2 Km x SIDA

El 1º de diciembre es el Día Mundial de la lucha contra el Sida. Como todos los años, ese día, la Asociación Civil Alfonso Farías organiza en la Ciudad de Buenos Aires, el Caminatón “2 Km X sida”. En la edición 2007 (la Nº 13), Babasónicos, Tristemente célebres y Lala Mandarina se subirán al escenario móvil para acompañar con su música a los participantes.

Año tras año, han participado bandas como Bersuit Vergarabat, Callejeros, Dancig Mood, Kapanga, Los Cafres, Arbol.... brindando su apoyo a las Instituciones que en silencio y en ausencia del Estado, trabajan por una sociedad que incluya, asista y contenga a todos los que de un modo u otro, han sido afectados por esta problemática...

Brindo por esta inicitiativa que se torna masiva año tras año y ayuda a tomar conciencia

La 13º Edición del Caminatón se hace a beneficio de Casa Vela, un hogar de para chicos huérfanos de Familias VIH Positivo.

La largada será desde el barrio de Parque Patricios, en Caseros y La Rioja, a las 16 hs....

Nos veremos ahí...

AQUELARRE
(1973) - Candiles
Argentina
Género: Rock Progresivo

01.: Cruzando La Calle
02.: Soplo Nuestro

03.: Hermana Vereda

04.: Cuentos Tristes
05.: Miren a ese Imbécil
06.: Patos Trastornados
07.: Iluminen la Tierra

Emilio del Guercio: bajo y voz
Hector Starc: guitarra y voz
Hugo Gonzalez Neira: teclados y voz

Rodolfo Garcia: bateria y voz

Este disco, de 1973, es el famoso segundo disco de la banda que nunca llegó a ser editado en CD. Según las críticas de la época, Aquelarre se fue consolidando como una de las opciones más originales y creativas del rock argentino.

Su estilo elaborado, sus letras surrealistas, su acercamiento al free-jazz, no encajaban con los comunes denominadores de la época pero fascinaron por igual al público y a la crítica.

Con (los exAlmendra) Emilio Del Guercio , en bajo y voz y Rodolfo García , en batería y voz; Hugo Gonzalez Neira en teclados y voz y Héctor Starc , en guitarra y voz, Aquelarre dejó su marca para siempre en la historia del género como una de las bandas más destacadas de la década de los 70, no sólo por su popularidad y originalidad, sino por abrir nuevos mercados europeos para la música nacional y por haber sido el primer grupo en llevar el rock argentino a España.

Almendra dejó una herencia tan interesante como su propia obra: la furia de Pescado Rabioso, la sinceridad de Color Humano y la profundidad estética de la música de Aquelarre. Este mítico grupo, responsable en buena parte de lo mejor que tuvo el rock argentino en los años setenta, no pretende ahora, a 35 años de su creación, hacer simplemente un ejercicio de nostalgia.

La vigencia inequívoca de su obra y el sonido decididamente actual, transforman a Aquelarre en algo más que un grupo de culto: lo convierten en un clásico de la música popular argentina. Y los clásicos no envejecen, son para siempre.

Fuente: http://www.leedor.com/

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PETER HAMMILL
(1986) - And Close As This
U.K.
Género: Rock Progersivo

o1.: Too Many of My Yesterdays (4:48)
02.: Faith (4:28)
03.: Empire of Delight (4:44)
04.: Silver (5:29)
05.: Beside the One You Love (5:14)
06.: Other Old Chiches (4:07)
07.: Confidence (6:37)
08.: Sleep Now (4:44)

Peter Hammill: Piano, Programaciones y voz

Debo confesar que con este disco me ocurrió algo muy particular, durante meses, despues de haberlo comprado, no puede parar de escuchar solo el primer track: Too Many of My Yesterdays....

Es por lejos, el tema mas interesantes del disco. Es un tema melancólico extremadamente bello y conmovedor, interpretado con tanto sentimiento!

Absolutamente crudo y desgarrador poema de amor, con el gran Pedro solo con su piano y con su alma...

Una vez que lo escuchen, seguramente me darán la razón...

El resto del disco?... poco importa pero les puedo decir que es un disco particular, en solitario y tal vez con ciertos altibajos...

En general es un disco con temas notables pero, debo admitir que para algun oyente, puede resultar algo monótono.

Puede ser un buen disco en momentos relajados y en buena compañía.

Una perla: el tema Empire of Delight fué co-escrito con Keith Emerson.

