogado?
–La Universidad de Nanterre había acusado a Dany el Rojo de una serie de actos de vandalismo que se produjeron en el campus el 22 de marzo. No tenía derecho a un abogado. Pero se admitió que yo lo defendiera. Era profesor de sociología y tenía simpatía por el muchacho. Que era un libertario y un convencido anticomunista. Fue muy interesante el “proceso” porque simbolizaba, en cierto modo, cuanto iba a suceder más tarde. El presidente del tribunal universitario le preguntaba: ¿Dónde estaba usted el 22 de marzo? “En mi casa”, respondía Dany. ¿Y qué hacía a las tres de la tarde? “Hacía el amor, señor presidente”. Aquella respuesta alojaba un desafío, un cambio de época, una transformación. Anticipaba a pequeña escala todo lo que estaba por avecinarse.

–Aunque Cohn-Bendit, exiliado en Alemania y europarlamentario verde, recomienda ahora olvidar el 68… Forget 68, se titula su libro.
–Lo conozco muy bien. Quiere convertirse en santo antes de morir. Y pide que olvidemos el 68, pero, naturalmente, sin olvidarnos de él.

–Usted sostiene, en cambio, que el 68 está presente.
–Creo que es lícito hablar de un espíritu vigente. De hecho, mencionar tanto como hacemos el 68 demuestra que ocupa todavía un lugar y que recomienza a tener un sentido. El modelo liberal vigente en Europa lleva varios años mostrando síntomas de agotamiento. Y comenzamos a preguntarnos sobre qué bases podemos construir un nuevo camino. Necesitamos un nuevo proyecto. Y el proyecto consiste en volver a coser todo aquello que se ha descosido y deshilachado.

–¿Hace falta, por tanto, una resaca sesentayochista?
–El 68 fue un movimiento premonitorio. Ha anticipado grandes cambios culturales. Por eso creo que es importante volver a preguntarse qué fue este fenómeno. Mi tesis consiste en que fue un movimiento nuevo, con argumentos nuevos (sexualidad, familia, educación), que se expresó a sí mismo a través de un lenguaje diferente al del propio movimiento. Simplificando las cosas: un movimiento sueco que habla español. O al revés. Por eso es importante diferenciar el ruido de la esencia. Es un movimiento postindustrial que habla un lenguaje marxista-industrial. Los estudiantes, por ejemplo, habían tenido la impresión de que estábamos en el prefacio de un gran movimiento obrero, pero los obreros no sintonizaban con los estudiantes. Nunca se llegó a producir una sintonía entre la Universidad y las fábricas. Por eso y por la heterogeneidad misma del movimiento siempre ha sido difícil encontrar la frontera entre significante y significado. El lenguaje revolucionario era bastante ridículo. Y el contenido del movimiento era más fuerte que la capacidad de actuar y que, incluso, la capacidad de oponerse. No había ni orientación política ni capacidad de organización, en el fondo.

Cambiar de época
–Había, como usted ha escrito, la voluntad de cambiar de época. Más en la cotidianidad que en las grandes cuestiones.
–Francia era un país que había evolucionado en el ámbito económico. Se había reconstruido con agilidad y eficacia. Prosperaba. Pero todos esos cambios no se acompaña- ban de una nueva realidad cultural. El 68 trae consigo un cambio en las relaciones de autoridad, el nacimiento de la categoría de la juventud, la entrada de los problemas culturales en el orden político. También representa una defensa de la tolerancia. De la sensibilidad a las minorías. De toma de conciencia respecto al tercer mundo. La idea del prohibido prohibir simbolizaba un cambio de relación entre las personas. Se acortaban las distancias. Se ponía en cuestión una forma de vertebrar la sociedad jerarquizada. La verdadera transformación del 68 no está en el orden político ni el social. Está en el cambio de las costumbres y de las maneras.

–Nicolas Sarkozy, en cambio, sostiene que el 68 ha traído hasta nuestros días los males del individualismo, del relativismo, de la pérdida del principio de autoridad. Incluso afirma que hay que liquidar la memoria de aquel periodo.
–Creo que nos equivocamos quienes pensábamos que este hombre era inteligente. Semejante visión del 68 es una estupidez. Una insensatez. Sarkozy no es tonto, pero dice tonterías. Y ésta es una de ellas. Confunde el individualismo con la idea sesentayochista según la cual podría construirse una moral a partir de las conductas personales. Al Estado francés le había gustado jugar ese papel de representar la ley y la moral al mismo tiempo. La escuela pública era una escuela de moral. Más o menos como si la religión tradicional hubiera sido sustituida por una religión laica. El problema de hoy no es el 68, ni mucho menos. Es la regresión que está trayendo consigo el liberalismo a ultranza. Hay una relación peligrosa entre liberalismo económico y represión cultural. Pongo un ejemplo francés: los autores reincidentes de delitos sexuales se arriesgan ahora a la prisión vitalicia. Lo cual era impensable hace 30 años. El Estado vuelve a erigirse en representante del orden. Y la gente reclama ser protegida.

El vacío social actual
–Nada que ver con las pretensiones sesentayochistas.
–Se ha producido un vacío social. No hay enemigo soviético. No existe tampoco el movimiento obrero. Han desaparecido las amenazas del fascismo, de la monarquía, de la revolución. No existen los actores sociales. La coyuntura del 68 era completamente distinta. Entonces existía la URSS. Proliferaban los grupos trotskistas y maoístas. Había una retórica revolucionaria que los propios obreros observaban con escepticismo y precaución. Había más agitación dialéctica que otra cosa. La prueba está en lo incruento que fue el mayo del 68. Ni un muerto.

–Usted lo vivió en las barricadas.
–Es cierto. Y me llamaron la atención dos cosas. Una, el modo en que el Gobierno había subestimado la importancia de la revuelta. El ministro de Educación llegó a decirme que era una cosa de media docena de exaltados. La otra fue el grado de civilización colectivo. Simbolizado en la cortesía de los propios antidisturbios: recuerdo que a mí y a un grupo de manifestantes nos dejaron pasar delante de ellos. Y cuando nos vieron ya colocados en las barricadas, comenzaron a atacarnos. Hubo un sentido de la civilización y de la responsabilidad general. Nunca existió la pretensión leninista de tomar el Palacio de Invierno. A nadie se le ocurrió asaltar la Asamblea Nacional ni el Elíseo. Ni siquiera cuando se produjo el vacío de poder. Un Gobierno ausente, De Gaulle en Alemania. En este mismo contexto, me parece determinante el papel que jugó el prefecto de policía de entonces. Fue enormemente prudente y sensato en el uso de la fuerza y de la represión. Supo diferenciar entre las proclamas revolucionarias y las verdaderas intenciones de la gente. Nadie quería una subversión.

