THE BILLY COBHAM & GEORGE DUKE BAND
(1974) - Live On Tour in Europe
U.S.A.
Género: Jazz Rock
01.: Hip Pockets
02.: Ivory Tattoo
03.: Space Lady
04.: Almustafa The Beloved
05:. Do What Cha Wanna
06.: Frankenstein Goes to The Disco
07.: Sweet Wine8. Juicy
Billy Cobham: batería, percusión, sintetizadores y coros
George Duke: teclados y voz
Alfonso Johnson: bajo, stick y coros
John Scofield: guitarra eléctrica
Es el único registro como la formación Billy Cobham/George Duke Band, aunque a decir verdad no hace justicia, ya que el aporte del guitarrista John Scofield y el bajista Alphonso Johnson amerita que la banda pueda llamarse La scofiend/Johnson Band tranquilamente...de hecho las composiciones son compartidas por los 4....
Jazz Rock en estado puro, este CD registra una gira por Europa del año '76 y es imprescindible para todo amante del jazz fussion, Es por lejos uno de los mejores registros en vivo del género.
Por lo tanto, a disfrutar de la única grabación de estos 4 virtousos y en especial de Scofield, Duke y Cobham, quienes gozan de una carrera solista interesantísima ya que Alphonso (ex-bajista de grupos como Weather Report, del que se marchó para formar parte en esta banda), es mas un sesionista que ha acompañado a grandes bandas como Rolling Stones o al mismísimo Santana.
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lunes, junio 16, 2008
domingo, junio 15, 2008
ARCO IRIS
(1973) - Inti Raimi
Argentina
Género: Rock Progresivo
02.: En nuestra frente
03.: Maritimaria
04.: La pastora de los peces
05.: Abran los ojos
06.: Adonde irás camalotal
07.: Sólo como el cardon
08.: No quiero mirar atrás
09.: Elevando una plegaria al sol
10.: Soy un pedazo de sol (bonus)
11.: Llego el cambio (bonus)
12.: El niño, la libertad y las palomas (bonus)
13.: Kukuricu (bonus)
14.: La savia verde (bonus)
15.: Detrás (bonus)
Gustavo Santaolalla: voz, guitarra, charango
Ara Tokatlian:, órganos, flauta, saxo tenor alto y soprano
Guillermo Bordarampe: bajo y voz
Horacio Gianello: bateria y percusiones
Danais Wynnycka: guia espiritual y coros
Excelente trabajo de la banda de Gustavo Santaolalla & Ara Tokatlian, para que los que se han fascinado con la fusión entre el rock y el folklore, a la que arribaron de la mano de Divididos por La Era de la Boludez o de Bersuit por La Argentinidad puedan comprender, que el origen de semejante acercamiento entre rock y los ritmos folcklóricos tiene un nombre: Arco Iris...
Es junto a Sudamérica y Agitor Lucens V, la trilogía ineludible para abordar el trabajo de esta banda fundacional del rock progesivo, que supo urgar y nutrirse de nuestras raíces folckóricas haciendo escuela...
Este disco contiene 6 bonus: simples editados hasta 1975 que fueran recopilados en el disco Mañanas Campestres del año 1979 (Kukuricu es mi favorito)
Extraordinario también el arte de tapa a cargo de Pipo Ferrari.
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sábado, junio 14, 2008
JOHN SCOFIELD
(2005) - That's What I Say
U.S.A.
Género: Jazz
01.: Busted
o2.: What'd I Say
03.: Sticks And Stones
04.: I Don't Need No Doctor
06.: I Can't Stop Loving You
11.: Night Time Is The Right Time
12.: You Don't Know Me
13.: Georgia On My Mind
John Scofield: guitarras eléctricas y acústicas
Larry Goldings: piano, órgno Hammond B3
Artistas Invitados
Aunque nació en Dayton, Ohio, se crió en Wilton, Connecticut, y allí se aficionó al blues y al rock and roll. En su adolescencia, Scofield tocaba Rythm & Blues, blues urbano, soul y rock and roll de grupos locales, pero pronto se sintió fascinado por la guitarra de jazz y asimiló muy deprisa los estilos de Wes Montgomery, Tal Farlow, Barney Kessel y Jim Hall, todos ellos destacados jazzistas de los sesenta.
En 1970 se marchó a Boston para estudiar jazz en la Berklee School of Music con Jim Hall y Mick Goodrick, dos de los guitarristas de jazz mas importantes de todos los tiempos.
La forma de tocar de Scofield llamó enseguida la atención de otros músicos como Billy Cobham, Charles Mingus y George Duke con quienes toco a finales de los '70.
También ha tocado y grabado con muchos otros jazzistas del más alto nivel: Miles Davis, Phil Lesh, Medeski Martin & Wood, Pat Metheny, Bill Frisell, Johnn Abercrombie, Steve Swalow, Charlie Haden, Dennis Chambers, Jack DeJohnette...
Este trabajo es un tributo a Ray Charles. Si sos un fan de Mr. Scofield, es imprescindible este álbum. Si sos un fan del mejor blues y el rock and roll, tambien.... y si sos fan de Ray Charles, mas que imprescindible...
miércoles, junio 11, 2008
BLUES CREATION
(1969) - Blues Creation
Japón
Género: Blues
01.: Checkin Up On My Baby
Fumio Nunoya: voz
Kazuo Takeda: guitarra
Masashi Saeki: bajo
Akiyoshi Higuchi: batería
Absoluta rareza que pesque por ahí.
Blues Creation es una banda nipona de blues liderada por el guitarrista Kazuo Takeda. Se los conoce como Blues Creación de 1969-1972, periodo en el que graban 4 discos (3 de estudio y 1 en vivo) y después de un paréntesis de tres años regresó como Creation en 1975.
Este es el disco debut Y rinde tributo al blues, con covers de Sonny Boy Williamson, Memphis Slim, Chester Burnett, J. Mayall-E. Clapton, Blind Willie Johnson, Willie Dixon y Otis Rush.
En agosto de 1971 se publicó el 2º, "Demon & Eleven Children". Este trabajo fue fuertemente influenciado por Cream, Deep Purple, Yardbirds, Led Zeppelin y Black Sabbath evolucionando hacia un sonido mas progresivo y más duro. A diferencia del debut, incluye canciones escritas por Takeda.