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TOO MANY OF MY YESTERDAYS

Muchos años atrás, pensaba que eras la única
Quién sabe cuándo cambia la gente,
Presa de sus excentricidades
Sus vidas a la deriva, cercados por el pasado
¿Cómo saber quién se convierte en el último adiós?

No trates de decirme que nada muere
No trates de decirme que nada cambió
No trates de decirme que nada es nuevo
Muchos de mis ayeres te pertenecen

Cuentame sobre esto, háblame –
Lo oigo llegar, lo siento llegar,
Del modo que quieras que sea

Sólo estás trocando mis recuerdos
No vayas a decirme que aún me amas
Archivé mi corazón roto, te eliminé de mi mente
Me puse de pie, recogí todos mis pedazos
Pero volver a verte me sacude el alma
Justo cuando pienso que finalmente estoy más allá de ti,
no vengas a mostrarme que no es así.

Oh, cuéntame sobre esto, a tu modo,
Lo veo llegar, lo oigo llegar
Ya sé qué vas a decir
Te has adueñado de tantos de mis ayeres
Y no quiero caer otra vez

Estás trocando mis recuerdos,
cambiándolos por un pasado color de rosa
Sabes que estoy perdido en mares tormentosos,
pero aún me yergo frente al mástil,
bajo las estrellas navego hacia horizontes fantásticos
Tras la danza de siete velos aún te veo

Contame sobre esto, a tu modo
No trates de decirme que nada cambió,
No trates de decirme que nada es nuevo,
Muchos de mis ayeres están perdidos en ti.

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So many years ago I thought you were the one...
who knows when people change,
surrender into strangeness,
adrift upon their lives, encompassed by the past;
who knows which one becomes the last goodbye?

Don't try to tell me nothing dies.
Don't try to tell me nothing's changed,
don't try to tell me nothing's new,
too many of my yesterdays belong to you.

Tell me about it, talk to me -
I hear it coming, I feel it coming,
the way you want this thing to be.

You're only trading on our memories
don't go and say you still love me.
I shelved my broken heart, I put you from my mind,
I got up from my knees, I picked up all my pieces,
but seeing you again puts shakes into my soul.
Just when I think I'm finally over you,
don't come and show me that's not true.

Oh, tell me about it, have your way;
I see it coming, I hear it coming,
I know what you're about to say.
You've had too many of my yesterdays,
and I don't want to fall again.

You're trading on my memories,
you're trading in a rosy past;
you know I'm lost on stormy seas,
but I still stand before the mast,
beneath the stars and under sail towards horizons out of true....
Behind the dance of seven veils I still see you....

Tell me about it, have your way....
Don't try to tell me nothing's changed,
don't try to tell me nothing's new,
too many of my yesterdays are lost in you.

Peter Hammill

UN LUGAR EN EL MUNDO...

Inernet es un universo, tan infinto como el cosmos, que nunca deja de asombrarme...

Les dejo 2 fotogalerías para ver, de Silvia Marmori, fotógrtafa argentina

Una es su fotolog: http://silviamarmori.blogspot.com/

La otra es un espacio dedicado exclusivamente a la patagonia, definitivamente mi lugar en el mundo...: http://www.pbase.com/silvia_marmori/patagonia

OJO AL PIOJO: NUESTROS PROBLEMAS AMBIENTALES NO PASAN SOLO POR BOTNIA...

Nuestro planeta enfrenta la acelerada desaparición de sus bosques con la irreversible pérdida de su valiosa biodiversidad. Al iniciarse el siglo XX el área boscosa mundial se estimaba en 5.000 millones de hectáreas, desde entonces, el área total se ha reducido a 2.900 millones de hectáreas.

La Argentina no se encuentra exenta de este proceso, nuestros dos ecosistemas de mayor biodiversidad: la selva misionera y la selva de Yungas se encuentran en grave peligro. Los números son impactantes. En la zona de la Reserva de Biosfera de las Yungas, se perdieron durante los últimos 15 años 1.000 hectáreas promedio por año por cultivos de soja. En tanto 1,5 millones de hectáreas de todo el noroeste ya fueron transformadas en plantaciones agrícolas (caña de azúcar principalmente), esto representa el 75% de la selva original.

El reemplazo de bosque nativo por grandes monocultivos agrícolas no ha demostrado ser una práctica que ayude a mejorar la calidad de vida de sus habitantes. Por el contrario, es demostrable el aumento en la incidencia de enfermedades tropicales como la leishmaniasis a partir de este tipo de prácticas irracionales de transformación del bosque.

