EAH EAH, PEPE
Por Edi Zunino 
Los del campo son golpistas. Las caceroleras de Barrio Norte son golpistas. Los “generales mediáticos” son, como su nombre lo indica, golpistas. El humo es golpista.
Y siguen las firmas...
Es un hecho: la política comunicacional de la Casa Rosada se ha vuelto tan previsible como el viejo y querido Carlitos Balá, quien (más allá de su buena onda con aquellos golpistas que eran golpistas de veras) se hubiera autocondenado al fracaso si osaba pasar por alto esa pregunta que patentó como lugar común: “¿Qué gusto tiene la sal?”.
Aunque, pensándolo mejor, no estaría nada mal que a Albistur (el secretario de Medios a quien le dicen Pepe por más que se llama Enrique Raúl), y a su jefe directo, Alberto Fernández, se les cayera un “gestito de idea” para aportarle ciertos aires de normalidad a la enroscada gestión de Doña Cristina.
Tal vez, a la larga, les resultaría más rentable llevarnos a todos al “chupetómetro” que tratarnos como a una manga de “lactántricos” que se chupan el dedo. Pero es sólo una opinión. Lo cierto es que este Albistur es el mismo Albistur que hace tres otoños sorprendió al país con una solicitada por el Día del Periodista (pagada con fondos públicos) que decía: “Hoy estamos apretando a los periodistas... en un fuerte abrazo”.
Ante una reprimenda presidencial, Albistur dijo que era un chiste, pero nadie le creyó. Y las razones de ese descrédito fueron confirmadas poco después por el propio Albistur, cuando dijo: “A los periodistas les duele que dejaron de ser intermediarios necesarios”. Según Albistur, “en la Argentina se han producido cambios culturales que a los medios y a los periodistas no les han llegado todavía”.
Más de Albistur: “Nos siguen tratando como si esto fuera el menemismo. Nos tratan con sospecha”. ¡Eah, eah, Pepe! ¿No es usted el mismo Albistur que en los '90 cantaba loas al modelo impuesto por Carlos Menem, y que explotó como empresario de la noche y de la publicidad callejera gracias a las glorias del uno a uno?
Mientras llega la respuesta, veamos cómo responde Albistur cuando quien sospecha no es un periodista fuera de época, sino el fiscal de Investigaciones Administrativas: “El partido del que proviene el fiscal Garrido nos metió en la peor crisis de la historia y se fueron en helicóptero”.
Por suerte, Albistur no trató a Manuel Garrido de golpista. Ya hubiera sido demasiado. El fiscal lo acusa de haberse pagado a sí mismo al menos 10 millones de pesos, con los fondos destinados a la publicidad oficial que repartió entre un grupo de empresas que él mismo manejó y que hoy manejan sus hijos y algunos amigos.
Cuando Albistur fue designado al frente de la Secretaría corrió con fuerza el rumor de que había aceptado el cargo bajo dos condiciones: Encargarse de la publicidad de la campaña de la fórmula Kirchner-Scioli (como lo había hecho con las de Menem), corriendo con parte de los costos a modo de aporte de campaña.
Permanecer en el cargo el tiempo justo y necesario para recuperar aquella inversión. O la inversión fue muchísima, o aquellas incomprobables razones no eran, al menos, las únicas. Sí se pudo ir comprobando, en cambio, el modo arbitrario y discriminatorio con que Albistur manejó durante el último lustro el presupuesto de publicidad oficial, que se quintuplicó desde 2003 hasta llegar a los 280 millones de pesos que se destinarán este año a la propaganda K.
Incluso llegó a hacer pública su inamovible determinación de dejar fuera de esa grilla a este diario y a todas las publicaciones de Editorial Perfil. La Organización de Estados Americanos considera, entre las más frecuentes violaciones a la libertad de expresión, “las asignaciones discriminatorias, negativas y positivas de publicidad oficial”.
Es decir: negarla como castigo, o adjudicarla para que se publique o no se publique algo. Ese nuevo engendro llamado Observatorio de Medios, promovido, entre otros, por Albistur (y con el bochornoso acuerdo de la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA), significa ni más ni menos que una peligrosa vuelta de rosca en esa misma dirección. Los “generales mediáticos” deben pagar su merecido. En algo no miente Albistur. Dice que tuvo “una vida antes de ser funcionario público” y que en aquella vida amasó una considerable fortuna que le permitió, entre otros lujos mundanos, comparle la casa del Tortugas a Susana Giménez .
Nobleza obliga: hay que aplaudirle el buen gusto que destellan las flamantes remodelaciones. A ese parque sólo le falta un perro.
Que no lo llame Angueto, por favor.
Fuente: http://www.perfil.com/
domingo, abril 20, 2008
JAN AKKERMAN
(2007) - Live in Concert
Holanda
Género: Rock Progresivo, Jazz
1.: Answers Questions/Questions Answers
2.: Anonymous
3.: House of the King
4.: Tranquilizer
5.: Slow man
6.: In the Mood
7.: Dance the blues away/Bluesroute 2007
8.: You do something to me
9.: Urban String (More air 4 a G-string)
Jan Akkerman: guitarras
Wilbrand Meischke: bajo
Coen Molenaar: teclados
Marijn v/d Berg - batería
Ultimo trabajo de este gran guitarrista holandés, ex miembro de Focus, cada vez más cercano al jazz...
Grabado en el Nieuwe Nederlandse Theatertour en diciembre de 2006, recién salidito del horno...
No se cual es el criterio comercial, pero el disco está disponible para la venta solo en Holanda...
Asique o se van hasta Amsterdam a comprarlo o lo descargan de Color Humano... ;-)
ver también: Focus
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CRUCIS
(1976) - Crucis
Argentina
Género: Rock Progresivo
01.: Todo Tiempo Posible
02.: Mes
03.: Corto Amanecer
04.: La Triste Visión Del Entierro Propio
05.: Irónico Ser
06.: Determinados Espejos
07.: Recluso Artista
Pino Marrone: guitarra y voz
Gustavo Montesano: bajo y voz
Anibal Kerpel: teclados
Gonzalo Farrugia: batería y percusión
Crucis fué una de las máximas expresiones, junto a La Máquina de Hacer Pájaros, del Rock Progresivo en la Argentina.
Tanto La Máquina como Crucis, tenían un hilo conductor: Charly García. El líder de la Máquina de Hacer Pájaros, fué el productor y en gran medida, el responsable del sonido de Crucis.
Ambos grupos comparten también otra particularidad: trayectoria fugaz pero incandescente que plasman en 2 discos, Crucis y Los Delirios del Mariscal de 1976 y 1977 respectivamente.
Ambos discos, contienen una alta dosis de frescura, creatividad y virtuosismo que establecieron el comienzo de las grandes composiciones instrumentales y a la hora de los conciertos, ampulosas escenografías y puestas en escena
Las grabaciones fueron en vivo en el estudio, hechas en no mas de dos tomas, y la diferencia a favor de Los Delirios del Mariscal, es la madurez creativa (las composiciones son compartidas, a diferencia del 1º LP, donde todos los temas eran firmados por Gustavo Montesano...
Hay 2 cuestiones a señalar... una a favor, el arte de tapa: ilustraciones a cargo de Juan Oreste Gatti, siempre brillante el trabajo del Roger Dean Argentino...
Una en contra: Gustavo Montesano cantando!