Los constantes cambios en la alineación del grupo, llevan a Kazuo Takeda a refundar el grupo como Creation, banda con la cual traspasa las fronteras de Japón, girando por Estados Unidos y hasta grabando en los estudios Bearsville de Nueva York el disco homónimo "Creation" en 1976.
Creaction publicó un álbum en vivo final llamado "Electric Pure Soul", de 1977
Kazuo Takeda ha publicado más de 20 discos como solista desde 1978 y actualmente trabaja como guitarrista de sesión en Los Angeles.
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martes, junio 10, 2008
COLOR HUMANO
(1995) - Color Humano en The Roxy
Argentina
Género: Rock Progresivo
01.: Larga vida al sol
02.: Cosas rústicas (Coto de caza)
03.: Sílbame, Oh Cabeza!!!
04.: Vuelo 144
05.: Mestizo
06.: Amantes solitarios
07.: Pascual tal cual
08.: Hace casi 2000 años
09.: Mañana por la noche
Edelmiro Molinari: guitarra y voz
Rinaldo Raffanelli: bajo y voz
Oscar Moro: batería
Tercer y último trabajo de Color Humano. En septiembre de 1995, Edelmiro, Rinaldo y Moro fueron tentados por un oferta para presentarse en vivo en The Roxy. El show fue grabado y editado a fines de ese año
El registro contiene temas del grupo, mas 2 perlitas: una versión de mestizo (Almendra) y Vuelo 144 (Edelmiro y la Galletita).
«Estos temas no son nada viejos, yo los siento modernos. La música que hacíamos en los '70 era bastante avanzada para la época y no ha envejecido. Hoy suena más densa, mas fuerte, pero es la misma», explica Rafanelli.
Las nuevas versiones de "Coto de caza", "Hace casi dos mil años" y "Mañana por la noche" son la prueba.
Fuente: http://www.rock.com.ar
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lunes, junio 09, 2008
sábado, junio 07, 2008
SAMLA MAMMAS MANNA
(1973) - Måltid
Suecia
Género: Rock Progresivo
01.: Dundrets Frojder
02.: Oförutsedd Förlossning
03.: Den Aterupplivade Laten
04.: Folkvisa I Morse
05.: Sister System
06.: Tarningen
07.: Svackorpoängen
08.: Minareten
09.: Værelseds Tilbud
10.: Minareten II*
11.: Circus Apparatha*+
12.: Probably the Probablay*
Coste Apetréa: guitarra y voz
Lars Hollmer: piano, piano eléctrico y voz
Lars Krantz: bajo y voz
Hans Bruniusson: batería, percusión y voz
Henrik Öberg: congas (track 12)
Samla Mammas Manna es una agrupación sueca formada en 1970 por Lars Hollmer (teclados), Hans Bruniusson (batería), Lars Krantz (bajo) y Bebben Öberg (percusión). Este último se separó del grupo en 1971.
Fué el primer grupo progresivo de ese país despues del "contagio" que se extendió a la Europa continental desde Gran Bretaña: es que el rock progresivo apelaba claramente más a la audiencia "intelectual" de Europa de lo que lo hizo el rock'n'roll
Samla Mammas Manna logró una mezcla de sesiones de rock progresivo, enloquecimiento psicodélico y música de cámara exótica.
Un año más tarde, en el otoño de 1972, se les une el guitarrista Coste Apetrea. En 1976, tras haber recorrido toda Suecia y después de haber grabado cuatro discos, el grupo decide tomarse un descanso y reformarse con el nombre de Zamla Mammaz Manna, con la incorporación de Eino Haapala en la guitarra. En 1978, Zamla Mammaz Manna se suma al colectivo Rock In Opposition, al lado de otras propuestas independientes de la nueva música europea como Henry Cow, Etron Fou Leloublan, Univers Zéro y Stormy Six.
Zamla Mammaz Manna se desintegra en 1980 tras la salida de Hans Bruniusson y de Lars Krantz. Lars Hollmer y Eino Haapala continúan trabajando juntos como Von Zamla, recorriendo Europa, hasta 1985.
En 1990, Lars Hollmer, Hans Bruniusson, Coste Apetrea y Lars Krantz deciden reformar Samla Mammas Manna. En diciembre de 1999, Hans Bruniusson deja al grupo siendo reemplazado por el baterista japonés Tatsuya Yoshida.
En 2002, Samla Mammas Manna hace una gira por Rusia y Japón y, un año más tarde, Estados Unidos. En septiembre de 2007 el grupo es invitado a participar en el Festival de Musiques Progressives de Montréal, Quebec, Canadá.
Måltid es el 2º album de estudio.
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viernes, junio 06, 2008
GATO BARBIERI
(2003) - Bolivia /Under Fire
Argentina
Género: Jazz
01.: Merceditas
02.: Eclypse/Michellina
03.: Bolivia
04.: Ninos
05.: Vidala Triste
06.: El Parana
07.: Yo le Canto a la Luna
08.: Antonico
09.: Maria Domingas
10.: El Sertao
Gato Barbieri: saxo tenor, flauta y voz
Lonnie Liston Smith: piano
Stanley Clarke: bajo
Jean-Francois Jenny-Clark: bajo
Airto Moreira: batería y percusión
John Abercrombie: guitarra
Roy Haynes: batería
Mtume: congas
Gene Golden: congas
Moulay Ali Hafid: dumbeg
Esta es una reedición de dos discos de estudio grabados en Nueva York en 1971 y 1973, y representan, una muestra del Gato en su esplendor.
Este saxofonista estrella de lo que se denominó Jazz Fusión a principios de los años '70, tuvo el privilegio de registrar estos trabajos con varias de las principales figuras del género, como el baterista Bernard Purdie, el bajista Stanley Clarke y el guitarrista John Abercrombie, constituyendo un verdadero seleccionado para estas sesiones de Nueva York.
Este Rosarino es sin dudas uno de los más prestigiosos saxofonistas argentinos y representante destacado del denominado "jazz latino".
Si algo destaca a Barbieri, quien tocó en su juventud en la banda de otro destacado jazzista argentino como Lalo Schifrin, es haber abordado al jazz desde la vanguardia y sin ataduras, admitiendo entre sus influencias a Charlie Parker, John Coltrane, Pharoah Sanders y Carlos Santana e incorporando a la composición de sus melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos.