El camino a la perfección
–Exceptuando un grupo de filósofos e intelectuales de mucho peso.
–Los intelectuales rara vez son inteligentes. Recuerdo a muchos de ellos que venían fascinados de Rusia, o de China. Nos contaban que el maoísmo era la clave de la esperanza del hombre. Que en China no había prisiones, ni represión. Que Mao había encontrado el camino perfección. Otros cortejaban a la URSS. Se adoctrinaban para luego adoctrinar.

–Un ejemplo: Sartre. Dijo: “Del 68 sólo quedaré yo”.
–Políticamente, Sartre se equivocó siempre, sistemáticamente. Antes de la II Guerra Mundial subestimó el nazismo, pese a las advertencias que había hecho Raymond Aron. Durante el conflicto no tuvo reparos en pedir permiso a las autoridades nazis para publicar sus obras. Después se inventó el mito del Sartre resistente. Previo al proselitismo maoísta. Y antecedente de un final pro-sionista. Una trayectoria sorprendente, ¿no?

–Dice André Glucksmman que el 68 no fue, de hecho, un movimiento sensible al comunismo. Fue un movimiento antitotalitario.
–Estoy de acuerdo. Antitotalitario y libertario. Se mezclaron consignas filocomunistas, pero el espíritu era demostrativo de una actitud contraria ante cualquier tiempo de régimen represivo. Digamos que el 68 se presta a bastantes equívocos por su propia heterogeneidad.

–Usted ha mencionado dos. La mujer y los otros “68”.
–El problema de la liberación sexual y las corrientes feministas se había presentado antes. Fue en 1967 cuando se introdujeron en Francia legalmente los métodos anticonceptivos. Y fue mucho después, en 1975, cuando se aprobó la ley del aborto. En medio de ambas fechas, el sesentayochismo redunda más en la libertad de palabra. Las mujeres hablaban con más soltura del sexo. Se despojaban de un papel gregario. Por eso decía antes que el movimiento del 68 se aprecia en las costumbres.

–El otro matiz concernía a la confusa internacionalización del 68.
–Y es que el mayo francés en nada se parece a otros fenómenos internacionales. Me parece inapropiado compararlo con México, donde se produjeron muchos muertos. Ni con Praga, donde los tanques soviéticos aparecieron para truncar la primavera. Pueden mencionarse puntos comunes en ese espíritu antitotalitatario, pero el 68 francés es muy francés porque es la respuesta a una sociedad que no había cambiado como debía haberlo hecho. Sin que ello suponga exaltar los resultados finales. En muchos ámbitos fueron realmenete pobres. Los obreros salieron ganando un poco más de sueldo. La maquina trotskista se detuvo para siempre después del acuerdo de Mitterrand con los comunistas. Menos mal. Y la Universidad, que era mi campo, quedó exactamente como estaba. El ámbito académico siempre ha sido el más refractario a las transformaciones. La gran novedad fue la creación de la noción de juventud.

Chavales en un modelo fallido
–¿Puede explicar esa noción?
–No me refiero a categoría social ni política. De hecho, la noción de juventud da lugar a polémicas y discusiones. Bourdieu, por ejemplo, dice que la juventud no existe. La juventud burguesa es la burguesía joven, en su opinión. Y no estoy de acuerdo. La importancia del 68 estribaba en dar voz a los estudiantes no en tanto estudiantes como en tanto jóvenes.
–Cuarenta años después, la juventud ha sido y es noticia por la crisis de las periferias, las protestas contra el plan de empleo juvenil y contra la supresión de puestos de profesores. ¿Sigue siendo la educación una asignatura pendiente?

–La amenaza sobre la incertidumbre del porvenir es la misma en todos los órdenes sociales. Los chavales de ahora la sufren viviendo en el tercer piso, mientras que los de las periferias lo hacen viviendo en el sótano. Pero en ambos casos se tiene conciencia de un modelo fallido. Los gobiernos sucesivos de Francia se han demostrado impotentes ante los problemas de la educación. Esta impotencia redunda en la sensación de que nuestra sociedad está dividida en dos campos con objetivos e intereses irreconciliables: quienes defienden la economía de mercado, el capitalismo y la globalización sin reglas se oponen necesariamente a la búsqueda de la justicia social. Los jóvenes de hoy son víctimas de una paradoja: están mejor preparados que sus padres, pero no tienen acceso a un puesto de trabajo más o menos seguro. Carecen de expectativas, prolongan su situación de estudiantes. Ocupan una franja desamparada.


Los libros de Mayo

Mayo del 68 y sus vidas posteriores. Kristin Ross. Acuarela Libros & A. Machado. 450 pp., 22 e.
Rescatar “la memoria viva de un acontecimiento” que, lejos de ser “una algarada estudiantil” constituyó “la única insurrección generalizada del mundo desarrollado,” tal es la finalidad de la colección que inaugura este ensayo de Ross. Una indagación bien dirigida en los mecanismos intelectuales que han ido convirtiendo la memoria revolucionaria sesentaiochista en una apología del victorioso capitalismo ultraliberal.

1968. El mundo pudo cambiar de base. VV.AA. La Catarata. 366 pp., 20 e.
Los editores de este crisol de artículos no se resignan (como dijo alguien) a que Sarkozy y sus deudos entierren el 68. Con el afán pues de “reavivar las brasas” que el presidente francés clamaba por extinguir, presentan textos esenciales para la comprensión de lo ocurrido firmados por Bensaid, Tariq Alí, y Jaime Pastor, entre otros.

París, mayo de 1968. Crónica de un corresponsal. Eiunsa. 288 pp, 17 euros.
Apenas pasaban veinte días desde su desembarco como joven corresponsal de ABC en París cuando José Luis Perlado se encontró en medio de las multitudes de obreros y estudiantes que erigían barricadas. El conjunto de las crónicas –vibrantes, ingenuas–, que escribió entonces, conforman un sabrosísimo relato.

Fuente: http://www.elcultural.es/


Ver también:
Mayo del 68, ¿mito o bluff?
Diccionario del 68

Más información en www2.unia.es

viernes, mayo 16, 2008

THE ROLLING STONES
(1996) - Voodoo Stew (4 CD BOX)
U.K.
Género: Rock & Roll



Que se puede decir de estos 4 señores?

Basicametnte, que tuvieron el enorme mérito de encauzar sus influencias, mucho rock n’ roll primigenio y mucho rhythm & blues de Chicago hacia algo más acorde a los tiempos que corrían: más rebeldía, más colorido, más sexualidad explícita, actitud politicamente incorrecta...que cocktel en los albores de los '60!