La misma lógica depredatoria y de corto plazo podemos comprobarla en la explotación de los océanos y sus recursos, la invasión de cada rincón del planeta por la industria petrolera, con su secuela de impactos ambientales y tensiones políticas. La minería se expande tras la búsqueda de recursos cada vez más escasos y cuya extracción requiere de más químicos y energía, acelerando el proceso de contaminación. La industria nuclear, con su generación permanente de residuos altamente radiactivos y su conexión con la proliferación nuclear bélica, continúa recibiendo grandes subsidios de los gobiernos que podrían servir para poner en marcha fuentes de energía limpias y no contaminantes.

Construir una sociedad basada en la sustentabilidad ambiental y que disponga de los recursos como para brindar a todos de una vida digna es una tarea que requiere de un esfuerzo y un compromiso colectivo.

El Senado Nacional aprobó ayer en general la ley de Presupuestos Mínimos para la Protección de los Bosques Nativos. Greenpeace reclamó que se garantice la moratoria para detener los desmontes en la votación en particular que tendrá lugar la semana próxima.

La Ley de Bosques fue aprobada ayer en general y el tratamiento en particular pasó para la semana próxima debido a la fuerte presión ejercida por el lobby sojero de las provincias del Norte que intentó hasta última hora desvirtuar la moratoria que detiene los desmontes.

“La decisión de no aprobar por completo la ley demuestra las fuertes diferencias que hay en el bloque oficialista sobre este tema. Sabemos que hay presiones para desvirtuar la moratoria e instalar una ley contraria al proyecto original que establecía la detención de los desmontes hasta que cada provincia realice el ordenamiento territorial de sus bosques nativos, lo que resulta vital para que la norma sea efectiva”, declaró Juan Carlos Villalonga, Director Político de Greenpeace.

Fuente:

STEVE VAI
(1994) - Thunder Kids
U.S.A.
Género: Hard Rock, Rock Progresivo



CD1
01.: An earth dweller's return
02.: Here & now
03.: Greasy kid's stuff
04.: sex & religion
05.: the animal
06.: Touching tongues
07.: Thunder kids
08.: Dirty
09.: State of grace
10.: Survive
11.: Ashed to ashed
12.: Mss a lake
13.: Still my bleeding
14.: Heart

CD2
01.: I would love
02.: In my dreams with you
03.: Call it sleep
04.: Down deep into the pain
05.: Pig
06.: For the love of god
07.: liberty
08.: The attitude
09.: Sisters
10.: Answers

Steve Vai: guitarras
Devin Townsend: guitarra y voz
Sscott Thunes: bajo
Will Riley: teclados
Toss Panos: batería

Fuí a ver a Steve el lunes, y lo cierto es que todavia no puedo salir del estado de shock!... es de no creer lo que hace ese muchacho con una guitarra en la mano...

Para los que se quedaron con mas ganas de Vai y estuvieron ahí, y para los que no fueron va este consuelo...

Este es un concierto del año 1994 (no tengo data de la fecha exacta) en la ciudad de Tokyo, Japón...

Recordemos un poco su currículum: estudió guitarra con Joe Satriani y en la escuela de Berkeley (casi nada!).

Gran fan de Zappa, le envió una cinta con su propia versión de "Black Page", y una transcripción del tema hecha por él mismo. Zappa no tuvo más remedio que llamarlo para su banda, y a partir de entonces comenzó a componer "partes de guitarra imposibles" para que los interpretara Vai.

Su carrera en solitario empezó en 1984 con el álbum Flexable, y a partir de ahí fue reconocido como uno de los grandes (para algunos el más grande) guitarristas de la historia.

Se le puede ver incluso interpretando al guitarrista del mismísimo diablo en la película Crossroad.

Formó el grupo Vai, y en los últimos tiempos de Zappa estaban planeando alguna nueva colaboración con la participación del Ensemble Modern

ver también: Frank Zappa.

>>>descargarCD1<<<
>>>descargarCD2<<<

BUENO, LLEGAMOS A LAS 10.000 VISITAS,
QUE SIENTO, NO ES POCA COSA!...

GRACIAS A TODOS!
Y YA LO SABEN...
LA ENTRADA ES GRATIS,
LA SALIDA...TAMBIÉN!