El saxo de Gato Barbieri tiene frecuentemente un tono desgarrado, a base de notas largas y con un volumen elevado.
Aquejado de serios problemas cardíacos y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década del '90, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles y grabando a partir de entonces varios discos.
Ver también: Stanley Clarke y Lonnie Liston Smith
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jueves, junio 05, 2008
PREMIATA FORNERIA MARCONI
(1974) - Live in USA
Italia
Género: Rock Progresivo
1.: Four holes in the ground
2.: Dove... quando...
3.: Just look away
4.: Celebration (included The world became the world)
5.: Mr. 9 till 5
6.: Alta Loma 5 till 9
Flavio Premoli: órgano Hammond, piano, mellotron, moog y voz
Franco Mussida: guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz
Mauro Pagani: flauta, violín y voz
Jan Patrick Djivas: bajo
Franz Di Cioccio: batería y voz
Premiata Forneria Marconi es la banda mas representativa del Rock Progresivo italiano, que trascendió las fronteras de su país teniendo gran éxito en USA, donde llego a ser muy popular en los '70.
El debut del grupo fué en 1971 en el Teatro Lírico de Milano, ni más ni menos que como teloneros de YES en su primera gira por Italia. Este importante debut atrajo la atención del público y de la crítica. Reconocen influencias de Genesis y King Crimson.
En el mismo año, el sello "Numero Uno" edita en su primer álbum llamado "Storia Di Un Minuto", el grupo sigue creciendo musicalmente y son invitados a abrir los conciertos de Deep Purple y Procol Harum, logrando realizar su primera gira por 16 ciudades de Italia.
Este disco de 1974, es el registro de los conciertos de su primera gira por Canadá y EEUU, donde comparten escenario con Santana, Beach Boys y otros artistas, llevándolos a tener gran éxito en el mercado americano, también se conoce este disco con el nombre de "Cook".
El grupo, con algunos cambios en su formación original, sigue en carrera hasta hoy y lleva editados más de 20 discos oficiales.
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BO DIDDLEY
(1973) - The London Bo Diddley Sessions
U.S.A.
Género:Blues
01.: Don't Want No Lying Woman
02.: Bo Diddley
03.: Going Down
04.: Make a Hit Record
05.: Bo-Jam
06.: Husband-In-Law
07.: Do the Robot
08.: Sneakers Ona Rooster
Bo Diddley: guitarra y voz
Cookie Vee: voz
Roy Wood: bajo
Eddie Hardin: órgano
Ray Fenwick: guitarra
Keith Smart: batería
Charlie Grimar: congas
Nigel Grainge: percussión
Vaya un homenaje a esta leyenda que emprendió hace unos días su última gira para zapar con Muddy, Hendrix y su amado John Lee Hooker…
Diddley nació en Mississippi, pero creció en Chicago. Como muchos jóvenes negros, sus principales inquietudes eran el boxeo (que es donde recogió su apodo) y la música.
A pesar de su formación en el gospel y los spirituals de la música de iglesia, Diddley también tomó lecciones de violín y estudió música clásica. Hasta que a los 13 años, descubrió la guitarra y el blues a través de “Boogie Chillen” de John Lee Hooker.
Después de formar su primer grupo, The Hipsters, Diddley se trasladó de tocar en las calles de Chicago a tocar en los clubes.
Allá por 1958, se traslada a Washington, donde diseña su guitarra cuadrada que es todo un símbolo.
A principios de los ’60, a partir del aluvión de bandas británicas como los Beatles, los Rolling Stones o The Yardbirds, que invadieron los Estados Unidos a través de presentaciones y de la difusión en los medios, Diddley como tantos otros exponentes del Blues y del R&B, vieron como su popularidad se desvanecía al punto tal de volver a los pequeños circuitos del género. Vaya paradoja!
The London Bo Diddley Sessions, es un registro de 1972, que capta la esencia de este genio, a quien al igual que a Chuck Berry, podemos ubicar en algún lugar entre el blues y el R & B a base de rock & roll.
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martes, junio 03, 2008
JOHN McLAUGHLIN & THE ONE TRUTH BAND
(1979) - Electric Dreams
U.K.
Género: Jazz Rock
Bitrate: 192 Kbps
Duración Aprox.: 39:03 Minutos
01.: Guardian Angels - (0:51)
02.: Miles Davis - (4:54)
03.: Electric Dreams, Electric Sighs - (6:57)
04.: Desire and the Comforter - (7:34)
05.: Love and Understanding - (6:36)
06.: Singing Earth - (0:37)
07.: The Dark Prince - (5:15)
08.: The Unknown Dissident - (6:16)
John McLaughlin: guitarra eléctrica, guitarra acustica de 6, 12 & 13 cuerdas y banjo (track 3)
L. Shankar: violín acústico y eléctrico violin
Stu Goldberg: piano eléctrico, moog, prophet y órgano hammond
Fernando Sanders: bajo acústico y eléctrico, voz (track 5)
Tony Smith: batería y voz (track 4 y 5)
Alyrio Lima: percusión
David Sanborn: saxo alto (track 8)
Grabado en los Estudios Soundmixers, Nueva York entre noviembre y diciembre de 1978.
Producido por John McLaughlin y John Pace
John McLaughlin es uno de los más grandes guitarristas de la historia del Jazz y el Rock (considerado por muchos conocedores el mejor), y su primera banda, Mahavishnu Orchestra, ocupa dentro de ésta un sitial de honor, a pesar de su breve existencia.
Reconocido como el grupo fusión predominante, la Mahavishnu Orchestra fue considerada por muchos observadores durante sus inicios como una banda de rock, pero sus sofisticadas improvisaciones colocaron su poderosa música entre el rock y el jazz.
Este músico británico, nacido en Yorkshire, Inglaterra en 1942, se trasladó a los Estados Unidos en 1969 para unirse al grupo de Tony Williams, Lifetime.
Su fama se la debe también al haber ocupado un lugar en el grupo de Miles Davis a finales de la década de 1960, junto a otros interpretes como Chick Corea y Tony Williams, participando en los discos In A Silent Way, Bitches Brew, y A Tribute to Jack Johnson.
A principios de los 80 se unió al guitarrista flamenco Paco de Lucía y Al Di Meola formando el Guitar Trio. El Trio se reunió nuevamente en 1996 para una segunda sesión de grabación y una gira mundial.