Aquellos jóvenes forajidos, claro, ya no son ni tan jóvenes ni tan forajidos ni tan políticamente incorrectos... pero siguen siendo!, y es más de lo que muchos pueden decir.

Y más aún: siguen rockeando con idéntica pasión para millones de fanáticos en todo el mundo, con una vigencia inalterable...


En lo que respecta a Voodoo Stew, es un CD Box, con versiones de estudio de 1993 de las sesiones de grabación de Voodoo Lounge y Stripped... hay ensayos, mezclas alternativas, versiones isntrumentales...

Hay dos juegos de 4 CD´Box dando vueltas con material pirata de estas sesiones (este es uno de de esos CD Box) que según algunas versiones, fueron ellos mismos los que se han lanzado a circular estas cintas...(inclusive hay un diálogo en uno de estos discos donde se escucha en un track a Mick Jager transando el valor de las grabaciones!)...

Es una perlita del primero al último track, pero presten debida atención a las versiones alternativas de Voodoo Lounge en el CD1, donde canta solo Keith Richard





















Disc One (Keith Richard's Voodoo Lounge) - (74:04)
01.: Love Is Strong - 5:45
02.: You Got Me Rocking - 11:00
03.: Sparks Will Fly - 3:16
04.: The Worst - 2:26
05.: Make It Now - 4:28
06.: If (Moon Is Up) - 5:04
07.: It's Funny - 4:36
08.: Sweethearts Together - 5:53
09.: Anything For You - 8:17
10.: Baby Break It Down - 6:00
11.: You Got It Made - 5:02
12.: Thru & Thru - 8:23
13.: Track with no name - 3:50

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Disc Two (Stack Oï Tracks) - (73:38)
01.: Love Is Strong - 5:43
02.: 5-String Riffin' - 1:14
03.: You Got Me Rocking - 4:14
04.: Sparks Will Fly - 3:18
05.: New Faces - 2:51
06.: Moon Is Up - 5:02
07.: Out Of Tears - 5:32
08.: I Go Wild - 5:33
09.: Brand New Car - 5:05
10.: Sweethearts Together - 5:54
11.: Suck On The Jugular - 5:50
12.: Blinded By Rainbows - 4:41
13.: Baby Break It Down - 5:56
14.: Thru & Thru - 8:26
15.: Mean Disposition - 4:10

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Disc Three (Zulu Fun Mixes) - (73:31)
01.: Monsoon Ragoon - 4:35
02.: Sweethearts Together - 3:15
03.: Tease Me - 4:21
04.: Possesses Me - 7:37
05.: Bump And Ride - 5:48
06.: Middle Of The Sea - 3:42
07.: Zulu #1 - 4:00
08.: Zulu #2 - 4:49
09.: Samba - 3:42
10.: Alright Charlie - 4:03
11.: Another CR - 9:53
12.: Yellow Jacket - 2:03
13.: Ivy Leaque - 3:15
14.: Honest Man #1 - 4:28
15.: Honest Man #2 - 4:23
16.: Zip Mouth Angel - 3:30

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Disc Four (Honest Ron Wood & Keith Richard - (73:20)
"It's A Tall Order For Two Queers")
01.: It Takes Alot To Laugh - 1:28
02.: Travelin' Man #1 - 5:09
03.: Travelin' Man #2 - 4:47
04.: When I Wage A Crown - 5:49
05.: Nearness Of You #1 - 7:07
06.: Nearness Of You #2 - 14:31
07.: Nearness Of You # 3- 7:40
08.: Out Of Tears - 8:44
09.: Studio Conversation - 2:19
10.: You Got It Made - 17:15

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jueves, mayo 15, 2008

STING
(1994) - The complete Chicago Sessions

U.K.
Género: Jazz



CD1 (año '93)
01.: A Day In The Life
02.: Englishman In New York
03.: Fields Of Gold
04.: Fortress Around Your Heart
05.: If I Ever Loose My Faith In You
06.: Love Is Stronger Than Justice
07.: Medley - Epilogue (Nothing 'bout Me), Every Breath You Take

CD2 (año '91)
01.: Jeremiah Blues
02.: Mad About You
03.: The Wind Cries Mary
04.: Message In A Bottle
05.: The Soul Cages
06.: Every Breath You Take
07.: Be Bop A Lula
08.: I Miss You, Kate
09.: All This Time

Sting: bajo y voz
Dominic Miller: guitarra
Vinnie Colaiuta: batería
David Sancious: teclados

Otro Bootleg de colección...

Me gusta mucho el acercamiento que Sting tuvo al Jazz al comienzo de su carrera solista, apreciable desde su primer trabajo: "The Dream Of The Blue Turtles" de 1985 y profundizado en "Bring On The Night", brillante registro en vivo del año siguiente.

Pero resulta que las inquietudes de este englishman por el Jazz no se agotaron allí y entre el '91 y el '93 dió a luz dos discos soberbios: The Soul Cages (1991) y Ten Summoner's Tales (1993)

Estos registros tomados de The Timothy White Radio Show en Chicago datan de esos años y no tienen desperdicio.

En realidad mas que un acercamiento al Jazz, es un regreso a las fuentes, dado que Gordon Matthew Sumner, comezo su carrera musical como bajista de la Phoenix Jazzmen, banda con la que recorrió el circuito de Jazz de Londres en sus inicios... vale la aclaración para los prejuiciosos, que condenaron a Sting por De do do do De da da da!!! (o alguien osaría privarse de Lennon/McCartney por Ob-La-Di, Ob-La-Da???)

A propósito de Lennon/McCartney... no es frecuente escuchar a Sting versionando a otros autores, pero la versión de A day in the life me encanta...también se anima con una versión instrumental de The Wind Cries Mary del gran Hendrix y con un clásico del Rock & Roll: Be Bop A Lula

Presten atención al señor baterista que lo acompaña...

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miércoles, mayo 14, 2008

PORTRAITS



Jan Zwart nació y se crió en el centro de Amsterdam, Holanda, bohemio empedernido, vivió en las Islas Canarias, España, en los EE.UU. y en el sur de Francia dinde trabajó como pescador, agricultor de plátanos y empleado de una estación de servicio.

Después de viajar extensamente en África, Asia y América del Sur, se convirtió en un fotógrafo profesional en 1986.