PREMIATA FORNERIA MARCONI
(1974) - Live in USA
Italia
Género: Rock Progresivo



1.: Four holes in the ground
2.: Dove... quando...
3.: Just look away
4.: Celebration (included The world became the world)
5.: Mr. 9 till 5
6.: Alta Loma 5 till 9

Flavio Premoli: órgano Hammond, piano, mellotron, moog y voz
Franco Mussida: guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz
Mauro Pagani: flauta, violín y voz
Jan Patrick Djivas: bajo
Franz Di Cioccio: batería y voz

Premiata Forneria Marconi es la banda mas representativa del Rock Progresivo italiano, que trascendió las fronteras de su país teniendo gran éxito en USA, donde llego a ser muy popular en los '70.

El debut del grupo fué en 1971 en el Teatro Lírico de Milano, ni más ni menos que como teloneros de YES en su primera gira por Italia. Este importante debut atrajo la atención del público y de la crítica. Reconocen influencias de Genesis y King Crimson.

En el mismo año, el sello "Numero Uno" edita en su primer álbum llamado "Storia Di Un Minuto", el grupo sigue creciendo musicalmente y son invitados a abrir los conciertos de Deep Purple y Procol Harum, logrando realizar su primera gira por 16 ciudades de Italia.

Este disco de 1974, es el registro de los conciertos de su primera gira por Canadá y EEUU, donde comparten escenario con Santana, Beach Boys y otros artistas, llevándolos a tener gran éxito en el mercado americano, también se conoce este disco con el nombre de "Cook".

El grupo, con algunos cambios en su formación original, sigue en carrera hasta hoy y lleva editados más de 20 discos oficiales.

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SOLAMENTE

Ya comprendo la verdad

estalla en mis deseos

y mis desdichas
en mis desencuentros
en mis desequilibrios
en mis delirios

ya comprendo la verdad

ahora a buscar la vida

Alejandra Pizarnik

Sobre el pizarrón de su cuarto de trabajo escribió, la noche en que se fue para siempre: “No quiero ir/ nada más/ que hasta el fondo”. Hasta el momento de su suicidio, Alejandra Pizarnik (1936-1972) había nombrado la muerte y su vacío de una y mil formas, en su propia lengua, y burlando toda las simplificaciones. Se había mirado en ese espejo oscuro como una niña fascinada y perturbada a la vez con su reflejo.

Hasta que se sumergió en él, y ella y su imagen fueron la misma cosa: “La noche soy yo y hemos perdido/ así hablo yo, cobardes./ La noche ha caído y ya se ha pensado en todo”.

A partir de entonces, de su desaparición física producida por una sobredosis de barbitúricos (cincuenta pastillas de Seconal), un hecho del que en septiembre se cumplirán treinta años, poetas y lectores (entre los que se contaron figuras de la talla de Julio Cortázar, que la apodó cariñosamente “mi bichito”, Olga Orozco, que compiló años después de su muerte junto a Ana Becciú los Textos de sombra y últimos poemas, y Octavio Paz, que prologó una edición de su Arbol de Diana) se interesaron por explorar las claves de su poesía, de esa voz singular e irrepetible que le dieron un lugar en la literatura.“Difícil entre todos el oficio de evocar a Alejandra Pizarnik”, pensó Ivonne Bordelois, autora de un libro editado por Seix Barral que reúne su tarea epistolar bajo el título de Correspondencia. “Nunca se sabe si bordeamos el sacrilegio o el ridículo, y, al mismo tiempo, asoma la urgencia de rescatar su figura extraordinaria, menuda, valiente, obstinada y única”.

Habría quedecir, para empezar a comprenderla, que ella era un acto literario en sí mismo, que ella no estaba escindida de su literatura. Ella era su literatura. Y era una mujer fuerte, que seguramente hubiera pensado que el mito que se construyó en su derredor, más que colaborar con la comprensión de su poesía, parece querer domesticarla”.

Kamenszain, que dedica a Pizarnik uno de los textos de su libro Historias de amor y otros ensayos sobre poesía, no la conoció personalmente. Pero asegura que en sus años de estudiante llegó a sentirse intimidada por “su presencia misteriosa y permanente, casi fantasmal” en torno de la Facultad de Filosofía y Letras, allá por los años 60. Kamenszain piensa que, si hay algo que define a la poesía de Pizarnik, es la aparente “ausencia de mediaciones” entre los sentimientos de la autora y su palabra escrita: “Esas verdades que te tira en la cara y en las que reside toda su potencia”.