Electric Dreams, a mi juicio le hace honor al nombre: es el disco más eléctrico de toda la carrera solista de McLaughlin, con la sombra de Miles y la Mahavishnu proyectándose... por suerte!.
domingo, junio 01, 2008
ARCO IRIS
(1973) - Sudamérica o El Regreso a la Aurora
Versión en Inglés
Argentina
Género: Rock Progresivo
CD1
01.: Obertura
02.: Canción de Nahuel
03.: Canto del pájaro dorado
04.: Viaje astral
05.: Tema del Maestro
06.: Iluminación/Gira
07.: Sígueme/El negro
08.: Los campesinos y el viajero
09.: El estudioso
10.: Oración de la partida
10.: Epílogo: Salvense ya
CD2
01.: Recuerdo
02.: Canción de los peregrinos
03.: Amancay
04.: Hombre
05.: Deserción del viajero/La duda de los campesinos/El aliento de Dios
06.: El viajero delata a los peregrinos
07.: Persecución de los peregrinos
08.: Viaje por las galerías subterraneas/Salida al inmenso lago/Iluminación
09.: Reencuentro con Amancay/Oremos/Las colinas y el Maestro
10.: Sudamérica
Gustavo Santaolalla: guitarras acústicas, eléctrica, charango, armónica, percusión y voz
Ara Tokatlián: flauta traversa, saxos soprano, alto y tenor, teclados, erke, erkenchsicuri, quena, pincuyos, percusión y voz
Guillermo Bodarampe: bajo, contrabajo y percusión
Horacio Gianello: bateria y percusión
Dana: Coros
Vaya rareza!!...
Es la versión inédita de la Opera en Inglés, no hay variación alguna en las composiciónes ni en las interpretaciones, solo cambian las pistas de las voces y la distribución de los temasCompré este CD pirata en una de esas cuevas que Buenos Aires ofrece para regocijo de los melómanos empedernidos, y lamentablemente, no tiene ningun tipo de información.
Presumo que es un demo destinado a seducir a los inescrupulosos de siempre (Fucking Discográficas!!), con el fin de editarse en el mercado norteamericano y lograr el reconocimiento internacional que la banda merecía, sin lugar a dudas a principios de los años '70, pero no tuvo la aceptación de Music Hall...
Tanto Ara con Arco Iris, como Gustavo y sus múltiples emprendimientos, tuvieron que esperar 30 años para lograr prestigio y reconocimiento en los Estados Unidos... (todo llega!!!)
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sábado, mayo 31, 2008
ARCO IRIS
(1972) - Sudamérica o El Regreso a la Aurora
Argentina
Género: Rock Progresivo
CD1
01.: Obertura
02.: Canción de Nahuel
03.: Canto del pájaro dorado
04.: Viaje astral
05.: Tema del Maestro
06.: Iluminación
07.: Gira
08.: Sígueme
09.: El negro
10.: Los campesinos y el viajero
10.: El estudioso
12.: Oración de la partida
13.: Epílogo: Salvense ya
CD2
01.: Recuerdo
02.: Canción de los peregrinos
03.: Amancay
04.: Hombre
05.: Deserción del viajero
06.: La duda de los campesinos
07.: El aliento de Dios
08.: El viajero delata a los peregrinos
09.: Persecución de los peregrinos
10.: Viaje por las galerías subterraneas
11.: Salida al inmenso lago/Iluminación
12.: Reencuentro con Amancay/Oremos
13.: Las colinas y el Maestro
Gustavo Santaolalla: guitarras acústicas, eléctrica, charango, armónica, percusión y voz
Ara Tokatlián: flauta traversa, saxos soprano, alto y tenor, teclados, erke, erkenchsicuri, quena, pincuyos, percusión y voz
Guillermo Bodarampe: bajo, contrabajo y percusión
Horacio Gianello: bateria y percusión
Dana: Coros
A diferencia de Los Jaivas (banda chilena contemporánea con quienes muchas veces se hacen analogías) Arco Iris no parte del folklore, sino que incorpora elementos del folklore, fusionándolos de manera notable con elementos del Jazz Rock y del Rock Sinfónico.
Es una ópera rock presentada en 2 actos, y creo que no hay antecedentes de un proyecto musical tán ambicioso, en la corriente musical del género progersivo en latinoamérica en la década del '70.
Sudamérica fué presentado el día 23 de diciembre de 1972 en el estadio del club River Plate ante 12.000 personas, convirtiéndose en el primer grupo en tocar en ese lugar, que se convertiría a partir de los '90 en el máximo escenario para los grupos mas importantes del rock Argentino.
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viernes, mayo 30, 2008
PETER HAMMILL
(1986) - And Close As This
U.K.
Género: Rock Progresivo
02.: Faith (4:28)
03.: Empire of Delight (4:44)
04.: Silver (5:29)
05.: Beside the One You Love (5:14)
06.: Other Old Chiches (4:07)
07.: Confidence (6:37)
08.: Sleep Now (4:44)
Peter Hammill: Piano, Programaciones y voz
Debo confesar que con este disco me ocurrió algo muy particular, durante meses, despues de haberlo comprado, no puede parar de escuchar solo el primer track: Too Many of My Yesterdays....
Absolutamente crudo y desgarrador poema de amor, con el gran Pedro solo con su piano y con su alma...
Una vez que lo escuchen, seguramente me darán la razón...
El resto del disco?... poco importa pero les puedo decir que es un disco particular, en solitario y tal vez con ciertos altibajos...
Puede ser un buen disco en momentos relajados y en buena compañía.
Una perla: el tema Empire of Delight fué co-escrito con Keith Emerson.
jueves, mayo 29, 2008
PIERRE JEAN GAUCHER
(1997) - Zappe Zappa
Francia
Género: Rock Progresivo, Jazz Rock+-+front.jpg)
01.: Heavy Duty Judy
02.: Cosmik Debris
03.: The Purple Lagoon
04.: Sofa / Eric Dolphy's Barbecue
05.: Dupree's Paradise
06.: Let's Move to Cleveland
07.: Welcome to The U.S.A.
08.: Sinister Footwear / Uncle Meat
09.: Yo Mama...