Se hace imprescindible visitar el sitio de este fotografo multipremiado:

GONG
(2002) - OK Friends 2001 Tour

Multi-nacional
Género: Rock Progresivo, Canterbury Sound



01.: OK My Friends! 0.18
02.: Rabie Soja Scatsop 3.25
03.: Wise Man 8.03
04.: Zeroid Interiors 3.27
05.: Doudouk Bloomdido 3.18
06.: 6/8 Confiture 1.40
07.: Do You Believe in Magick? 4.24
08.: Three Questions 3.51
09.: Cycles 9.40
10.: Violin Titties 1.20
11.: Virtual Lover 1.43
12.: Deep Fjord Restaurant 0.47
13.: Can't Kill Me Sax 2.44
14.: Es que je suis 1.51
15.: Invisible Temple 3.33
16.: Selene 5.22

Daevid Allen: guitarra y voz
Gilli Smyth: Voces
Didier Malherbe: Saxo, Doudouk
Theo Travis: Saxo, Flauta
Mike Howlett: Bajo
Chris Taylor: batería, voces
Gwyo Zepix: teclados, Syntetizador y voces
Graham Clark: Violín

Este CD, es una recopilación de lo mejor de Gong en gira durante el año 2001, en distintas ciudades de Europa, hecha por Gilli Smyth...

Si bien las tomas eran desparejas, el encargado de clarificar el sonido y realzar la magia encerrada en la música de Gong fué Orlando Allen, por cierto, tuvo un éxito admirable...

A decir de Daevid Allen: " Bienvenidos mis amigos a los mejores momentos del más intenso y largo tour de Gong de los últimos años"...


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GILLESPI
(2004) - Vista Gorda All Stars

Argentina
Género: Jazz



01.: Mariana

02.: Cosa con algas
03.: Neón
04.: A 2' de Dolores
05.: Yerba
06.: Es


Gillespi: trompeta, teclados, bajo, guitarra, flugelhorn, batería, programación y loops
Pedro Aznar: bajo, guitarra acústica y voz (tema 1)
Abel Patrone: teclado, sintetizador (tema 1, 2, 3 y 5)
Aytor Graña: batería (temas 1 y 2)
Toto Rotblat: percusión (tema 1 y 2)
Lapo Gesaghi: guitarra eléctrica, programación batería electrónica (tema 1 y 5)
Willy Crook: voz (tema 3)
Alejo Scalco:piano (tema 3)
Gustavo Giles: bajo (tema 3)
Javier Malosetti: bajo (tema 4)
Eduardo Cigüeña De Luca: saxo (tema 4)
Guillermo Vadalá: bajo (tema 5)
Paul Wertico: batería (tema 5)

Patán Vidal: piano y teclados (tema 6)
Abdulay Bedayane: percusión


Marcelo Rodríguez, llegó a la televisión con el programa Orsai" y con "Duro de acostar", donde Roberto Pettinato, lo rebautiza como Gillespi.

"El sobrenombre, por supuesto, no quiere decir que toque con el nivel del gran Dizzy; por el contrario, en la última etapa «pifiaba» bastante y Petti me lo puso por eso, en broma, y quedó", explica el músico

Trompetista, actor y humorista, Marcelo Gillespi Rodríguez debutó con un álbum solista, "Ultradeforme" (1998), en medio de cierta fama masiva gracias a su participación en los programas de televisión que conducía Roberto Pettinato.

"SuperChatarraEspeshial", el segundo disco, recibió tres nominaciones para el Premio Gardel que entrega Capif: Mejor Disco de Jazz, Mejor Video Clip y Mejor Diseño de Portada.

A mediados del 2003 editó Live in Gonnet, su tercera placa, grabada en vivo y Bell Vill su último disco en el año 2005.

A lo largo de su carrera ha participado como músico sesionista de La Sonora del Plata, Sumo, las Pelotas, Sui Generis, Willy Crook, Divididos, Los Siete Delfines, Los Gardelitos, Ariel Prat, Pachuco Cadáver, solo por citar algunos artistas.


Con la música instrumental, estuvo en Alfombra Mágica, de Quique Sinessi y trabajó con Pedro Aznar, Javier Malosetti y Juan Valentino, entre otros.

Este disco fué editado con la revista TXT del entrañable Adolfo Castello y contine 6 temas inéditos.

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martes, mayo 13, 2008

VARIOS ARTISTAS
(1995) - Eyewitness: A Tribute To VDGG
Italia
Género: Rock Progresivo





CD1
01.: Afterwards [Landberk]
02.: Last Frame [TNR]
03.: House with no Door [Gizmo]
04.:After the Flood [Deus Ex Machina]
05.: Refugees [Finisterre]
06.: Still Life [Irrgarten]
07.: Pioneers over C [French T.V.]
08.: Theme One [Zauber]
09.: Meurglys III, the Songwriter's Guild [Germinale]
10.: Heart and the Sermon [Faint]
11.: The birds [Vince Font] (bonus track)

CD2
01.: Lemmings [Epicentro]
02.: Necromancer [Luna Inconstante]
03.: Darkness (II/II) [Twenty Four Hours]
04.: Out of my Book [Nostalgia]
05.: Vision [Notturno Concertante]
06.: Arrow [Egoband]
07.: Squid One [Finnegans Wake]
08.: Killer [Men of Lake]
09.: Solitude [Jay Tausig & Friends]
10.: On Tuesday/Slender Threads [Jay Tausig]
11.: Lizard Play [Art and Illusion]

Créditos:
Producido por Stefano Covili y Mauro Moroni
Concepto gráfico, ilustraciones y arte de tapa: Mario Lozito y Mauro Moroni

Si bien el concepto del disco es tributar la obra de Van Deer Graf Generator, el homenaje es a Peter Hammill, no solo por ser el alma máter de VDGG, sino porque algunos grupos que participan del trabajo, eligieron versionar temas de la basta trayectoria solista del gran Pedro.


Los grupos que intervienen son basicamente italianos (como Deus Ex Machine, Germinale, Finisterre o TNR), pero también participan otras bandas europeas (Gizmo banda británica que incluyen en sus filas al mitico Hugh Hooper de Soft Machine, Landberk de Suecia), norteamericanas ( como French TV) o canadienses (como Irrgarten) .

Abarca todas las épocas de VDGG. Hay temas del album The Aerosol Grey Machine: Afterwards y Necromancer; del album The Least We Can Do Is Wave To Each Other se incluyen After The Flood, Refugees, Darkness (11/11) y Out of my Book; del album H To He, Who Am The Only One los temas incluidos son House With No Door, Pioneers Over c. y Killer; del album Pawn Hearts, Lemmings; del album Godbluff, Arrow; del album Still Life se incluye el tema homónimo; del album World Record el tema Meurglys III (The Songwriter’s Guild); del album The Quiet Zone/The Pleasure Dome los temas Last Frame y Lizard Play.