+ Info: http://dospotencias.com.ar/rebelde/crucis.htm
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CRUCIS
(1977) - Los Delirios del Mariscal
Argentina
Género: Rock Progresivo
01. Mo me Separen de Mí
02. Los Delirios del Mariscal
03. Pollo Frito
04. Abismo Terrenal
Pino Marrone: guitarra y voz
Gustavo Montesano: bajo y voz
Anibal Kerpel: órgano, piano rodhes, moog y piano steinway
Gonzalo Farrugia: batería y percusión
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sábado, abril 19, 2008
THE CURE
(1988) - The Cure In Orange
U.K .
Genero: Rock & Pop-Post Punk
01.: Shake dog shake
02.: Piggy in the mirror
03.: Play for today
04.: A strange day
05.: Primary
06.: Kyoto song
07.: Charlotte sometimes
08.: In between days
09.: The walk
10.: A night like this
11.: Push
12.: One hundred years
CD2
01.: A forest
02.: Sinking
03.: Close to me
04.: Let's go to bed
05.: Six different ways
06.: Three imaginary boys
07.: Boys don't cry
08.: Faith
09.: Give me it
10.: 10:15 Saturday night
12.: Killing an arab (Sweet talking guy)
Robert Smith: guitarras y voces
Simon Gallup: bajo
Porl Thompson: guitarras y teclados
Lol Tolhurst: teclados
Boris Williams: batería y percusión
Concierto registrado en Le Theatre Antique D'Orange, Orange, Provincia de Cote D'azur, Francia
Es la extracción de audio del concierto editado en VHS Y Laser Disc en 1988 (Todavía no fué editado en DVD!!!)
Disfruten de este concierto de una de las bandas más influyentes de los '80...
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MUDDY WATERS
(1968) - Electric Mud
U.S.A
Género: Rock & Blues
01.: I Just Want To Make Love To You
02.: I’m Your Hoochie Coochie Man
03.: Let’s Spend The Night Together
04.: She’s Alright
05.: Mannish Boy
06.: Herbert Harper’s Free Press News
07.: Tom Cat
08.: The Same Thing
Pete Cosey: guitarra lider
Phil Upchurch: Guitarras rítmicas
Roland Faulkner: Guitarras rítmicas
Louis Satterfield: bajo
Gene Barge: saxo tenor
Charles Stepney: órgano
Morris Jennings: Batería
Este disco de 1968, es sin dudas, uno de los mejores discos de Muddy, sino el mejor... a mi particularmente, me partió la cabeza en mil pedazos...
Es un disco de blues eléctrico que hipnotiza de tanta psicodelia...
Les recomiendo la versión de Let’s Spend The Night Together que habrá hecho llorar hasta al mismísimo Keith Ricards...
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(1973) - Candiles
Argentina
Género: Rock Progresivo
02.: Soplo Nuestro
05.: Miren a ese Imbécil
06.: Patos Trastornados
07.: Iluminen la Tierra
Hector Starc: guitarra y voz
Hugo Gonzalez Neira: teclados y voz
Su estilo elaborado, sus letras surrealistas, su acercamiento al free-jazz, no encajaban con los comunes denominadores de la época pero fascinaron por igual al público y a la crítica.
Con (los exAlmendra) Emilio Del Guercio , en bajo y voz y Rodolfo García , en batería y voz; Hugo Gonzalez Neira en teclados y voz y Héctor Starc , en guitarra y voz, Aquelarre dejó su marca para siempre en la historia del género como una de las bandas más destacadas de la década de los 70, no sólo por su popularidad y originalidad, sino por abrir nuevos mercados europeos para la música nacional y por haber sido el primer grupo en llevar el rock argentino a España.
Almendra dejó una herencia tan interesante como su propia obra: la furia de Pescado Rabioso, la sinceridad de Color Humano y la profundidad estética de la música de Aquelarre. Este mítico grupo, responsable en buena parte de lo mejor que tuvo el rock argentino en los años setenta, no pretende ahora, a 35 años de su creación, hacer simplemente un ejercicio de nostalgia.
La vigencia inequívoca de su obra y el sonido decididamente actual, transforman a Aquelarre en algo más que un grupo de culto: lo convierten en un clásico de la música popular argentina. Y los clásicos no envejecen, son para siempre.
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viernes, abril 18, 2008
ENSEMBLE AMBROSIUS
(2000) - The Zappa Album
Finlandia
Género: Rock Progersivo, Música Barroca.ensemble.ambrosius.jpg)
01.: Night School
02.: Sofa
03.: Black Page #2
04.: Uncle Meat
05.: Igor's Boogie
06.: Zoot Allures
07.: Big Swifty
08.: T'Mershi Duween
09.: Alien Orifice
10.: Idiot Bastard Son
11.: RDNZL
12.: Orange County Lumber Truck
13.: Echidna's Arf (Of You)
14.: Inca Roads
15.: G-Spot Tornado
Olli Virtaperko: cello barroco
Jonte Knif: teclados
Ere Lievonen: harpsicord
Matti Vanhamäki: violín barroco
Anni Haapaniemi: oboe barroco
Jani Sunnarborg: fagot barroco
Tuukka Terho: archlute
Ricardo Padilla: percusión
Jasu Moisio: oboe barroco
Ensemble Ambrosius es un grupo de musica de cámara finlandés que interpreta música del siglo XX en instrumentos barrocos.
Las inquietudes musicales del grupo pasa por tres lugares: la obra de Frank Zappa, modernos y clásicos propios, y etnonacionalismo de jazz orientados a la música clásica.
El grupo se originó en 1995 cuando tres estudiantes de música interpretaban piezas instrumentales de Frank Zappa. En 1997 se incorporaron cuatro músicos más, y comenzaron una gira, agregando música original a su repertorio.
Tienen dos discos editados : "The Zappa Album" con piezas originalmente para sinclavier de Frank Zappa, algunas reorquestaciones de solos de guitarra y "Metrix", que se concentró en composiciones de Olli y Jonte.
The Zappa Album fue grabado en agosto de 1999 en los estudios BIS de Suecia.
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>>>descargar<<<STANLEY CLARKE, AL DI MEOLA & JEAN LUC PONTY
(1995) - The Rite of Strings
U.S.A.
Género: Jazz
01.: Indigo (Al Di Meola)
02.: Renaissance (Jean-Luc Ponty)
03.: Song To John (Dedicated To John Coltrane) (Chick Corea)
04.: Chilean Pipe Song (Al Di Meola)
05.: Topanga (Stanley Clarke)
06.: Morocco (Al Di Meola)
07.: Change Of Life (Jean-Luc Ponty)
08.: La Cancion De Sofia (Stanley Clarke)
09.: Memory Canyon (Jean-Luc Ponty)
Stanley Clarke: Contrabajo, Bajo
Al DiMeola: Guitarras
Jean Luc Ponty: Violín
Quería postear algo de Jazz y me decidí por este disco... un acústico con muchas texturas de tres músicos increíbles, verdaderos innovadores que se cuentan entre los instrumentistas más influyentes en sus respectivos instrumentos, muy versátiles dada su capacidad de atravesar diversos géneros musicales, como el rock, el jazz, R & B... y curtidos de tocar con genios como Pharoah Sanders, Gil Evans, Dexter Gordon y Art Blakey en el caso de Stanley Clarke; Stanley Jordan, Chick Corea, Paco de Lucia en el caso de Al Di Meola; o George Duke, Frank Zappa, Elton John, y John McLaughlin en el caso de Jean Luc Ponty...solo por citar algunos nombres que recuerdo...