10.: Sleep Dirt
11.: Inca Roads
12.: Pygmy Twylyte
13.: Medley
14.: Strictly Genteel
PierreJean Gaucher: guitarras y samplers
Eric Lohrer: guitarra
Bobby Rangell: flauta, saxo soprano & saxo tenor, voz
Daniel Yvinec: bajo
Andre Charlier: batería
Otro tributo interesante al maestro, en este caso de Pierrejean de Gaucher, músico francés, formado en la Berklee School de Boston, pero con una carrera musical desarrollada en su Francia natal.
Con su primera banda Abus, grabó 8 álbumes y ganó cierto prestigio en la escena musical europea.
Músico inquieto, incursionó en la composición de bandas de sonido para el teatro, para coreografías de música contemporánea, y para la televisión.
En 1992, formó el Nuevo Trío con el baterista André Charlier y el bajista Daniel Yvinec con quienes grabó 2 álbumes de estudio, trabajos que fueron alabados por la prensa especializada europea como los proyectos más originales del momento.
En 1994 el nuevo trío se convirtió en un quinteto y rindió homenaje a Frank Zappa, que había fallecido el año anterior con este proyecto titulado "Zappe Zappa"
Este trabajo es un registro en vivo de octubre de 1997, y les permitió giras con mayor regularidad por el mundo y ampliar su público que supera en gran medida al público de jazz tradicional que lo seguía.
La música de Zappa es bastante compleja para un músico de jazz, ya que a menudo se opone a los códigos actuales y clichés jazz: cadencias armónicas y rítmicas no recurrentes... no en vano muchos reconocen al gran Frank como uno de los grandes compositores del siglo 20...
Un proyecto original, extraño zapping por todos los períodos de Zappa, mezclando todo los títulos, bocetos de varios temas y riffs extraídos de sus álbumes.
El resultado? explosivo, festivo, sarcástico, brillante e inteligente ...
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miércoles, mayo 28, 2008
SERU GIRAN
(2000) - Yo No Quiero Volverme Tan Loco
Argentina
Género: Rock & Pop
CD1
01.: Autos, jets, aviones, barcos
02.: Salir de la melancolía
03.: Qué voy a hacer
04.: Canción de Alicia en el país
05.: A los jóvenes de ayer
06.: Cuánto tiempo más llevará
07.: Esperando nacer
08.: Seminare
09.: El mendigo en el andén
10.: Parado en el medio de la vida
11.: Espejismo en la nieve
CD2
01.: Inconsciente colectivo
02.: Alto en la torre
03.: Cinema verité
04.: No llores por mí, Argentina
05.: En la vereda del sol
06.: Yo no quiero volverme tan loco
07.: Mientras miro las nuevas olas
08.: Encuentro con el diablo
09.: Peperina
10.: No llores por mí, Argentina
Charly García: teclados y voz
David Lebón: guitarra, percusión y voz
Pedro Aznar: bajo, teclados y voz
Oscar Moro: batería
Ay ay ay!... que puedo decir de este concierto....
En principio, la anécdota mas jugosa: dicen que alguna vez el entrañable Oscar Moro, se topó con esta joya de casualidad en el Parque Rivadavia (infinito proveedor de alegrías para los coleccionistas), tomo contacto con sus ex compañeros de ruta, se fascinaron, Pedro Aznar remasterizó el audio y se editó.
Es un concierto del 26 de diciembre de 1981 en el Teatro Coliseo, que capta la excelencia y la frescura de una de las bandas argentinas más grosas de todos los tiempos en su plenitud, con una calidad de sonido impecable.
Tratándose de un registro tomado directo de consola, no contiene ninguna pista adicional que desprestigie la escencia de estos 4 monstruos, como ocurrió con el registro en vivo "No llores por mi Argentina".
El valor documental no tiene precio, y el valor sentimental mucho menos: yo estuve ahí...
El disco tiene algunas perlas. "Oh Dios qué voy a hacer" (editada en El Tiempo es Veloz, de David Lebón) una versión de "Inconsciente colectivo" recién salida del horno en ese entonces, una soberbia versión de "Alto en la torre" y el tema que le da origen al nombre del disco: "Yo no quiero volverme tan loco" en una versión furiosa (fué grabada posteriormente en el 1º trabajo solista de García como "Pena en mi corazón" junto a León Gieco en otra versión no menos increíble).
Y por último, Color Humano se complace en esta oportunidad de inaugurar el servicio de delivery: para Carolina y para Fer (se que en España y Canadá no se consiguen, aunque quedense tranquilos, acá tampoco: ya fué descatalogado).
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SANTANA
(1997) - Live At Fillmore '68
México
Género: Rock Psicidélico, Rock Latino
CD1
01.: Jingo
02.: Persuasion
03.: TreaT
04.: Chunk A Funk
05.: Fried Neckbones
06.: Conquistadore Rides Again
CD2
01.: Soul Sacrifice
02.: As The Years Go Passing By
03.: Freeway
Carlos Santana: guitarra
Greg Rolie: organo y voz
David Brow: bajo
Bob Livingston: batería
Marcus Malone: congas
Jose "Chepito" Areas: timbales y congas
El posteo anterior me remitió invariablemente a esos mega festivales de fines de los '60, que proyectaron monstruos de la talla de Carlos Alberto Santana Barragán (nacido en Autlán de la Grana, Jalisco, México, el 20 de julio de 1947), uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos.
Este es el mítico concierto de Fillmore West en San Francisco que la banda (Santana a secas) dió los días 19 y 22 de diciembre de 1968, antes de la grabación del 1º disco de estudio; y con un set list formado por clásicos de ese disco ("Jingo", "Persuasion", "Soul Sacrifice" y "Treat").
Al año siguiente, Santana y su banda dieron el gran salto: tocando y elevando su fama en el Festival de Woodstock, el Sábado 16 de agosto de 1969, haciendo que más de 600,000 espectadores se quedaran atónitos...
A los fans de la 1º época les encantará este concierto. Tiene algunas rarezas que no se encuentran en otros álbumes de Santana, como Fried Neckbones, Chunk A Funk, Conquistadore Rides Again y hasta un cover de Albert King ("As the years go passing by").
Que decir de la versión de Soul Sacrifice: es impresionante como siempre...
Este album es una fiel muestra de lo que era Santana en sus comienzos: crudeza sonora, guitarras cálidas, inigualables solos de organos hammond y percusión afro-latina (toda una excentricidad para ese entonces, pero la matriz del sonido "Marca Santana").
Pura Psicodelia, Puro San Francisco, Pura Libertad.