Pizarnik, eligió decir determinadas cosas y no otras, Construirse de determinada manera en los textos. Reinventar la lengua para poder decirse. Y en eso se le fue la vida. Y en eso no hay casualidad. Alejandra podía pasar horas o días buscando la palabra que pudiera expresar lo que sentía, semanas con una palabra escrita en su pizarrón a la que esperaba encontrarle un sinónimo que se ajustara más a lo que necesitaba. Eso era lo que más llamó la atención a quienes la conocieron: su entrega, su estar ahí en la escritura, sin respiro, sin tregua.

Verónica Abdala

Fuente: http://www.pagina12.com.ar/

LUIS ALBERTO SPINETTA
(2004) - En Vivo en el Teatro Argentino de La Plata
Argentina
Género: Rock & Pop



CD1
01.: Barro tal vez
02.: Prométeme el paraiso
03.: Pequeño ángel
04.: A Starosta, el idiota
05.: Ekathé
06.: Plegaria para un niño dormido
07.: Sin abandono
08.: Tu cuerpo mediodía
09.: Viaje y epílogo
10.: Nueva luna, mundo arjo
11.: Vidamí
12.: Yo miro tu amor

CD2
01.: Despiértate nena
02.: Resumen porteÑo
03.: Durazno sangrando
04.: La herida de Paris
05.: Tonta luz
06.: Nelly no me mientas
07.: Buenos Aires, alma de piedra
08.: Era de Uranio
09.: Me gusta ese tajo
10.: Hombre de lata
11.: Ludmila
12.: Seguir viviendo sin tu amor

Luis Alberto Spinetta: guitarra y voz
Claudio Cardone: teclados
Nerina Nicotra: bajo
José Morelli: batería

Otro concierto del maestro, grabación no oficial en este caso, en el Teatro Argentino de La Plata, Buenos Aires, el 13 de noviembre de 2004, estrenando bajista.

Es la primera vez que toca en este magnífico teatro, ofreciendo para delicia de los fanáticos (como yo), un recorrido por gran parte de su prolífica trayectoria.

Está dividido en 2 partes, con una escala que va de menor a mayor. La 1º más intimista y acústica y la 2º con el aporte de toda la banda, sumando todos esos matices que solo Claudio Cardone puede generar, y la base categórica y contundente de J. Morelli y Nerina Nicotra, tal vez sin el virtuosismo de Javier Malosetti, pero con la solvencia de los grandes y a la altura de las circunstancias...

Versiones de temas de Almendra (Plegaria para un niño dormido), Pescado Rabioso (Me gusta ese tajo, Despiértate nena, A Starosta el idiota), Invisible (Durazno Sangrando), Spinetta Jade (Resumen Porteño, Ludmila), Los Socios del desierto (Ekathé) y un paneo de todas las etapas de su carrera solista (Barro tal vez, Vidamí y Yo miro tu amor, acaso mis favoritas!!)

También hay lugar para temas inéditos: Tu cuerpo mediodía y Nueva luna, mundo arjo (una delicia con aires folklóricos); de yapa, excelente sonido (de consola)... que más se puede pedir!!!

A disfrutarlo...

>>>descargar CD1<<<
>>>descargar CD2<<<

B.B. KING
(1993) - Blues Summit
U.S.A.
Género: Blues



01.: Playin' With My Friends
02.: Since I Met You Baby
03.: I Pity The Fool
04.: You Shook Me
05.: Something You Got
06.: There's Something On Your Mind
07.: Little By Little
08.: Call It Stormy Monday
09.: You're The Boss
10.: We're Gonna Make It
11.: I Gotta Move Out Of This Neighborhood
12.: Everybody's Had The Blues

The Menphis Sessions, Estudios Ardent, Menphis, Tennessee,
entre el 15 y el 19-02-93 (tracks 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)

The Berkeley Sessions, Estudios Fantasy, Berkeley, California
entre el 08 y el 12-03-93 (tracks 1, 4 y 12)