Flor de disco!, para los que no pudieron disfrutar del concierto de diciembre en el Gran Rex ;)
altamente recomendado
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jueves, abril 17, 2008
ENSEMBLE NIPPONIA
(1976) - Traditional Japanese Vocal & Instrumental Music
Japón
Género: World Music
01.: Kumoi Jishi
02.: Ozatsuma
03.: Ogi no Mato
04.: Edo Komoriuta
05.: Godan Ginuta
06.: Esashi Oiwake
07.: Mushi no Aikata
08.: Azuma Jishi
Kohachiro Miyata: shakuhachi
Sachiko Miyamoto: koto
Keiko Nosaka: koto
Ayako Handa: Biwa, voces
Hirokazu Sugiura: shamisen
Minoru Miki: campanas
El Ensemble Nipponia es una agrupación formada en 1964 y está dedicada a la difusión de la música ancestral japonesa ejecutada con instrumentos tradicionales. Han estado de gira por todo el mundo. Todavía es hoy en día, uno de los más reconocidos y respetados grupos de la música de cámara tradicional japonesa.
Entre sus miembros, el más conocido es el músico Kohachiro Miyata, que es considerado uno de los mejores ejecutantes del shakuhachi.
Este CD fué grabado en 1976, y es un registro de piezas clásicas para el shakuhachi y el shamisen. A pesar del tiempo transcurrido, este registro sigue siendo aún hoy en día, uno de los clásicos de la música japonesa.
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>>>descargar<<<BOOKER T. T & THE MG's
(1962) - Green Onions
U.S.A.
Género: Blues, Soul
01.: Green Onions
02.: Rinky Dink
03.: Got A Woman
04.: Mo' Onions
05.: Twist And Shout
06.: Behave Yourself
07.: Stranger On The Shore
08.: Lonely Avenue
09.: One Who Really Loves You
10.: You Can't Sit Down
11.: A Woman, A Lover, A Friend
12.: Comin' Home Baby
Booker T. Jones: órgano hammond
Steve Cropper: guitarra
Donald "Duck" Dunn: bajo
Al Jackson, Jr.: batería
Dice la leyenda que una pareja de imberbes (Booker T. Jones, negro de diecisiete años, y Steve Cropper, rostropálido de veinte) pasaban las horas muertas entre sesión y sesión, ya como músicos de acompañamiento asalariados, en Stax, jugeteando con improvisaciones. En una de éstas surgió algo que hizo aguzar el oído a un tipo con jerarquía en la casa. Era el embrión de "Green Onions", el single que aquel avispado directivo propuso grabar inmediatamente y que, en cuestión de unas cuantos días, arrasó de costa a costa, en las emisoras de radio, en las listas de ventas de r&b y en las de pop.
Eran dueños de un sonido limpísimo, mezcla de insolencia e inocencia, que tal vez pueda identificarse, como ningún otro, con el período sociopolítico JFK. Si algo sobraba en Stax eran reflejos, así que había que poner cuanto antes el nuevo diamante en el escaparate, en formato de larga duración. Si los muchachos andaban cortos de repertorio, no había problema. El álbum podía completarse con versiones instrumentales de exitazos vocales del pasado más inmediato que, escuchados en forma de delicatessen de soul de Memphis, no acusaban en modo alguno la falta de vocalista.
Booker T. convertía súbitamente un instrumento "menor", hasta entonces asociado casi siempre al gospel dentro de la música negra, en el motor melódico de esta banda y, por extensión, de buena parte del sonido made in Stax de la década. Su banda se convirtió, más adelante, en el respaldo imprescindible para sacar todo el jugo a Otis Redding, Wilson Pickett o Carla Thomas.
Fuente: Paisajes Eléctricos Magazine
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miércoles, abril 16, 2008
PIERRE MOERLEN'S GONG
(1981) - Leave it Open
U.K.
Género: Rock Progresivo
02.: How Much Better It Has Become
03.: I Woke Up This Morning Felt Like Playing Guitar
04.: It's About Time
05.: Stok Stok Stok Sto-Gak
06.: Adrien
Bon Lozaga: guitarra
Brian Holloway: guitarra rítmica
Hansford Rowe: bajo, guitarra rítmica
Charlie Mariano, saxo
Francois Causse: batería, congas, percusión
El tema que abre el disco y le da origen al nombre, encandila.
"Leave It Open", hipnotiza con Pierre Moerlen dando luz al vibráfono durante los 17 minutos que dura el tema, tiene muchas texturas y sutilezas y es demasiado atmosférico para ser oído en un reproductor de MP3. Debe ser escuchado con un sólido y buen amplificador, para dotar al oyente de un viaje fascinante.
Bon Lozaga también aparece en todo, añadiendo un sonido de guitarra rocker para complementar lo que parece ser una fusión de sonidos exóticos.
Hoy en día, esta música podría ubicarse en la categoría "chill-out", y teniendo en cuenta que es un disco de la década del '80, suena vanguardista.
Este disco estimuló mi imaginación a aventurarme fuera de este mundo. Es la banda de sonido ideal para emprender un viaje intergaláctico...
Un maravilloso registro...
Altamente recomendado
LOS 7 DELFINES
(1993) - Nada Memorable
Argentina
Género: Rock & Pop
01.: Nubes
02.: Tuyo
03.: Lluvia intensa
04.: Cenizazay
05.: Nada memorable
06.: Ella
07.: Todo se mueve
08.: Placebo
09.: Versos secretos
10.: (A) Marte
11.: Tanto
Richard Coleman: guitarra y voz
Braulio D'Aguirre: batería, teclados y coro
Ricky Saenz Paz: Guitarra, Bajo, Stick y Samplers
Músicos Invitados:
Roly Ureta: guitarra
Martín Tessitore: coros
2º Trabajo de esta banda de culto de los '90, grabado entre junio y julio de 1993. "Tuyo" fué el corte difusión...
La banda fue formada a comienzos de los años 90 por Richard Coleman; que con una formación de dos guitarras, bajo y batería propuso un sonido solido, potente, y con una adecuada mezcla de rock, oscuridad y poesia.-
Desde el principio, el grupo apareció en la escena musical como una de las propuestas más arriesgadas y vanguardistas, la amplia aceptación por parte del público, medios de prensa y de sus pares músicos, coronaron a Los Siete Delfines como Banda Revelación del año 1990, según los resultados de las Encuestas Anuales del Suplemento Joven 'Sí' del Diario Clarín y de la Revista especializada en música 'Pelo'.
A lo largo de estos años, Los 7 Delfines, han participado en conciertos de gran envergadura como teloneros de bandas de la talla de: Guns’n Roses, Inxs, Siouxie and the Banshees, Soda Stereo.
Asimisto realizó shows en multitudinarios festivales como "Rock al Parque" en Bogota, Colombia, “Argentina VIVO” y “Quilmes Rock 2003”, junto con las mas importantes bandas de America como Café Tacuba, Divididos, Maldita Vecindad, Babasónicos y otros.
Fuente: http://www.los7delfines.com/
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BI KYO RAN
(1984) - Parallax
Japón
Género: Rock Progresivo
02.: Prediction
03.: Suite "Ran"
.......a.Prologue: The Sky Distorting Too Much
.......b.A Klaxon of Dr. Strangelove
.......d.Great Parallax
Masahide Shiratori: bajo
Hazime Mizoguchi: cello
Toshihiro Nakanishi: violín
Hitoshi Okano: trompeta
Desde sus primeros discos, por el grupo han desfilado muchos músicos y muchos instrumentos diferentes, el único miembro que ha permanecido en toda la trayectoria de BKR es Kunio Suma (guitarra, voz, composición), líder y fundador del grupo.