Link Reparado
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domingo, mayo 18, 2008
(1971) - Soundtrack Music From A Clockwork Orange
U.K.
Género: Banda de Sonido
02.: The Thieving Magpie (Abridged) - A Clockwork Orange ST
03.: Theme from A Clockwork Orange (Beethoviana) - Walter Carlos
04.: Ninth Symphony, Second Movement (Abridged) -
A Clockwork Orange ST D
05.: March From A Clockwork Orange (Ninth Symphony, Fourth Movement, Abridged) - Walter Carlos
06.: William Tell Overture (Abridged) - Walter Carlos
07.: Pomp and Circumstance March No.1 - Stanley Kubrick
08.: Pomp And Circumstance March No.4 (Abridged) - Stanley Kubrick
09.: Timesteps (Excerpt) - Walter Carlos
10.: Overture To The Sun - Terry Tucker
11.: I Want To Marry A Lighthouse Keeper - Ericka Eigen
12.: William Tell Overture (Abridged) - A Clockwork Orange ST
13.: Suicide Scherzo (Ninth Symphony, Second Movement, Abridged) - Walter Carlos
14.: Ninth Symphony, Fourth Movement (Abridged) - A Clockwork Orange ST
15.: Singin' in the Rain - Gene Kelly
Stanley Kubrick ha dado lugar a una de las bandas de sonido más memorables de la historia del cine.
Para 1971 la adaptación de la novela de Anthony Burgués, A Clockwork Orange (La naranja mecánica) la banda de sonido fue encargada a Walter (ahora Wendy) Carlos, un pianista pionero en el uso de sintetizadores y moog, para componer música electrónica.
Alex, el protagonista de la película, genialmente interpretado por Malcolm McDowell, es un joven pendenciero, lider de una pandilla (los drugos), con los que pasa el tiempo dedicándose a la ultraviolencia (palizas, abusos, violaciones, y trifulcas con otras pandillas) y al consumo de drogas.
La pasión de Alex es la música clásica, principalmente del "divino, divino" Ludwig van Beethoven.
Como olvidar la escena en la que pelean con otra pandilla por violar a una joven, con The Thieving Magpie como música de fondo?
sábado, mayo 17, 2008
B.B. MUÑOZ
(1983) - 59 Minutos de Vida
Argentina
Género: Rock Progresivo
01.: Memorias de un ser humano
02.: Dónde está la flor
03.: Civilización
04.: Usted no dice nada nuevo
05.: Como un camino de agua
06.: Para la gente como yo
07.: Vivimos
08.: Amigo mio
09.: Doña necedad
10.: Un poco mas que un vegetal
11.: Para ser humano
12.: Natural
13.: Amigo mio
B.B. Muñoz: piano y voz
Daniel Alambre González: guitarra eléctrica
Alejandro Costa: guitarras acústicas
Eduardo Pandolfo: bajo
Juan Rodríguez: batería
Nene Giménez: percusión
Músicos invitados
David Lebón: guitarra eléctrica y voz en "Doña Necedad" y "Un Poco más que Un Vegetal
Marilina Ross: voz en "Para Ser Humano"
Miguel Cantilo: voz en "Natural"
Hector Starc: guitarra eléctrica en "Vivimos"
El Mono Izaurralde: flauta traversa en "Civilizacion".
Si bien en los '70 grabó 4 discos (3 con Fedra como "Fedra Maximiliano" y Maximiliano), el B.B. Muñoz supo alcanzar cierta popularidad en los comienzos de la democracia a principio de los '80, a partir de este registro en vivo grabado en el mes de octubre de 1982.
"59 Minutos de Vida" es un álbum doble registrado en el Teatro Odeón de Buenos Aires, con músicos invitados de la talla de David Lebón, Miguel Cantilo y Héctor Starc, entre otros.
Apoyado en "Si no lo veo, no lo creo", disco de estudio grabado tras su residencia en Europa en los años difíciles, en estos conciertos hace un repaso de toda su carrera.
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40 AÑOS DESPUES...
Alain Touraine
“El problema hoy no es el 68, como dice Sarkozy, sino la regresión que trae consigo el liberalismo a ultranza”
Cuarenta años después, los “héroes” del Mayo francés ya peinan canas pero aún no tenemos claro qué demonios fue lo que ocurrió allí. ¿Señala aquel tiempo de barricadas y ocupaciones el nacimiento de una nueva época? Y si es así, ¿cómo podemos valorar su herencia cultural, la cuña radical que insertó en el corazón de la sociedad moderna? A la búsqueda de la claridad, más allá de los resúmenes intencionados y los panegíricos sospechosos, hemos llamado a la puerta de un lúcido protagonista de los hechos: Alain Touraine. El filósofo francés ejercía como profesor en Nanterre, epicentro de la Revuelta, hizo las veces de abogado defensor del principal líder estudiantil, Daniel Cohn-Bendit, y resistió en las barricadas los embates de la policía. Ahora no tiene reparos en criticar “el ridículo lenguaje revolucionario” del movimiento así como su “falta de organización y orientación política” pero defiende a la vez su “caracter antitotalitario” y su “defensa de la tolerancia”. Además, Eugenio Trías, Álvaro Pombo, Manuel Cruz, Luis Racionero y Gabriel Albiac debaten sobre el sentido que cobran hoy aquellas jornadas. Y resumimos en un diccionario las claves del evento.
Alain Touraine, sociólogo, humanista y luminaria de referencia occidental, ha cumplido 82 años, aunque la edad no le ha nublado la clarividencia ni le ha hipotecado mínimamente la actividad intelectual. Mucho menos ahora que Francia ocupa el centro de la actualidad a cuenta del 40 aniversario del mayo del 68. Touraine vivió el movimiento exactamente en el medio (just in the middle, matiza él mismo en inglés). Porque era profesor en la Universidad de Nanterre. Porque estuvo en las barricadas las tres noches más ajetreadas. Y porque le correspondió hacer el papel de abogado defensor de Daniel Cohn-Bendit, líder del movimiento estudiantil cuando el Gobierno pensaba que la revuelta consistía en unos cuantos exacerbados.
–¿Puede recordarnos el episodio de su papel de abogado?