B.B. King: guitarra y voz
Robert Cray: guitarra y voz (track 1, 4 y 5)
Robert Murray: guitarra rítmica (track 1)
Katie Webster: piano y voz (track 2)
Buddy Guy: guitarra y voz (track 3)
John Lee Hooker: guitarra y voz (track 4)
Roy Rogers: guitarra slide (track 4)
Koko Taylor: voz (track 5)
Etta James: voz (track 6)
Lowell Fulson: guitarra y voz (track 7)
Albert Colins: guitarra y voz (track 8)
Ruth Brown: voz (track 9)
Irma Thomas: (track 10)
Joe Louis Walker: guitarra y voz (track 12) coros (track 7)
Jim Pugh: teclados (track 1 y 4)
Richard Cousins: bajo (track 1 y 4)
Kevin Hayes: batería (track 1 y 4)
Kim Wilson: armónica (track 3, 4 y 7)
Lee Allen: solo de saxo (track 5 y 10)
Maxine Waters: coros (track 5 y 10)
Julia Tillman Waters: (track 5 y 10)
Maxayne Lewis: (track 5 y 10)
Randy Waldman: sintetizador (track 6)
Antoine Salleý: percusión (track 6)
Vasti Jackson: guitarra rítmica (track 2)
Nancy Wright: (track 2)
Ben Couley: trompeta (track 3,4 y 11)
Mabon “Teeny” Hodges: guitarra rítmica (track 3 y 11)
Tony Coleman: percusión (track 4 y 12)
Leon Warren: guitarra rítmica (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
James Toney: teclados (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Tony Coleman: percusión (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
James Bolden: trompeta (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Melvin Jackson: saxo (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Walter King: saxo (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Michael Doster: bajo (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Calep Emphrey Jr.: batería (track 2,3,5,6,7,8,9,10 y 11)
Mike Eppley: teclados
Jeff Lewis: saxo (track 12)
Tim Devine: saxo (track 12)
Henry Olden: bajo (track 12)
Paul Revelle: batería (track 12)

Riley B. King, mejor conocido como B. B. King (Blues Boy King - Nombre tomado de un programa radial de Sonny Boy Williamson II) nació el 16 de septiembre de 1925 en Ittabena, Mississippi.

Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950.

Es considerado como uno de los mayores virtuosos del blues que ha tenido la historia de la música y de acuerdo a una lista de la revista Rolling Stone de 2003, King es el guitarrista más grande en vida, y posicionado 3º entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (bajo Jimi Hendrix y Duane Allman).

Por todos es sabido que al llamado Rey del Blues le gusta de vez en cuando rodearse de un nutrido grupo de artistas de fama mundial para grabar un álbum de duetos. En el caso de su disco de 1993, Blues Summit, no encontraremos a los habituales Eric Clapton, Bono o Van Morrison entre sus acompañantes. En aquella ocasión B.B. King se rodeó de lo más ilustre y granado del Blues para hacer un merecido homenaje al género que le dió la corona. Una apuesta del "Rey", que ganamos todos sus "súbditos".

Después de que su famoso directo Live At The Apollo de 1990, pusiera de nuevo a B.B. KING en el pedestal internacional que merecía, pocos imaginaban que en sólo tres años editaría un álbum tan increíble, tan poderoso y tan injustamente tratado por la crítica.

Blues Summit fue grabado en dos sesiones: Una en Memphis (Tennesse) y otra en Berkeley (California), durante el invierno de 1993 y, aparte de contar con la maestría indiscutible a la voz y a las cuerdas de su creador y con sus acompañantes, contaba con la presencia de la mejor y más sublime reunión de artistas de Blues en activo de entonces. A saber: Robert Cray, Katie Webster, Buddy Guy, John Lee Hooker, Koko Taylor, Etta James, Lowell Fulson, Albert Collins, Ruth Brown, Irma Thomas y Joe Louis Walker.

Si a dicho elenco le añadimos músicos de sesión de la talla de The Memphis Horns (en la sección de "metales") o Kim Wilson (un verdadero maestro de la armónica), el resultado es sencillamente insuperable.

En la elección de sus 12 temas no se cayó en la habitual revisión de clásicos. Hubo uno o dos de ellos, pero en general fueron canciones de las que poco se había "abusado" en el mundo del Blues hasta entonces.

Tal vez son destacables quizá las citadas excepciones: 'Call It Stormy Monday', junto a Albert Collins, y el dueto irrepetible entre dos de los más grandes Bluesman de la historia: B.B. King y John Lee Hooker cantando juntos 'You Shook Me'.

No obstante, y aunque es dificil destacar un tema por encima de otro, hay algunas joyas únicas, como 'Little By Little', junto a Lowell Fulson, o el tema q cierra el disco: 'Everybody´s Had The Blues', junto al que denominaron sucesor de King, Joe Louis Walker.