Hay temas como Theme One y Squid One que no se encuentra en ningun album del grupo.

Los temas incluidos de PH son: Vision y Solitude del album Fool’s Mate; Slender Threads del album Chameleon in the Shadow of the Night; Faint-Heart and the Sermon el album In Camera; y On Tuesdays del album Over.

Como todo tributo, hay hallazgos, versiones para olvidar, pero no deja de ser un merecido tributo a una de las bandas británicas mas emblemáticas de todos los tiempos.

Ver también:
Peter Hammill

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VARIOS ARTISTAS
(2001) - Beatles Blues:
The Blues Meets The Beatles
U.S.A.

Género: Blues



01.: She Loves You - Stan Webb
02.: From Me To You - Earl Green
03.: I'm Down - Fred James
04. Don't Let Me Down - Charles Walker
05.: Norwegian Wood - Paul Lamb
06.: Come Together - Johnny Jones
07.: I Saw Her Standing There - Stan Webb
08.: Run For Your Life - Earl Green
09.: The Word - Al Garner
10.: You Can't Do That - Ruby Turner
11.: Oh Darling - Earl Gaines
12.: Why Don't We Do It In the Road - Fred James
13.: I Call Your Name - Mo' Indigo
14.: Get Back - Paul Lamb
15.: Let It Be - Roscoe Shelton
16.: I Feel Fine - Tony Wilson
17.: Day Tripper - Lee Moses

Otro tributo a Los Beatles muy interesante...

Originalmente publicado en 2001 (reeditado este año), este proyecto vió la luz, a partir de la iniciativa del renombrado Bluesman/Productor norteamericano Fred James, que además de versionar "I'm Down", participó en la grabación de otros tracks, en la ingeniería de sonido del album y en la produción.

El tributo reúne a pesos pesados del blues británico como Stan Webb, Paul Lamb, Ruby Turner y Earl Green y a Bluesmen de los Estados Unidos, como Earl Gaines, Johnny Jones, Charles Walker, Al Garner y Roscoe Shelton.

A disfrutar del legado de Lennon/Mc Cartney desde otra perspectiva...

Ver también:
Sgt. Pepper ...With a Little Help From His Friends

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lunes, mayo 12, 2008

COLOR HUMANO
(1973) - Color Humano 2
Argentina
Género: Música Progresiva



CD1
01. Sangre del sol
02. La tierra del gitano
03. Pascual tal cual
04. Humanoides
05. Va a salir un lugar
06. Un blues para Adelina


CD2
01. Hombre de las cumbres
02. Mañana por la noche
03. A través de los inviernos
04. Hace casi 2000 años
05. Cosas rústicas (Coto de caza)
06. Las historias que tengo
07. Vestidos de agua


Edelmiro Molinari: guitarra y voz
Rinaldo Raffanelli: bajo y voz

Osacar Moro: bateria y coros

Músico Invitado:
Raúl Porchetto: Coros

En realidad este disco doble, es la reedición de Color Humano 2 y COlor Humano3 editados respectivamente en 1973 y 1974 por la Compañía discográfica, pero concebido por los músicos como una obra única.

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CHUCK BERRY
(1968) - From St. Louie to Frisco
U.S.A.
Género: Rock & Roll, Blues, Soul



01.: Louie To Frisco
02.: Ma Dear
03.: The Love I Lost
04.: I Love Her, I Love Her
05.: Little Fox
06.: Rock Cradle Rock
07.: Soul Rockin
08.: I Can't Believe

09.: Misery
10.: My Tambourine
11.: Oh Captain
12.: Mum's The Word

13.: Oh Captain (CD bonus track)
14.: Campus Cookie (CD bonus track)

15.: Mum's The Word (CD bonus track)
16.: Song Of My Love (CD bonus track)

Chuck Berry: guitarra y voz
Quincy Macon: guitarra
Doug Sahm: guitarra
Ingrid Berry: coros
Carey Enlow: saxo tenor
Frank Morin: saxo
Martin Fierto: trompeta
Augie Meyers: teclados
Johnnie Johnson: piano
Forrest Frierson: bajo
Harvey Kagan: bajo
Ebbie Hardy: batería
George Rains: batería
Eugene Washington: batería


Otro prócer, referencia ineludible para tantos músicos...

Charles Edward Anderson "Chuck" Berry es no solo una figura influyente sino uno de los pioneros del Rock and Roll.

En la década de los 50, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Nat King Cole, "Johnny B. Goode", y "Maybellene".

Como pionero del rock and roll, Chuck Berry influyó significativamente en otros músicos como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard, Mike Laure, y Buddy Holly.

Cuando Keith Richards lo introdujo en el Hall of Fame, dijo: "Es difícil para mi presentar a Berry, porque siempre he machacado lo que él tocaba!".

John Lennon, otro devoto de Berry, tomó prestado un verso de la canción de Berry "You can't catch me" para su canción "Come together" y fue demandado posteriormente por los administradores de Berry.

Angus Young de AC/DC, quien ha citado a Berry como una de sus influencias más grandes, es famoso por imitar sobre los escenarios el "andar de pato" (duckwalk) de Berry.

Este es el penúltimo de cinco LP's grabados para el sello Mercury Records.

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domingo, mayo 11, 2008

+ PLATON, - PROZAC

Lou Marinoff es Doctor en Filosofía en la Universidad de Londres, profesor en el City College de Nueva York, presidente fundador de la Asociación Estadounidense de Consejeros Filosóficos y pionero en el movimiento de filosofía práctica, aplicada a cada una de las circunstancias de la vida y a la vida cotidiana

Más Platón y menos Prozac se inspira en los más grandes filósofos y filosofías de la historia del mundo para enseñar a abordar los aspectos más importantes de la vida.

Trata sobre los problemas habituales como la manera de llevar las relaciones humanas, de vivir con ética, de prepararse para morir, de enfrentarse a un cambio profesional y de encontrar sentido a la existencia.

En lugar de ofrecer enfoques pseudomédicos orientados a las patologías o proponer superficiales principios propios de la New Age, este libro presenta una sabiduría puesta a prueba por el tiempo y adaptada específicamente para ayudar a vivir con plenitud e integridad en un mundo que cada vez resulta más desafiante.

Enjoy it!