–La Universidad de Nanterre había acusado a Dany el Rojo de una serie de actos de vandalismo que se produjeron en el campus el 22 de marzo. No tenía derecho a un abogado. Pero se admitió que yo lo defendiera. Era profesor de sociología y tenía simpatía por el muchacho. Que era un libertario y un convencido anticomunista. Fue muy interesante el “proceso” porque simbolizaba, en cierto modo, cuanto iba a suceder más tarde. El presidente del tribunal universitario le preguntaba: ¿Dónde estaba usted el 22 de marzo? “En mi casa”, respondía Dany. ¿Y qué hacía a las tres de la tarde? “Hacía el amor, señor presidente”. Aquella respuesta alojaba un desafío, un cambio de época, una transformación. Anticipaba a pequeña escala todo lo que estaba por avecinarse.
–Aunque Cohn-Bendit, exiliado en Alemania y europarlamentario verde, recomienda ahora olvidar el 68… Forget 68, se titula su libro.
–Lo conozco muy bien. Quiere convertirse en santo antes de morir. Y pide que olvidemos el 68, pero, naturalmente, sin olvidarnos de él.
–Usted sostiene, en cambio, que el 68 está presente.
–Creo que es lícito hablar de un espíritu vigente. De hecho, mencionar tanto como hacemos el 68 demuestra que ocupa todavía un lugar y que recomienza a tener un sentido. El modelo liberal vigente en Europa lleva varios años mostrando síntomas de agotamiento. Y comenzamos a preguntarnos sobre qué bases podemos construir un nuevo camino. Necesitamos un nuevo proyecto. Y el proyecto consiste en volver a coser todo aquello que se ha descosido y deshilachado.
–¿Hace falta, por tanto, una resaca sesentayochista?
–El 68 fue un movimiento premonitorio. Ha anticipado grandes cambios culturales. Por eso creo que es importante volver a preguntarse qué fue este fenómeno. Mi tesis consiste en que fue un movimiento nuevo, con argumentos nuevos (sexualidad, familia, educación), que se expresó a sí mismo a través de un lenguaje diferente al del propio movimiento. Simplificando las cosas: un movimiento sueco que habla español. O al revés. Por eso es importante diferenciar el ruido de la esencia. Es un movimiento postindustrial que habla un lenguaje marxista-industrial. Los estudiantes, por ejemplo, habían tenido la impresión de que estábamos en el prefacio de un gran movimiento obrero, pero los obreros no sintonizaban con los estudiantes. Nunca se llegó a producir una sintonía entre la Universidad y las fábricas. Por eso y por la heterogeneidad misma del movimiento siempre ha sido difícil encontrar la frontera entre significante y significado. El lenguaje revolucionario era bastante ridículo. Y el contenido del movimiento era más fuerte que la capacidad de actuar y que, incluso, la capacidad de oponerse. No había ni orientación política ni capacidad de organización, en el fondo.
Cambiar de época
–Había, como usted ha escrito, la voluntad de cambiar de época. Más en la cotidianidad que en las grandes cuestiones.
–Francia era un país que había evolucionado en el ámbito económico. Se había reconstruido con agilidad y eficacia. Prosperaba. Pero todos esos cambios no se acompaña- ban de una nueva realidad cultural. El 68 trae consigo un cambio en las relaciones de autoridad, el nacimiento de la categoría de la juventud, la entrada de los problemas culturales en el orden político. También representa una defensa de la tolerancia. De la sensibilidad a las minorías. De toma de conciencia respecto al tercer mundo. La idea del prohibido prohibir simbolizaba un cambio de relación entre las personas. Se acortaban las distancias. Se ponía en cuestión una forma de vertebrar la sociedad jerarquizada. La verdadera transformación del 68 no está en el orden político ni el social. Está en el cambio de las costumbres y de las maneras.
–Nicolas Sarkozy, en cambio, sostiene que el 68 ha traído hasta nuestros días los males del individualismo, del relativismo, de la pérdida del principio de autoridad. Incluso afirma que hay que liquidar la memoria de aquel periodo.
–Creo que nos equivocamos quienes pensábamos que este hombre era inteligente. Semejante visión del 68 es una estupidez. Una insensatez. Sarkozy no es tonto, pero dice tonterías. Y ésta es una de ellas. Confunde el individualismo con la idea sesentayochista según la cual podría construirse una moral a partir de las conductas personales. Al Estado francés le había gustado jugar ese papel de representar la ley y la moral al mismo tiempo. La escuela pública era una escuela de moral. Más o menos como si la religión tradicional hubiera sido sustituida por una religión laica. El problema de hoy no es el 68, ni mucho menos. Es la regresión que está trayendo consigo el liberalismo a ultranza. Hay una relación peligrosa entre liberalismo económico y represión cultural. Pongo un ejemplo francés: los autores reincidentes de delitos sexuales se arriesgan ahora a la prisión vitalicia. Lo cual era impensable hace 30 años. El Estado vuelve a erigirse en representante del orden. Y la gente reclama ser protegida.
El vacío social actual
–Nada que ver con las pretensiones sesentayochistas.
–Se ha producido un vacío social. No hay enemigo soviético. No existe tampoco el movimiento obrero. Han desaparecido las amenazas del fascismo, de la monarquía, de la revolución. No existen los actores sociales. La coyuntura del 68 era completamente distinta. Entonces existía la URSS. Proliferaban los grupos trotskistas y maoístas. Había una retórica revolucionaria que los propios obreros observaban con escepticismo y precaución. Había más agitación dialéctica que otra cosa. La prueba está en lo incruento que fue el mayo del 68. Ni un muerto.
–Usted lo vivió en las barricadas.
–Es cierto. Y me llamaron la atención dos cosas. Una, el modo en que el Gobierno había subestimado la importancia de la revuelta. El ministro de Educación llegó a decirme que era una cosa de media docena de exaltados. La otra fue el grado de civilización colectivo. Simbolizado en la cortesía de los propios antidisturbios: recuerdo que a mí y a un grupo de manifestantes nos dejaron pasar delante de ellos. Y cuando nos vieron ya colocados en las barricadas, comenzaron a atacarnos. Hubo un sentido de la civilización y de la responsabilidad general. Nunca existió la pretensión leninista de tomar el Palacio de Invierno. A nadie se le ocurrió asaltar la Asamblea Nacional ni el Elíseo. Ni siquiera cuando se produjo el vacío de poder. Un Gobierno ausente, De Gaulle en Alemania. En este mismo contexto, me parece determinante el papel que jugó el prefecto de policía de entonces. Fue enormemente prudente y sensato en el uso de la fuerza y de la represión. Supo diferenciar entre las proclamas revolucionarias y las verdaderas intenciones de la gente. Nadie quería una subversión.