Por supuesto, también ellas juegan un papel decisivo en Blues Summit. Son impresionantes los duetos entre el Rey y Koko Taylor en 'Something You Got' (uno de los mejores del disco), o junto a Ruth Brown en 'You´re The Boss'. Y no me resisto a nombrar 'We´re Gonna Make It', cantado con Irma Thomas.

En definitiva, estamos sin lugar a dudas ante El Mejor disco de duetos de B.B. KING y posiblemente ante uno de los mejores de su extensa carrera. Un álbum único que se deja escuchar con gran facilidad una y otra vez, que rezuma el placer de sus músicos al grabarlo, y que supone una de las más completas reuniones de intérpretes de Blues en un solo disco.

Luis Beamud

Fuente: www.elalmacendelrock.com/

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RETRATO DE UNA OBSESIÓN

“La fotografía es un secreto que habla de un secreto.
Cuanto mas te dice, menos te enteras “

DIANE ARBUS

"Joven patriótico con la bandera"
Nueva York, 1967

En 1971, cuando Diane Arbus se suicidó, ya tenían fama sus desconcertantes fotografías de seres extravagantes y excéntricos. Un año despues de su muerte, se exhibieron en la bienal de Venecia ampliaciones de diez de sus fotos de esos seres ( enanos, travestis, nudistas) ....

Poco tiempo despues se inauguró en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York una gran muestra retrospectiva de su obra..., 250.000 personas acudieron a ver retratos de Arbus tan sobrecogedores como "The Jewish Giant" y "The Man in Hair Curles".

La exposicion luego recorrio todo Estados Unidos y dió pie a opiniones loables y controvertidas, y lo mismo sucedió con otra similar que se exhibio en algunos paises occidentales de Europa, Australia, Japón y Nueva Zelanda.

Con posterioridad Aperture publico ochenta de sus fotografias en un libro del cual se han vendido mas de 100.000 ejemplares. Los temas recurrentes de éste ( los papeles sexuales y la irrevocable soledad de los seres humanos ) parecen expresar la rebeldia, la alienación y la desilusión que surgieron en los años sesenta y prevalecieron durante parte de la década de los setenta” (Diane Arbus-Patricia Bosworth-ed circe).

Diane Arbus ( cuyo nombre de nacimiento era Diane Nemerov) nacio en Nueva York, Estados Unidos en 1923. Adopto el apellido de su marido Allan cuando tenia 18 años. Hija de una familia adinerada, se quejaba de haber sido “demasiado cuidada” en su piso de la quinta avernida..

Algunas de sus primeras fotografias famosas son de niños luchando con su energia y su desesperación por sus limitaciones psíquicas o físicas, como “Child with Toy Hand Grenade in Central Park” tomada en central Park en 1961, esta formaría parte de su serie en que fotografió a niños ricos “ya que yo tambien soy una niña rica” diria sobre esta serie.

En 1967, después de su gran exhibición en el MOMA en una entrevista para la Newsweek comento de la irrealidad en la que ella decia que habia crecido: “ Es irracional haber nacido en un cierto lugar y un cierto momento y de ser de un determinado sexo. Es irracional que uno pueda cambiar muchas circunstancias y que no pueda cambiar muchas otras. La simple idea de haber nacido rica y judia es parte de esa irracionalidad. Pero si naces siendo algo, podes tener la osadía( la aventura) de ser otras diez mil cosas”

Empezó como fotógrafa de moda y publicidad, trabajando para la revista Harper’s Bazaar, asistiendo primero y luego en sociedad con su marido. Conoció a artistas como Robert Frank o Walker Evans.

Entre 1955 y 1957 fue alumna de Lissette Model, de la que recogió un realismo crudo y aprendió a captar lo particular para alcanzar lo general. A partir de los años '60 se dedico a retratar a la población marginal americana: Lisiados, minusvalidos, gente con deficiencias mentales, travestis, gente de la calle y sus casas...y sus asilos. Con sus fotos da la impresión de querer enseñarnos que todos nosotros somos monstruos, solia decir “si observamos la realidad desde bastante cerca(...), ésta se hace fantástica”...

Arbus cambió drasticamente nuestro sentido de lo permisible desde el punto de vista de la fotografía, amplió el alcance de lo que resultaba un tema aceptable y exploró, de forma deliberada, la ambigüedad visual de las personas que ocupaban un lugar preponderante dentro de la sociedad como asi también de las marginadas.