La música de BKR es compleja, a veces violenta, a veces desquiciante y muy bien interpretada. A pesar de ello, hay momentos sumamente interesantes y progresivos.
Éste es el segundo trabajo discográfico de BKR, donde reafirman su interés por mantener el espíritu de King Crimson de los '70.
Ver también: Mongol y Stomu Yamashta's East Wind
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martes, abril 15, 2008
PETER HAMMILL
(1984) - The Love Songs
U.K.
Género: Rock Progresivo, Rock Sinfónico
01.: Just Good Friends* [3:54] (Patience, 1983)
02.: My Favourite [3:00] (pH7, 1979)
03.: Been Alone So Long+ [5:01] (Nadir's Big Chance, 1974)
04.: Ophelia [3:08] (Sitting Targets, 1981)
05.: Again [3:34] (In Camera, 1974)
06.: If I Could [5:00] (The Future Now, 1978)
07.: Vision [3:15] (Fool's Mate, 1971)
08.: Don't Tell Me [4:39] (Enter K, 1982)
09.: The Birds [3:40] (Fool's Mate, 1971)
10.: The Looking Glass+ [6:57] (Over, 1977)
Peter Hammil: guitaras, teclados, bajo, batería y voces
Graham Smith: violin (tema 2)
David Jackson: saxos (temas 3/8/9)
Nic Poter: bajo (temas 5/6/9)
Guy Evans: batería(temas 3/5/6/7/9)
Hugh Banton: órgano (temas 3/9)
Stuart Gordon: violín (temas 1/7)
John Ellis: guitarra (temas 5/6)
Manny Elias: batería (tema 1)
G. Brown, S. Power, H. Copp: voces (tema 9)
David Lord: sitetizador (tema 1)
Compilado de canciones de amor de Peter Hammill, ex líder de Van Der Graaf Generator, banda de culto de rock progresivo y uno de los músicos británicos más influyentes de todos los tiempos.
(de Peter Gabriel a Robert Smith, de Luca Prodan a Andrés Calamaro han expresado su admiración por este artista).
Para los que no lo conocen, este disco es un buen punto de partida, y a pesar del nombre elegido para la compilación y del arte de tapa, les aseguro que nada tiene que ver con el Puma Rodríguez o José Luis Perales.... absolutamente nada.
Todos los temas han aparecido en álbumes anteriores, (está indicado el disco al que pertenece cada track). Hay temas que son versionados nuevamente, como "Just Good Friends" o "Vision" y performences en vivo trabajadas posteriormente en estudio, como "Again" o "If I Could".
Por otra parte, en el caso de "Been Along So Long" se han grabado de nuevo las voces sobre la pista original.
Altamente Recomendado
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>>>descargar<<<HERMETO PASCOAL
(1987) - Brasil Universo
Género: Jazz Rock
Jovino Santos Neto: teclados, flautas
Itiberê Zwarg: bajo
Marcio Bahia: batería, percusión
Pernambuco: percusión
Jane Duboc: voz en track 3
La bossa nova es, que duda cabe, la música por excelencia del Brasil. Hermeto, fusionó bossa nova y otros elementos de la música popular brasilera. Como todo vanguardista, revolucionó el ambiente musical brasileño.
Niño prodigio en la música, comenzó con la flauta. A los siete años tocaba acordeón y a los once animaba fiestas en la región; su familia se estableció en Recife y comenzó a participar en programas radiales a los catorce; pocos años después formó un trío con su hermano José Neto y Sivuca; este último llegaría a ser otra estrella musical.
Después llegó el piano y varios instrumentos de viento y percusión. Hermeto se autodescribe: "Yo soy un músico autodidacta; comencé a aprender desde niño de la misma forma como aprendí a ver el mundo. Yo aprendí con algo que llamo el don, desarrollado a través de la intuición que me ha acompañado hasta hoy. Comencé tocando bahiao, chorinho y tuve también influencias de otras músicas." Entre esas músicas, es evidente la influencia de elementos indígenas, los cuales se presentan repetidamente en sus creaciones. "En las poblaciones cercanas a Lagoa do Canoa había muchos indígenas. Mi padre tenía un almacén, vendía muchas cosas y yo tuve mucho contacto con ellos; me guiaban en la construcción de pequeños instrumentos".
Estas palabras de Hermeto nos dicen mucho de su origen rural, su sorprendente naturalidad para aprender y su fuerte apego a las raíces musicales de la región nordestina de su país.
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lunes, abril 14, 2008
B.B. KING
(1993) - Blues Summit
U.S.A.
Género: Blues
01.: Playin' With My Friends
02.: Since I Met You Baby
03.: I Pity The Fool
04.: You Shook Me
05.: Something You Got
06.: There's Something On Your Mind
07.: Little By Little
08.: Call It Stormy Monday
09.: You're The Boss
10.: We're Gonna Make It
11.: I Gotta Move Out Of This Neighborhood
12.: Everybody's Had The Blues
The Menphis Sessions, Estudios Ardent, Menphis, Tennessee,
entre el 15 y el 19-02-93 (tracks 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
The Berkeley Sessions, Estudios Fantasy, Berkeley, California
entre el 08 y el 12-03-93 (tracks 1, 4 y 12)
B.B. King: guitarra y voz
Robert Cray: guitarra y voz (track 1, 4 y 5)
Robert Murray: guitarra rítmica (track 1)
Katie Webster: piano y voz (track 2)
Buddy Guy: guitarra y voz (track 3)
John Lee Hooker: guitarra y voz (track 4)
Roy Rogers: guitarra slide (track 4)
Koko Taylor: voz (track 5)
Etta James: voz (track 6)
Lowell Fulson: guitarra y voz (track 7)
Albert Colins: guitarra y voz (track 8)
Ruth Brown: voz (track 9)
Irma Thomas: (track 10)
Joe Louis Walker: guitarra y voz (track 12) coros (track 7)
Jim Pugh: teclados (track 1 y 4)
Richard Cousins: bajo (track 1 y 4)
Kevin Hayes: batería (track 1 y 4)
Kim Wilson: armónica (track 3, 4 y 7)
Lee Allen: solo de saxo (track 5 y 10)
Maxine Waters: coros (track 5 y 10)
Julia Tillman Waters: (track 5 y 10)
Maxayne Lewis: (track 5 y 10)
Randy Waldman: sintetizador (track 6)
Antoine Salleý: percusión (track 6)
Vasti Jackson: guitarra rítmica (track 2)
Nancy Wright: (track 2)
Ben Couley: trompeta (track 3,4 y 11)
Mabon “Teeny” Hodges: guitarra rítmica (track 3 y 11)
Tony Coleman: percusión (track 4 y 12)
Leon Warren: guitarra rítmica (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
James Toney: teclados (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Tony Coleman: percusión (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
James Bolden: trompeta (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Melvin Jackson: saxo (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Walter King: saxo (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Michael Doster: bajo (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Calep Emphrey Jr.: batería (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Mike Eppley: teclados
Jeff Lewis: saxo (track 12)
Tim Devine: saxo (track 12)
Henry Olden: bajo (track 12)
Paul Revelle: batería (track 12)
Riley B. King, mejor conocido como B. B. King (Blues Boy King - Nombre tomado de un programa radial de Sonny Boy Williamson II) nació el 16 de septiembre de 1925 en Ittabena, Mississippi.
Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950.