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JOE ZAWINUL & THE ZAWINUL SYNDICATE
(1998) - World Tour (2 CD)
Austria

Género: Jazz Rock



CD1
01.: Patriots
02.: Sunday Morning, Sunday Evening
03.: Indiscretions
04.: Asi Trabajamos
05.: Bimoya
06.: Zansa II
07.: Bona Fortuna
08.: N'awlins

CD2
01.: Lost Tribes
02.: Three Postcards
03.: Slivovitz Trail
04.: When There Was Royalty
05.: Success
06.: Two Lines
07.: Carribean Anecdotes
08.: Carnavalito

Joe Zawinul: teclados, voces
Gary Poulson: guitarras
Victor Bailey: bajo
Paco Sery: batería, kalimba y voces
Manolo Badrena: percusión
Frank Hoffmann: voces en Success
Pape Abdou Seck: voces en Bomboya
Richard Bona: bajo y voces en N'awlins, Indiscretions y Carribean Anecdotes

Teclista y compositor nacido en Viena, Austria, en 1932 y fallecido en setiembre del año pasado.

A los 27 años emigró a los Estados Unidos con una Beca del Conservatorio de Música de Viena y luego de 10 años de trabajar en los circuitos del Jazz de la "Gran Manzana" en 1969, Joe Zawinul compuso el tema "In A Silent Way", titulo del disco que marcó no sólo el debut de Miles Davis en el campo eléctrico, sino que ese disco ligó al Jazz con el Rock.

Después vino un álbum emblemático de Miles, "Bitches Brew" y Zawiunul quedaría en la historia como pionero del Jazz Rock.

En 1971, Joe Zawinul formó junto al saxofonista habitual de Miles Davis, Wayne Shorter, el mítico grupo: "Weather Report" al que tambien se unieron el bajista eléctrico, Miroslav Vitous, el percusionista brasileño, Airto Moreira y el baterista, Alphonse Mouzon. "Weather Report" fue mientras duró, el paradigma de los sonidos fusionados entre el jazz y el rock, y tuvo entre la critica y el publico de su época, una enorme aceptación.

Considerado actualmente una leyenda del jazz moderno, Zawinul, es uno de los últimos representantes de aquella generación de músicos que tuvieron el privilegio de integrar y/o vincularse los mas grandes músicos del jazz de todos los tiempos.

Su música seguio evolucionando en la permanente búsqueda, hasta lograr un sonido más afro-latino por el lugar que la percusión fué ganando, logrando un perfecto equilibrio. De eso se trata The Zawinul Syndicate.

Disfruten de este registro durante las fechas del word tour de la banda del año '97.

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PAUL GILBERT
(1991) - Tribute to Jimi Hendrix

U.S.A.
Género: Blues, Hard Rock



01.: Red House
02.: Hey Joe
03.: Highway Chile
04.: Midnight
05.: Purple Haze

Paul Gilbert: guitarra y voz
Horst Polland: bajo
Rick Lee: batería

Grabado en vivo en el festival de Jazz de Frankfurt, el 2 de junio de 1991.

Excelente tributo hecho por un gran guitarrista. Curiosamente, pese a que es una grabación en vivo, el bajo fue grabado en estudio.

Es un disco relativamente corto, pero muy intenso. Si bien la voz de Gilbert no es la más adecuada para cantar las canciones de Jimi (a diferencia de Stevie Ray Vaughan), su virtuosismo en la ejecución es exquisito. No es cualquier guitarrista quien hace el tributo!...Es Paul Gilbert, uno de los guitarristas más rápidos y técnicos de la actualidad

En todo el disco se aprecia la limpieza de su ejecución y la velocidad de sus riffs.

Hablemos un poquito más del gran Paul. Nació en 1966 en Ilinois. A los 5 años comienza a tocar guitarra, a los 15 aparece en la revista Guitar One junto a Yngwie Mälmsteen, a los 18 se va a estudiar en los Ángeles al GIT (Guitar Institute of Technology) en el cual se vuelve instructor al año.

Sus influencias van desde Eddie Van Halen e Yngwie Malmsteen hasta otras no tan comunes para un guitarrista de este estilo, como The Beatles, The Beach Boys o The Ramones.

Es considerado uno de los guitarristas más rápidos del mundo, por ello salió elegido dentro de los diez primeros en una encuesta de la revista Guitar One. No sólo se destaca por su habilidad en la guitarra eléctrica, sino que también ejecuta con la guitarra acústica a un gran nivel, como demuestra en sus discos Acoustic Samurai y Gilbert Hotel.

Ha impartido algunos talleres en video, como Intense Rock - Sequences & Techniques, Intense Rock II, Guitars from Mars, Guitars from Mars II y Terryfying Guitar Trip, donde demuestra sus habilidades como guitarrista y como instructor, enseñando a tocar la guitarra con muy buen sentido del humor. Ha sido maestro de otros grandes guitarristas como Buckethead y Joey Tafolla. Fue miembro de Racer X (OJO: Banda Altamente Recomendable) y Mr. Big. En 1996 dejó el grupo Mr. Big (siendo reemplazado por Richie Kotzen) y comenzó su carrera solista. Usa guitarras Ibanez y tiene varios modelos propios, como la PGM-301 .

Bueno, sabiendo ésto hay que decir algunas cosas más sobre el disco.

Versionar a Hendrix no es moco 'e pavo, no es nada sencillo de tocar, si eso ya es complicado, llevar las canciones de Hendrix a otro nivel, mucho más!... Quizás sean pocos quienes han logrado ir más allá de la canción original al hacer su versión.

Al único al que podía considerar que había llevado a otro nivel las canciones de Jimi era a Stevie Ray Vaughan (busquen las versiones de Stevie de Vodoo Chile, pero sobre todo la de Little Wing), pero debo decir que Paul no me defrauda en éste disco y sabe unir su velocidad a la pasión de las canciones de Jimi.

Suenan acordes que no habían, hay riffs más rápidos y además Paul es más limpio que Jimi para tocar. Pero en esas diferencias hay un enorme gustazo para el oído.

Que lo disfruten...

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sábado, mayo 10, 2008

VOX DEI
(1986) - La Biblia Segun Vox Dei en Vivo

Argentina
Género: Rock Progresivo



01.: Génesis
02.: Moisés
03.: Las Guerras
04.: Profecías
05.: Libros Sapienciales
06.: Nacimiento
07.: Cristo
08.: Apocalipsis

Willy Quiroga : bajo, guitarra y voz
Ruben Basoalto : batería y percusión
Ricardo Soule : guitarra, violín, armónica y voz

Músicos invitados :
Luis Valenti : teclados
Pollo Raffo : teclados

Grupo fundacional del Rock Argentino y uno de los más trascendentes de la década de los '70 junto a Manal y Almendra.