El camino a la perfección
–Exceptuando un grupo de filósofos e intelectuales de mucho peso.
–Los intelectuales rara vez son inteligentes. Recuerdo a muchos de ellos que venían fascinados de Rusia, o de China. Nos contaban que el maoísmo era la clave de la esperanza del hombre. Que en China no había prisiones, ni represión. Que Mao había encontrado el camino perfección. Otros cortejaban a la URSS. Se adoctrinaban para luego adoctrinar.
–Un ejemplo: Sartre. Dijo: “Del 68 sólo quedaré yo”.
–Políticamente, Sartre se equivocó siempre, sistemáticamente. Antes de la II Guerra Mundial subestimó el nazismo, pese a las advertencias que había hecho Raymond Aron. Durante el conflicto no tuvo reparos en pedir permiso a las autoridades nazis para publicar sus obras. Después se inventó el mito del Sartre resistente. Previo al proselitismo maoísta. Y antecedente de un final pro-sionista. Una trayectoria sorprendente, ¿no?
–Dice André Glucksmman que el 68 no fue, de hecho, un movimiento sensible al comunismo. Fue un movimiento antitotalitario.
–Estoy de acuerdo. Antitotalitario y libertario. Se mezclaron consignas filocomunistas, pero el espíritu era demostrativo de una actitud contraria ante cualquier tiempo de régimen represivo. Digamos que el 68 se presta a bastantes equívocos por su propia heterogeneidad.
–Usted ha mencionado dos. La mujer y los otros “68”.
–El problema de la liberación sexual y las corrientes feministas se había presentado antes. Fue en 1967 cuando se introdujeron en Francia legalmente los métodos anticonceptivos. Y fue mucho después, en 1975, cuando se aprobó la ley del aborto. En medio de ambas fechas, el sesentayochismo redunda más en la libertad de palabra. Las mujeres hablaban con más soltura del sexo. Se despojaban de un papel gregario. Por eso decía antes que el movimiento del 68 se aprecia en las costumbres.
–El otro matiz concernía a la confusa internacionalización del 68.
–Y es que el mayo francés en nada se parece a otros fenómenos internacionales. Me parece inapropiado compararlo con México, donde se produjeron muchos muertos. Ni con Praga, donde los tanques soviéticos aparecieron para truncar la primavera. Pueden mencionarse puntos comunes en ese espíritu antitotalitatario, pero el 68 francés es muy francés porque es la respuesta a una sociedad que no había cambiado como debía haberlo hecho. Sin que ello suponga exaltar los resultados finales. En muchos ámbitos fueron realmenete pobres. Los obreros salieron ganando un poco más de sueldo. La maquina trotskista se detuvo para siempre después del acuerdo de Mitterrand con los comunistas. Menos mal. Y la Universidad, que era mi campo, quedó exactamente como estaba. El ámbito académico siempre ha sido el más refractario a las transformaciones. La gran novedad fue la creación de la noción de juventud.
Chavales en un modelo fallido
–¿Puede explicar esa noción?
–No me refiero a categoría social ni política. De hecho, la noción de juventud da lugar a polémicas y discusiones. Bourdieu, por ejemplo, dice que la juventud no existe. La juventud burguesa es la burguesía joven, en su opinión. Y no estoy de acuerdo. La importancia del 68 estribaba en dar voz a los estudiantes no en tanto estudiantes como en tanto jóvenes.
–Cuarenta años después, la juventud ha sido y es noticia por la crisis de las periferias, las protestas contra el plan de empleo juvenil y contra la supresión de puestos de profesores. ¿Sigue siendo la educación una asignatura pendiente?
–La amenaza sobre la incertidumbre del porvenir es la misma en todos los órdenes sociales. Los chavales de ahora la sufren viviendo en el tercer piso, mientras que los de las periferias lo hacen viviendo en el sótano. Pero en ambos casos se tiene conciencia de un modelo fallido. Los gobiernos sucesivos de Francia se han demostrado impotentes ante los problemas de la educación. Esta impotencia redunda en la sensación de que nuestra sociedad está dividida en dos campos con objetivos e intereses irreconciliables: quienes defienden la economía de mercado, el capitalismo y la globalización sin reglas se oponen necesariamente a la búsqueda de la justicia social. Los jóvenes de hoy son víctimas de una paradoja: están mejor preparados que sus padres, pero no tienen acceso a un puesto de trabajo más o menos seguro. Carecen de expectativas, prolongan su situación de estudiantes. Ocupan una franja desamparada.
Los libros de Mayo
Mayo del 68 y sus vidas posteriores. Kristin Ross. Acuarela Libros & A. Machado. 450 pp., 22 e.
Rescatar “la memoria viva de un acontecimiento” que, lejos de ser “una algarada estudiantil” constituyó “la única insurrección generalizada del mundo desarrollado,” tal es la finalidad de la colección que inaugura este ensayo de Ross. Una indagación bien dirigida en los mecanismos intelectuales que han ido convirtiendo la memoria revolucionaria sesentaiochista en una apología del victorioso capitalismo ultraliberal.
1968. El mundo pudo cambiar de base. VV.AA. La Catarata. 366 pp., 20 e.
Los editores de este crisol de artículos no se resignan (como dijo alguien) a que Sarkozy y sus deudos entierren el 68. Con el afán pues de “reavivar las brasas” que el presidente francés clamaba por extinguir, presentan textos esenciales para la comprensión de lo ocurrido firmados por Bensaid, Tariq Alí, y Jaime Pastor, entre otros.
París, mayo de 1968. Crónica de un corresponsal. Eiunsa. 288 pp, 17 euros.
Apenas pasaban veinte días desde su desembarco como joven corresponsal de ABC en París cuando José Luis Perlado se encontró en medio de las multitudes de obreros y estudiantes que erigían barricadas. El conjunto de las crónicas –vibrantes, ingenuas–, que escribió entonces, conforman un sabrosísimo relato.
Fuente: http://www.elcultural.es/
Ver también:
Mayo del 68, ¿mito o bluff?
Diccionario del 68
Más información en www2.unia.es