Es considerado como uno de los mayores virtuosos del blues que ha tenido la historia de la música y de acuerdo a una lista de la revista Rolling Stone de 2003, King es el guitarrista más grande en vida, y posicionado 3º entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (bajo Jimi Hendrix y Duane Allman).
Por todos es sabido que al llamado Rey del Blues le gusta de vez en cuando rodearse de un nutrido grupo de artistas de fama mundial para grabar un álbum de duetos. En el caso de su disco de 1993, Blues Summit, no encontraremos a los habituales Eric Clapton, Bono o Van Morrison entre sus acompañantes. En aquella ocasión B.B. King se rodeó de lo más ilustre y granado del Blues para hacer un merecido homenaje al género que le dió la corona. Una apuesta del "Rey", que ganamos todos sus "súbditos".
Después de que su famoso directo Live At The Apollo de 1990, pusiera de nuevo a B.B. KING en el pedestal internacional que merecía, pocos imaginaban que en sólo tres años editaría un álbum tan increíble, tan poderoso y tan injustamente tratado por la crítica.
Blues Summit fue grabado en dos sesiones: Una en Memphis (Tennesse) y otra en Berkeley (California), durante el invierno de 1993 y, aparte de contar con la maestría indiscutible a la voz y a las cuerdas de su creador y con sus acompañantes, contaba con la presencia de la mejor y más sublime reunión de artistas de Blues en activo de entonces. A saber: Robert Cray, Katie Webster, Buddy Guy, John Lee Hooker, Koko Taylor, Etta James, Lowell Fulson, Albert Collins, Ruth Brown, Irma Thomas y Joe Louis Walker.
Si a dicho elenco le añadimos músicos de sesión de la talla de The Memphis Horns (en la sección de "metales") o Kim Wilson (un verdadero maestro de la armónica), el resultado es sencillamente insuperable.
En la elección de sus 12 temas no se cayó en la habitual revisión de clásicos. Hubo uno o dos de ellos, pero en general fueron canciones de las que poco se había "abusado" en el mundo del Blues hasta entonces.
Tal vez son destacables quizá las citadas excepciones: 'Call It Stormy Monday', junto a Albert Collins, y el dueto irrepetible entre dos de los más grandes Bluesman de la historia: B.B. King y John Lee Hooker cantando juntos 'You Shook Me'.
No obstante, y aunque es dificil destacar un tema por encima de otro, hay algunas joyas únicas, como 'Little By Little', junto a Lowell Fulson, o el tema q cierra el disco: 'Everybody´s Had The Blues', junto al que denominaron sucesor de King, Joe Louis Walker.
Por supuesto, también ellas juegan un papel decisivo en Blues Summit. Son impresionantes los duetos entre el Rey y Koko Taylor en 'Something You Got' (uno de los mejores del disco), o junto a Ruth Brown en 'You´re The Boss'. Y no me resisto a nombrar 'We´re Gonna Make It', cantado con Irma Thomas.
En definitiva, estamos sin lugar a dudas ante El Mejor disco de duetos de B.B. KING y posiblemente ante uno de los mejores de su extensa carrera. Un álbum único que se deja escuchar con gran facilidad una y otra vez, que rezuma el placer de sus músicos al grabarlo, y que supone una de las más completas reuniones de intérpretes de Blues en un solo disco.
Luis Beamud
Fuente: www.elalmacendelrock.com/
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RUBEN RADA
(1994) - CONCIERTO POR LA VIDA
Uruguay
Género: Candombe , Jazz Fusión
02.: Candombe para Figari-Mandanga Dance-Candombe para Juana
03.: Melanco
04.: La Rutina Mata-duo con Laura Canoura
05.: El dia que me quieras
06.: Candombe para Gardel
Rubén Rada
Chiquito Cabral
Jorge Schellemberg
Omar Saenz
Aandra Arcieri
Santiago Ameijenda
Ricardo Nolé
Este concierto solidario, fué grabado en vivo el 9 de octubre de 1993 en el Palacio Peñarol, Montevideo, Uruguay en el marco de una campaña sanitaria de lucha contra el SIDA (de hecho, todo lo recaudado en concepto de regalías por la venta del disco, fué donado a esos efectos)
De más esta señalar que la música del Negro Rada es uno de los pilares de la música popular uruguaya, y si algo lo distingue, es su enorme libertad a la hora de crear, experimentar y fusionar nuevos sonidos... Candombe, Jazz, World Music, Rock, Pop, Cha cha chá, Mambo, Tango...
Su capacidad creativa es inagotable.
Disfruten de este concierto.
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DAVID LEBON
(1973) - David Lebón
Argentina
Género: Rock Progresivo
01.: Hombre de mala sangre
02.: Envases de todo
03.: Dos edificios dorados
04.: Tema para Luis
05.: Nube cien
06.: 32 macetas
07.: Casas de arañas
08.: Copado por el diablo
09.: Te cubrirás de soledad
David Lebón: guitarra y voz
Pappo: guitarra
Alejandro Medina: bajo
Isa Portugheis: batería
Charly García: teclados
Walter Malosetti: guitarra
Discazo!
Primer trabajo solista del "Ruso" luego de su partida de Pescado Rabioso, con una serie de invitados de lujo, convocados por Billiy Bond, quien produce el disco junto a Jorge Alvarez.
Si bien es un disco desparejo, alcanza con un puñado de canciones que perdurarán por siempre en la memoria colectiva y que a esta altura, ya son un clásico del Rock Nacional.
"Dos edificios dorados" (riff demoledor alternando con solos memorables, que encandilo, encadila y encadilará por siempre a Charly García), "Hombre de mala sangre" (con unas cuantas versiones diferentes, desde Flopa Manza y Minimal, Las Blacanblús, hasta los mismísimos Lebón y García para "Música del alma", antes de darle forma a Serú Girán), "32 macetas "(Rock & Roll emblema de la trayectoria de David), "Casas de arañas " (uan de las mejores baladas lebonianas, bellísima melodía, soberbia voz), "Hombre de mala sangre" (maravilloso tema acústico)
Disfruten de este clásico de clásicos... y si quieren + Lebon, están invitados a pasar por este blog que descubri buscando info de David, concebido por una fana a ultranza del Ruso:
http://rusolebon.blogspot.com/
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domingo, abril 13, 2008
ERIC CLAPTON
(1989) - Beetle Clasher
U.K.
Género: Blues, Rock & Roll
CD1:
01.: Opening
02.: Crossroads
03.: White Room
04.: I Shot the Sheriff
05.: Bell Bottom Blues
06.: Lay Down Sally
07.: Wonderful Tonight
08.: wanna Make Love to You
09.: After Midnight
10.: Can't Find My Way Home
11.: Forever Man
CD2
01.: Same Old Blues
02.: Tearing Us Apart
03.: Cocaine
04.: Layla
CD3
01.: Solid Rock
02.: Behind the Mask
03.: Sunshine of Your Love
04.: Closing
Eric Clapton: guitarra y voz
Mark Knopfler: guitarra
Nathan East: bajo
Steve Ferrone: batería
Alan Clark: teclados
Ray Cooper: percusión
Greg Phillinganes teclados
Tessa Niles: Coros
Katie Kassoon: Coros
Todos tenemos un pirata favorito señores, pero este es superlativo...
Grabado en el Royal Albert Hall de Londres, el 3 de febrero de 1989, que a esta altura ya es como su casa, con el soberano aporte de Marc Knopfler y creo yo, la mejor formación que tuvo Clapton en su etapa solista...