Esta banda de Quilmes (Gran Buenos Aires) anda rodando desde 1967 y se encuentra activa hasta la fecha, mas allá de algunos cambios en su formación a lo largo de mas de 4 décadas.

Su éxito Presente ha sido considerada la 7º mejor canción de la historia del rock argentino por la cadena MTV y la revista Rolling Stone, en tanto que Libros sapienciales fue considerada la Nº 16, por el sitio Rock.com.ar.

Su ópera rock La Biblia ha sido incluida como Nº 14 en la lista de Rolling Stone de los 100 mejores álbumes del rock argentino.

"La Biblia" primer obra conceptual de rock en cstellano, marcó todo un hito en la historia del rock nacional y se convirtió en la máxima creación de Vox Dei en toda su carrera.

El disco que presentamos es la versión en vivo de La Biblia, el legendario disco de 1971 del cual hablamos, e interpretado por la formación original de Vox Dei...

Para que lo disfruten de Buenos Aires a Montreal, sin escalas ;-)

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viernes, mayo 09, 2008

(2005) - BROKEN FLOWERS SOUNDTRACK
U.S.A.
Género: Banda de Sonido



01.: There Is An End - The Greenhornes with Holly Golightly
02.: Yegelle Tezeta - Mulatu Astatke
03.: Ride Your Donkey - The Tennors
04.: I Want You - Marvin Gaye
05.: Yekermo Sew - Mulatu Astatke
06.: Not If You Were The Last Dandy on Earth - Brian Jonestown Massacre
07.: Tell Me Now So I Know - Holly Golightly
08.: Gubelye - Mulatu Astatke
09.: Dopesmoker - Sleep
10.: Reuiem, Op. 48 (Pie Jesu) by Gabriel Faure - Oford Camerata
11.: Ethanopium - Dengue Fever
12.: Unnatural Habitat - The Greenhornes


Es conocida la melomanía de Jim Jarmusch. Lo pudimos comprobar en ‘Dead Man’ de 1995 o con la tremenda ‘Coffee and Cigarettes’ de 2003. En ‘Dead Man’, Jarmusch se las arregla para que el mismísimo Neil Young hiciera el score de ese gran western protagonizando por Johnny Depp. En la de 2003, aparte de juntar a músicos de la talla de Iggy Pop o Tom Waits, Jarmusch impregna una banda sonora de lujo que hacía perfecta mezcla entre el humo de los cigarrillos y el aroma del café, con una esencial música de The Stooges o Funkadelic, entre varios otros.

En esta ocasión, el director nos vuelve a ofrecer otro soundtrack imperdible, a mí parecer, el mejor de todos.

Se trata de ‘Broken Flowers: protagonizada brillantemente por Bill Murray. La música que acompaña a este film es realmente increíble. Estamos hablando de un compilado de lo más variado que se pueda oír, con grandes momentos de sensualidad, soul, rocksteady reggae, rock crudo y añejo de garage y stoner metal, una pizca de pop, algo jazz directamente extraído de Etiopía y hasta piezas de música clásica. ¿Pueden ahora hacerse una idea de cuán diverso es este soundtrack?

El disco comienza con el tema principal de la película (como es de costumbre), “There Is an End”, instrumentado por The Greenhornes e interpretado por la cantautora británica Holly Golightly. Una canción con un certero enganche, muy sensual y con un sonido que rasga lo antiguo. Gran tema para empezar un gran soundtrack.

Le sigue la “Yegelle Tezeta” del genial etíope Mulatu Astatke, y acá es cuando uno se sorprende brutalmente. ¿Cuántos estilos musicales creemos conocer y nos faltan por hacerlo? Un ritmo increíble, glutinoso, bien movido y constante Esto es puro jazz etiope, directamente de las tierras más recónditas del mundo hasta tus oídos. Gran música para deleitarse por horas y horas.

Mulatu Astatke es el compositor, además, de la mayoría de las canciones que aparecen en este gran soundtrack. “Yekermo Sew”, “Gubèlyé” son dos canciones de Astatke que siguen la misma onda etiopense del tema principal de la cinta. Además, la banda de rock psicodélico experimental Dengue Fever se aventura con la canción “Ethanopium”, compuesta originalmente por Mulatu Astatke, que también alude a la misma esencia de los demás traces que mezclan el jazz de Etiopia y la improvisación.

Lo demás? el reggae de la desconocida banda jamaiquina The Tennors; I Want You” de Marvin Gaye, que no necesita presentación; Stoner Rock , Soul...

Este soundtrack es ABSOLUITAMENTE IMPRESCINDIBLE, como la obra de Jarmusch...


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THE NICE
(1969) - Ars longa vita brevis
U.K.
Género: Rock Progresivo



01.: Daddy, Where Do I Come From?
02.:
Little Arabella
03.: Happy Freuds
04.: Intermezzo from "Karelia Suite"
05.: Don Edito El Gruva
06.: Ars Longa, Vita Brevis
....a.Prelude
....b.1º Movimiento - Awakening
....c.2º Movimiento - Realization
....d.3º Movimiento - ‘Branderburger’ Acceptance
....e.4º Movimiento - Denial
....
f.Coda - Extension to the Big Note

Lee Jackson: guitarra, bajo y voz
Keith Emerson
: teclados
Brian Davidson: batería y percusión

The Nice fue una de las agrupaciones más decisivas e importantes para el desarrollo de lo que hoy identificamos con rock progresivo, además de ser la gran tarjeta de presentación del compositor y virtuoso teclista Keith Emerson (cuya innovadora forma de tocar, junto a su espectacular destreza técnica hizo que fuese descripto como una mezcla de Jerry Lee Lewis y Jimi Hendrix, sonido marca registrada del trío Emerson, Lake & Palmer durante los '70)

Fué uno de los grupos que más apostó por el acercamiento del rock (con acentos de una psicodelia refinada) a otras corrientes, como el jazz y sobre todo a la música clásica (a través de sus vistosas y peculiares versiones de compositores clásicos como de nuevas creaciones realizadas a partir de parámetros clásicos, acompañados por orquesta sinfónica).

Este es el 2º disco de la banda y el primero como trío, quedando así configurada la estructura clásica de trío, preludiando ya lo que será ELP y con el protagonismo absoluto de Emerson. "Daddy Where did I come from?”, “Little arabella” y “Happy freuds” continúan la tónica psicodélica del trabajo anterior (sobre todo la primera) aunque con mayor profundización en los registros jazzísticos y blueseros marcados por el piano de Emerson.

Los shows en vivo comienzan a dinamizarse y Emerson patenta su ya clásico tratamiento “hendrixiano” al órgano Hammond. Uno de sus números más célebres y polémicos fue la quema de la bandera estadounidense durante una interpretación de “America”.