Tal vez el arte de tapa no entusiasme demasiado, pero este concierto completo, es extraordinario. Con el sonido más increíble que puedan imaginar, tal vez de mayor calidad que cualquier concierto "oficial", y que cualquier otro pirata de este mismo concierto (hay varios dando vuelta, como "The Silver Rarities Twelfth Night" por ejemplo).
Color Humano le debía un espacio a Clapton y con este posteo, hemos saldado una deuda...
Altamente Recomendado
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JOHN PAUL JONES
(1999) - Zooma
UK
Género: Hard Rock, World Music
01.: Zooma
02.: Grind
03.: The Smile Of Your Shadow
04.: Goose
05.: Bass n' Drums
06.: B. Fingers
07.: Snake Eyes
08.: Nosumi Blues
09.: Tidal
John Paul Jones: Bajo de 4, 10 y 12 Cuerdas, Mandolina eléctrica, kyma, Bajo lap steel, guitarras y órgano
Paul Leary: guitarra
Trey Gunn: , guitarra
Pete Thomas: batería
Denny Fongheiser: Batería, djembe
London Symphony Orchestra dirigida por John Paul Jones
Después de la separación del grupo en el año 1980, tras la muerte de John Bonham, Jones desapareció de la escena musical, hasta 1999 con el lanzamiento de este disco.
Antes sólo había grabado Scream for Help, banda de sonido de la película de Michel Winner del año 1985.
A pesar de las declaraciones irónicas de Jimmy Page, en la ocasión del lanzamiento de No Quater en 1994, poniendo en duda las cualidades musicales su ex compañero de ruta, John Paul Jones era el miembro de mayor formación musical dentro del grupo, les recuerdo que además del bajo, toca teclados, guitarra eléctrica, mandolina, koto, armónica y ukulele entre otras cosas...
Zooma es un discazo!!, que si bien remite a sonidos Zeppelianos, ofrece elementos de heavy rock, jazz, world music y blues, de modo creativo y lejos de lo previsible.
Que lo disfruten…
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sábado, abril 12, 2008
SUI GENERIS
(1974) - Pequeñas Anécdotas Sobre las Instituciones
Argentina
Género: Rock Progesivo
01.: Instituciones
02.: Tango en segunda
03.: El show de los muertos
04.: Las increíbles aventuras del Sr. Tijeras
05.: Pequeñas delicias de la vida conyugal
06.: El tuerto y los ciegos
07.: Música de fondo para cualquier fiesta animada
08.: Tema de Natalio
10.: Para quién canto yo entonces
11.: Juan Represión (Bonus)
12.: Botas locas (Bonus)
Charly Garcia: Piano, moog, ensamble de cuerdas, guitarra acústica, guitarra eléctrica y voz
Nito Mestre: Guitarra acústica, flauta traversa y voz
Rinaldo Rafanelli: Bajo, guitarra acústica, guitarra eléctrica y coros
Juan Rodríguez: batería y percusión
3º y último disco de Sui Géneris de estudio en la primera etapa y mi favorito, con un giro muy marcado del Folk Rock al Rock Progresivo, donde Rinaldo Rafanelli y Juan Rodríguez, hacen notables sus aportes creativos, conviertiendo al grupo en un cuarteto eléctrico.
García, en busca de innovaciones (ya que comenzaba a aburrirse del estilo del grupo) viajó a U. S.A. y compró una serie de teclados novedosos y de vanguardia para esa época en nuestro país(entre ellos un Piano Fender Rhodes, un Yamaha Strings y un Moog).
Esos instrumentos son los que definitivamente imponen otros matices al sonido del grupo y acercan a Charly García al sonido progresivo que profundizó despues con la Máquina de Hacer Pájaros.
El disco tuvo una referencia completa a la situación de represión y censura del momento, tanto que el título original, 'Instituciones', tuvo que ser cambiado; varias canciones fueron modificadas, y dos de ellas ('Botas Locas' y 'Juan Represión') debieron ser sacadas y cambiadas por otras.
Paradójicamente, el cambio estilístico no fue bien recibido por el público ni por la prensa, al cual no le gustó mucho el sonido eléctrico del disco. Como todo en Argentina donde "el post mortem" le añade un plus de consideración, el trabajo escaló a la categoría de disco de culto muchos años despues.
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GONG
(1975) - Shamal
UK - Multi-Nacional
Genero: Rock Progresivo, Canterbury Sound+Gong+-+Shamal+-+Front.jpg)
01.: Wingful of eyes
02.: Chandra
03.: Bombooji
04.: Cat in Clark’s shoes
05.: Mandrake
06.: Shamal
Mike Howlett: bajo y oz
Didier 'Bloom' Malherbe: saxo tenor & saxo soprano, Flauta, flauta de Bamboo, Gongs
Mireille Bauer: Marimba, Glockenspiel, Xylófono, Percusión & Gongs
Pierre Moerlen: batería, Vibráfono, campanas tubulares
Patrice Lemoine: Piano, Organo, Mini-Moog y Syntetizador
Steve Hillage: Guitars (Bambooji & Wingful of Eyes)
Miquette Giraudy: Vocals (Bambooji)
Sandy Colley: Voces (Shamal)
Jorge Pinchevesky: Violín y voces (Cat in Clark's Shoes, Bambooji,Shamal, Chandra)
En este disco, sin la guía espiritual de Daevid Allen, su musa Gilli Smyth ni Tim Blake... pero con Pierre Moerlen mostrando toda su genialidad creativa...
Ahh! no puedo dejar pasar por alto la frescura y la versatilidad que aportan Jorge Pinchevsky y su violín mágico...sino, escuchen Cat in Clark’s shoes (a las pruebas me remito)...
Enjoy It!
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(1972) - Color Humano
Argentina
Genero: Rock Progresivo
01.: Padre Sol, Madre Sal
02.: Sílbame, Oh Cabeza!!!
03.: Larga vida al sol
04.: El hachazo
05.: Humberto
06.: Introducción polenta
Edelmiro Molinari: guitarra y voz
Rinaldo Rafanelli: bajo y coros
David Lebón: batería y coros
Músicos invitados
Gabriela: Voz y Coros en "Padre Sol, Madre Sal"
Rodolfo García: Batería y Coros en "Sílbame Oh Cabeza!"
Grabado en Estudios Phonalex
Técnicos: Hector Ithurburu y Norberto Orliac
Producido por Edelmiro Molinari
Este sitio le debe el nombre a esta "GRAN" banda argentina, y despues del coitus interruptus al que nos sometió "Rapidgarchis", estoy reponiendo cada una de las gemas que hemos compartido todo este tiempo y que ya no estaban disponibles.
Un poco de historia: luego de la disolución de Almendra, Edelmiro Molinari formó algunas agrupaciones musicales entre los que se cuenta Tórax, Trío Pistola y Viento. En 1971 se llega a la 1º formación de Color Humano, nombre de una composición de Edelmiro en los tiempos de Almendra.
Con el paso de los años tuvieron mayor trascendencia y reconocimiento tal vez que Pescado Rabioso o Aquelarre, contemporáneos experimentos sonoros de comienzos de los '70.
Edelmiro Molinari luego de la disolución de Almendra recluta a Rinaldo Rafanelli en bajo y a David Lebón en batería, debutando oficialmente el 18 de abril de 1972 en un recital ofrecido en el Teatro Atlantic de Buenos Aires.
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viernes, abril 11, 2008
MAGMA
(1974) - Köhntarkösz
Francia
Género: Rock Progresivo, Jazz Rock, Zehul Rock
01.: Köhntarkösz Part One
02.: Köhntarkösz Part Two
03.: Ork Alarm
04.: Coltrane Sundia
Christian Vander: batería, piano, percusión y voz
Jannick Top: bajo, cello, piano y voz
Klaus Blasquiz: percusión y voz
Gerard Bikialo: piano, órgano Yamaha
Michel Graillier: piano, clavinet
Stella Vander: voz
Brian Godding: guitarra
Tercer disco de Magma que presentamos y el más extremo. Para algun desprevenido, tal vez no sea el disco por donde empezar, el los 2 primeros tracks, construyen un emocionante clímax solo son un puñado de acordes.
Pero la verdadera joya de este álbum es para mí "Sundia Coltrane". Un hermoso tema instrumental con piano, y una guitarra que fluye distante y lenta.
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JAVIER MALOSETTI
(2003) - Vivo
Argentina
Género: Jazz
01.: Medley: Be one raw garlic too, fried Obi
02.: I´m down
03.: Bass Solo
04.: Ibera
05.:Walk, Tall
06.: In the silent way
07.: Sapghetti Boogie
08.: Whip the mule
09.: Don´t bug me/all right ok
10.: Greeting
11.: Sheek, Sheek
Javier Malosetti: bajo, guitarra, batería y voz
Pepi Taviera: batería
Andres Beeuwsaert: piano, organo, sintetizador
Americo Bellotto: trompeta
Gustavo Camara: saxo tenor
invitado
Red Cota: percusión
Nació el 26 de noviembre de 1965 en Bs. As. y acaso sus familiares ¿sabrían que sería músico? Su padre es uno de los guitarristas jazzeros más importantes de la Argentina (probablemente el segundo, luego de Óscar Áleman), su abuelo era acordeonista, sus tíos y primos guitarristas, y otro tío de él luthier. Entonces…
Sin embargo Javier mismo expresó que pese a esta herencia, él mismo pudo y quiso elegir la música. Es profesor de guitarra, de hecho daba cursos y clínicas en todo el país hasta el 2004. Pero en realidad toca todos los instrumentos.
Tocó con una gran cantidad de músicos destacados tanto a nivel local como internacional, seguramente que entre los primeros está Luis Alberto Spinetta, con quien compartió 3 discos.
Luego lanzó su carrera solista realizando en 1993 su primer disco, homónimo de su nombre, Javier Malosetti. Según él, esa era una época en la que fumaban mucho porro y tenían ganas de sacar un disco, probablemente por ello su segundo álbum salió bastante tiempo después, en el 2000, encontrando allí a un músico más avezado, y claro, que ya había dejado el porro consecuencia del nacimiento de su hijo Julián, allá por 1995 (palabras de Javier).
Luego sacó 5 discos más, el último el año pasado, Varsovia junto a Ruben Rada.
Desde pequeño tomó clases de batería, percusión, guitarra, piano y canto. Su historia con el bajo también comienza desde chico, cuando tocando la batería pensó en el sonido del bajo acompañándola, y de allí, ya que en su casa tenía un “bajo violín Morgan onda Mc Cartney pero berreta” (SIC Malosetti), empezó a inclinarse por este instrumento. Actualmente está tocando con un bajo marca Warwick, modelo “Thumb Bass de cinco cuerdas”.
Pero ojo que poray no conseguís uno igual, porque el de él está customizado, de hecho Javier explica lo que tiene: “yo le pedí –refiriéndose a Warwick, empresa que le provee los bajos- medidas del mango, separación de las cuerdas, el largo de la escala, el grosor del mango donde va el pulgar, etc.” O sea, este modelo sí se encuentra en el mercado, pero customizado así, por supuesto que no.
Por último, hay algo que Javier Malosetti no copió de su maestro e ídolo de la infancia, el “flaco” Spinetta, y es el amor por la camiseta: Malosetti es de Boca.
Este es su unico trabajo en vivo por ahora
Fuente: http://mondobajo.blogspot.com
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martes, abril 08, 2008
PACIENCIA...
Lamentablemente ante alguna denuncia, Rapidshare borró todos los discos alojados por Color Humano.
No voy a bajar la guardia, solo necesito tiempo para volver a subir todos los discos borrrados y tener la precaución de proteger los links.
Como decía Mezo Bigarrena: "LAS COSAS SON DEL QUE LAS USA"
jueves, abril 03, 2008
Arranca el 10º Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires, que año tras año ha ganado prestigio y adeptos
Las entradas vuelan, por lo que apurándose.
El valor de las entradas? generales 6 pesos. Estudiantes y jubilados con credencial, 4 pesos.
La Programación? por demás interesante que este año suma actividades especiales como proyeccciones al aire libre... aqui se las dejo para estudiarla
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Sitio oficial: http://www.bafici.gov.ar/
lunes, marzo 31, 2008
FRANK ZAPPA
(2001) - The Sheik's Rehearsals
U.S.A.
Género: Jazz Rock, Rock Progresivo
CD1
01.: Dancin' Fool
02.: Honey, Don't You Want a Man Like Me?
03.: Keep It Greasy
04.: Village of the Sun
05.: The Meek Shall Inherit Nothing
06.: City of Tiny Lites
07.: Baby Snakes
08.: Sofa
09.: Packard Goose
10.: A Pound for a Brown on the Bus
11.: Watermelon in Easter Hay
12.: Dinah-Moe Humm
13.: Black Napkins
14.: I Have Been in You
CD2
01.: Magic Fingers
02.: Ddon't Eeat The Yellow Snow
03.: Bamboozled by Love
04.: Ssy Borg
05.: Little House i Used to Life
06.: Tell Me You Love Me
07.: Opening
08 .: City of Tiny Lights
09.: Fuck Yourself
10.: Drafted
Frank Zappa: guitarra lider y voz
Adrian Belew: guitarra rítmica y voz
Tommy Mars: teclados y voz
Peter Wolf: teclados
Patrick O’Hearn: bajo y voz
Terry Bozzio: batería y voz
Desconfiaba del género humano. Sostenía que todos somos estúpidos hasta que demostremos lo contrario. Declaraba no tener amigos, a punto tal que sólo reconocía como tales a su mujer e hijos. Era célebre por sus comentarios satíricos y se deleitaba siendo mordaz.
Los que lo conocieron personalmente lo definen como a un hombre cordial, aunque sumamente hermético. De humor cambiante y siempre imprevisible; con una inteligencia superior.
A pesar de lo que pueda suponerse, era un acérrimo enemigo de las drogas. Llegó a despedir a músicos de su banda por consumirlas en "horas de trabajo", y escribió varias letras exponiendo claramente su punto de vista.
En 1971, en medio de una época de mucha actividad (discos, giras, películas), un miembro del público subió al escenario durante un show en Londres y lo arrojó al pozo de la orquesta. Este incidente lo obligó a cancelar todos los proyectos y a estar casi un año en silla de ruedas.
Este accidente le bajó el tono de voz (comparando grabaciones anteriores y posteriores al accidente se nota, incluso cuando habla, que su voz era más aguda).
Era muy considerado con sus seguidores. Sabía que su público era quien le financiaba sus proyectos: siempre fue particularmente amable con sus fans. siempre definió a la música como una "forma de entretenimiento".
Nunca desechó ningún estilo ni despreció a otros intérpretes. Su criterio siempre fue: ''si existe esa música es porque a alguien le gusta escucharla''. (Esto no quiere decir que no se haya mofado de las actitudes o poses impuestas por las modas y las compañías discográficas).