En líneas generales, un gran paso adelante en la maduración musical de The Nice, y un disco bastante influyente para la posteridad del rock sinfónico.

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MORPHINE
(2000) - Bootleg Detroit

U.S.A.
Género: Rock & Pop



01.: Intro
02.: Come Along
03.: Dana Intro
04.: Mary
05.: Banter #1
06.: Candy
07.: Sheila
08.: Billy Intro
09.: Claire
10.: My Brain
11.: Banter #2
12.: Head With Wings
13.: Cure For Pain
14.: You Speak My Language
15.: Thursday
16.: Banter #3
17.: You Look Like Rain
18.: Buena

Mark Sandman: bajo slide de 2 cuerdas, órgano, guitarra, piano y voces
Dana Colley: saxo barítono, saxo tenor, doble sax0, trianglulo
Billy Conway: batería y percusión

Bootleg Detroit es el único albúm oficial en vivo, a pesar del nombre del disco, y fué editado por el sello Rykodisc en el año 2000, luego de la trágica muerte de Mark Sandman sobre un escenario de Italia.

Es un concierto del año 1994 en el marco de la presentación del 2º disco del grupo "Cure for Pain", y fué grabado por un fan (Alan J. Schmit) en una típica toma de auditorio en el St. Andrew’s Hall en Detroit, Michigan y posteriormente corregido y mezclado bajo la supervisión de Mark Sandman...

Sandman fué un vanguardista y la música de Morphine te puede gustar o no, pero dificilemnte puedas no reconocer el estilo de la banda al 2º o 3º acorde: imaginen a John Coltrane interpretando con la oscuridad de Joy Division, la poesía de Lou Reed...montado sobre la base de un bajo slide de 2 cuerdas...

Ver También: Twinmen
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jueves, mayo 08, 2008

OLIVER WAKEMAN & STEVE HOWE
(2000) - The 3 Age of Magick

U.K.
Género: Rock Progresivo



01.: Ages Of Magick
02.: Mind Over Matter
03.:The Forgotten King
04.: The Storyteller
05.: The Whales Last Dance
06.: Time Between Times
07.: Flight Of The Condor
08.: Lurey And The Mermaid
09.: Standing Stones
10.: The Enchanter
11.: The Healer
12.: Through The Eyes Of A Child
13.: Ny Breasail

Oliver Wakeman: teclados, piano, órgano hammond
Steve Howe: guitarras eléctrica, acústica y steel guitar
Dave Wagstaffe: batería, percusión
Tim Buchanan: bajo
Tony Dixon: flautas
Jo Greenland: violín

No es facil afrontar el estigma de "ser el hijo de...", sino pregúntenle a Julian y Sean Lennon (hijos de John), Damien Anderson (hijo de Jon), Zak Starkey (hijo de Ringo Starr), Dweezil Zappa (hijo del maestro)...

Uno cree por ejemplo, que al ser el hijo de un músico famoso la industria de la música le da un montón de ventajas, y sin embargo, más bien parece que estos jóvenes la tienen mucho más dificil aún.

Tal el caso de Oliver Wakeman, quien no vive de la música y trabaja a tiempo parcial en un banco para sustentarse. Doble mérito...

Este es su segundo trabajo, sucesor de Heaven's Isle de 1997. Junto a nada menos, que el famoso guitarrista de Yes, Steve Howe.

Oliver, brilla en todos los arreglos instrumentales con un magnífico álbum que sin dudas, disfrutarán todos los amantes del rock sinfónico.

Hay pasajes del disco con atmósferas de Viaje al Centro de la Tierra, y el sonido de los teclados es casi idéntico al de Rick.

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PATRICIO REY Y SUS REDONDITOS DE RICOTA
(2001) - Estadio Chateau Carreras Córdoba
Argentina
Género: Rock & Roll



CD1
01 - Unos pocos peligros sensatos
02 - El Pibe De Los Astilleros
03 - Morta Punto Com

04 - Las Andanzas Del Capitán Buscapina En Cybersiberia
05 - Una Piba Con La Remera De Green Peace
06 - Pool, Averna Y Papusa
07 - Templo De Momo
08 - Pensando Como Una Acelga
09 - Rato Molhado
10 - Vamos Las Bandas
11 - Nadie Es Perfecto
12 - Mi Perro Dinamita
13 - La Murga De Los Renegados

CD2
01 - Sheriff
02 - Murga Purga
03 - Dr. Saturno
04 - La Murga de la Virgencita
05 - Queso Ruso
06 - Ñam fri fru fi fali fru
07 - Rock Para los Dientes
08 - Juguetes Perdidos
09 - Ole ole ola!
10 - Preso en mi Ciudad
11 - Noticias de Ayer
12 - Vamos los Redoooo!
13 - Ji Ji Ji
14 - Un Angel Para tu Soledad


Carlos "Indio" Solari: voz
Daniel "Semilla" Bucciarelli: bajo
Ed
uardo Skay Beilinson: guitarra
Walter Sidotti: batería
Sergio Dawi: saxo

Ultimo concierto de Los Redondos en el Estadio Chateau Carreras de la provincia de Córdoba el 04 de agosto del 2001, al show le siguieron varios meses de silencio, hasta que finalmente, Skay y la Negra Poly anunciaron que "al menos por un tiempo", Patricio Rey permanecería en silencio... han pasado ya seis años... y ni noticias de Patricio...

Excelente sonido, tomado de consola...
a contener las lágrimas...

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miércoles, mayo 07, 2008

TITANIC
(1970) - Titanic

Noruega
Género: Rock Psicodélico, Rock Progresivo




01. Searchin'
02. Love Is Love
03. Mary Jane
04. Cry For A Beatle
05. Somethign On My Mind
06. Firewater
07. Schizmatic Mind
08. I See No Reason
09. Half Breed ( Bonus Track )
10. Santa Fe ( Bonus Track )

Roy Robinson: Voz
Kenny Aas: teclados, bajo
Kjell Asperud: Percusión, coros
John Lorck: batería
Janne Loseth: Guitara, Vocaes

Banda Noruega, formada a fines de 1969, que fué sin dudas, uno de los grupos más interesantes de la escena progresiva Europea a principios de los años '70.

Liderada por Roy Robinson, un cantante británico, este trabajo, el primero de Titanic, tuvo un éxito enorme en Noruega y Alemania Occidental, que terminó proyectándolos a toda Europa...

Lograron un estilo propio, combinando rock progresivo, hard rock, blues y mucha psicodelia...

Muy Interesante...

Link Reparado

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