Zappa exigía a sus músicos dedicación plena. Escribía partes complicadísimas basándose en la capacidad o habilidad de cada uno. Los hacía ensayar antes, durante y después de cada gira, seis horas por día como mínimo. Por otra parte, produjo prácticamente todos sus discos. El juicio que le ganó a la Warner Brothers le permitió tener absoluto dominio de sus obras.
Su registro vocal era limitado. En general contrataba músicos que también pudieran cantar. Por eso, en sus discos es frecuente escuchar canciones cantadas por otros (además de complejas armonías vocales), tambien se caracterizó por el uso intensivo de instrumentos no convencionales para un grupo de rock, como la marimba o el violín.
En los primeros años, Zappa era el único guitarrista de sus bandas. Pero a mediados de los 70s fue incorporando músicos (como Denny Walley, Ray White, Adrian Belew, Ike Willis, Warren Cucurullo, Steve Vai y Mike Keneally) que se encargaban de la rítmica o las melodías escritas. Frank se colgaba la guitarra solamente para improvisar los solos.
Sus shows eran de aproximadamente dos horas, todos los temas "enganchados" y repertorio distinto TODAS las noches. Cada show comenzaba con un tema instrumental-solo de guitarra, tras lo cual presentaba a los miembros del grupo (ceremonia que se repetía al final del show y del bis).
Lejos de deprimirse, luchó contra el cáncer con toda su energía dilatando el tiempo lo más posible y apretando su agenda de trabajo todo lo que la enfermedad le permitía, preparando material para su publicación e incluso previendo futuras publicaciones póstumas.
Fuente: http://planetazappa.blogspot.com/
Disfruten de estos ensayos previos a los conciertos en el Culver City, el 16 de agosto de 1978 y en Neunkirchen am Brand el 25 de febrero de 1978. Contrariamente a lo que uno pueda pensar, no son sesiones de grabación, ni ensayos de Sheik Yerbouti. Los ensayos son de algunos conciertos del "Sheik Yerbouti Tour".
>>>descargarCD1<<<
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viernes, marzo 28, 2008
WILLY CROOK
(2004) - Fuego Amigo
Argentina
Género: Funk, Soul
01.: Friendly fine
02.: No te culpes
03.: Savorat
04.: No buddy!!
05.: Ingratamente
06.: Welcome
07.: Q'arda Troya
08.: Fácil es
09.: Donde desues?
Todos sabemos que Willy Crook no le canta al oyente que sólo entiende castellano y que un compact suyo es equiparable a un buen vino. "Fuego amigo" llega en un período no tan propicio para el artista, ya que se le hizo costumbre hacer la gran SNM (llegar tarde para dar conciertos de flojos para abajo).
Eso solamente lo pueden hacer los elegidos y cómo de algún modo “Willy es lo más grande del funk nacional”, tiene cierta licencia. Pero en este momento, el buen gusto de Crook únicamente parece intacto a la hora de elegir sus camisas.
Es muy conveniente la decisión de cantar en español en cinco de las ocho canciones del álbum. La vocalización de “Friendly Fire” conlleva una demostración de estilo. “No te culpes” es la excepcional confesión de un divorciado no-muy-mortificado desparramada sobre un piano.
Cuando canta durante “Savora T.” alcanza un tono de voz similar al de Eros Ramazotti. El disco llega al bolero en “Ingratamente”, al soul en “Welcome” (delineada por la encendida voz de Deborah Dixon), pasa por el funk jazzero en “Q`arda Troya” (donde lo presenta la Mona Jiménez) y se despide con una bella canción, “Donde Después”, soportada sobre un riff de slide guitar.
Es un disco que invita a ser escuchado, cortito y cumplidor. Pero si fuera un buen vino, convendría descorcharlo cuanto antes, degustarlo moderadamente y después exigir otro antes que el buen gusto se transforme en un recuerdo lejano.
Fuente: http://rock.com.ar
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miércoles, marzo 26, 2008
HUGO FATTORUSO
(1990) - Oriental
Uruguay
Género: Candombe, Jazz
01.: O Sambinha
02.: La Del Cheche
03.: A Tabaré Aguirre
04.: La Papa
05.: Estrela Distante
06.: Tuyo (Tú-yo)
07.: Kepel
08.: Azul Y Blanco
09.: Féria De Tristân Narvaja
10.: Llegan Las Lluvias
11.: Lonjas Del Cuareim
Hugo Fattoruso : teclados, piano, guitarras, percusión, voz
Sizão Machado : bajo
José San Martin : batería
Mauro Senise : Flauta, saxo soprano
Zeca Assumpção : Cello
Ruben Rada : Tambor Piano y Voz
Ulisses Rocha : guitarra, Tambores
Dário Bracco : Tambor Piano
Fernando Banega : Tambor Chico
Jorge Luiz Gomes : Tambor Repique
Juan Angel : Tambor Piano
Juan Silva : Tambor Chico
Lobo Nuñes : Tambor Piano
Manuel Silva : Tambor Chico
Washington Ciruja : Tambor Repique
Wilson Martirena : Tambor Repique
Hugo Fattoruso, su hermano Osvaldo y el Negro Rada son los referentes indiscutidos de la música de fusión rioplatense y su columna vertebral: el candombe.
Hugo comenzó a actuar profesionalmente a los 4 años, tocando como baterista en el Trío Fattoruso, junto a su padre Antonio y su hermano Osvaldo. En 1959 integró con su hermano la banda de swing The Hot Blowers.
En la década del `60 formó Los Shakers, tal vez una de las primeras bandas Beat en América Latina, que influyó y mucho en todo lo que sucedió en Argentina años despues, de Los Gatos a esta parte.
En 1969 se radicó en los Estados Unidos, formando el grupo Opa, junto a Osvaldo y Ringo Thielmann. El grupo fue uno de los primeros en fusionar el rock, el jazz y ritmos latinoamericanos.
Años mas tarde se radicó en Brasil, trabajando con artistas de la talla de Milton Nascimento, Djavan, Geraldo Azevedo, Chico Buarque, Toninho Horta, Naná Vasconcelos y Hermeto Pascoal.
Desde el 2000, los hermanos Hugo y Osvaldo recrearon su inicial Trío Fattoruso, ahora con Francisco Fattoruso, su hijo, como bajista.
Este disco muy poco difundido de la decada del '90, noquea. Presten atención a la ficha técnica y al seleccionado que lo acompaña.
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martes, marzo 25, 2008
JOHNNY WINTER & WILLIE DIXON
(1971) - Crying The Blues
U.S.A.
Género: Blues
O1.: Sittin' and Cryin' the Blues
02.: Spoonful
03.: I Just Wanna Make Love to You
04.: Chicago Here I Come
05.: Tore Down
06.: You Know It Ain't Right
07.: Mean Mistreater
08.: Baby What You Want Me to Do
09.: Roach Stew
10.: Killing Floor
Johnny Winter: guitarra
Willie Dixon: bajo y voz
Lee Jackson: guitarra
Lafayette Leake: piano
Shakey Horton: armónica
Clifton James: batería
Reunión cumbre de 2 leyendas.
Concierto del 9 de mayo de 1971 en el Liberty Hall de Chicago.
Lamentablemente, el sonido no es el mejor, pero es bastante aceptable y captura una noche caliente de estos 2 referentes ineludibles del rhythm & blues. Creo que vale la pena el posteo y si bien hay muchos piratas dando vueltas de este concierto, este es por lejos el mejor.
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