Sus modelos miraban siempre, en forma directa, a la camara. Ella los iluminaba siempre con un flash directo o algun tipo de iluminacion directa. Según sus propias declaraciones “para mi, el tema de la fotografia será siempre mas importante que la imagen”

En 1963 y en 1966 recibió becas de la fundación Guggenheim. En 1969 su obra llamo mucho la atención cuando fue colgada junto a la de L.Friedlander y G.Winogrand (mostró a los locos de un manicomio disfrazados el día de una fiesta).

Su reputación mundial la llevó a estar entre una de las pioneras del nuevo estilo documental, y su trabajo fue comparado con el de August Sander.

Inspirándose en el libro de Patricia Bosworth “Diane Arbus: Una Biografía”, la película "Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus" (Retrato de una obsesión) de Steven Shainberg, homenajea a esta brillante artista que cuestionó las ideas convencionales sobre la belleza y la fealdad y cambió para siempre la fotografía a través de su técnica y de sus temas radicales.

Están invitados a descubrir la obra de quién es para muchos, una de las artistas más importantes del siglo XX, en estas 2 galerías que le rinden tributo...

http://pwp.netcabo.pt/jmmg/diane_arbus.htm

http://www.artnet.com/Artists/ArtistHomePage.aspx?artist_id=672854&page_tab=Artworks_for_sale

EGBERTO GISMONTI & JAQUES MORELENBAUN
(1991) - Astor Piazzolla - New Tango Brazilian Touch
Brasil
Género: Jazz, Tango

01.:Fuga 9 - 4:54
(Astor Piazzolla arr. Egberto Gismonti)
02-05 Las Cuatro Estaciones Porteñas
02.: Primavera Porteña - 5:18
(Astor Piazzolla arr. Jaques Morelenbaum)
03.: Verano Porteño - 3:42
(Astor Piazzolla arr. Jaques Morelenbaum)
04.: Otono Porteño - 5:55
(Astor Piazzolla arr. Jaques Morelenbaumar)
05.: Invierno Porteño - 6:46
(Astor Piazzolla arr. Jaques Morelenbaum)
06.: Años de soledad - 4:05
(Astor Piazzolla arr. Zeca Assumpcao)
07.: Libertango - 2:22
(Astor Piazzolla arr. Henrique Cazes)
07-09 Suite Libertango
08.: Tristango - 7:08
(Astor Piazzolla arr. Henrique Cazes)
09.: Novitango - 3:35
(Astor Piazzolla arr. Henrique Cazes)
10. Deus Xango - 5:46
(Astor Piazzolla arr. Henrique e Beto Cazes)

Egberto Gismonti: piano, sintetizador, Guitarra, flauta, bambuzal

Jacques Morelenbaum: violoncello (track 1,2,3,4,5,10)
Alceu Reis: violoncello (track 1,2,3,4,5)
Marcio Mallard: violoncello (track 1,2,3,4,5)
Eduardo Monteiro: flauta traversa (track 2,3,4,5)
Paulo Sergio Santos: clarinete (track 2,3,4,5)
Philip Doyle: trombón (track 2,3,4,5)
Luis Carlos Justi: oboe (track 2,3,4,5)
Elione Medeiros: fagot (track 2,3,4,5)
Zeca Assumpcao: contrabajo (track 2,3,4,5,6,10)
Chiquinho do Acordeon: acordeón (track 6,7,8,9)
Jurim Moreira: batería (track 6)
Orquesta de cuerdas brasileira (track 7,8,9 )
Beto Cazes: percusión (track 10)
Henrique Cazes: chitarra, cavaquinho (track 10)

A simple vista la tapa engaña: no es un trabajo de Piazzolla, sino un homenaje a Astor Piazzolla de estos dos grandes músicos Brasileros.

Este trabajo reúne composiciones del gran artista argentino interpretadas de diversas formas y cada una con sus propios arreglos.

En algunos casos, como en "Fuga 9" y en "las 4 estaciones porteñas", cuesta encontrar el espíritu de la música de Piazzolla: la tristeza y la melancolía, y en el caso de "Deus Xango" (tema que cierra el disco), incorpra elementos de la música popular barsilera, gracias a la percusión de Beta Cazes, y a la chitarra y el cavaquinho de Henrique Cazes, creando una atmósfera muy diferente a las anteriores composiciones.

De todos modos, cualquier camino es válido para abordar la obra de Astor, y por otra parte convengamos que no es simple versionar a Piazzolla prescindiendo del sonido del bandoneón...

A mi particularmente, me gusta la versión de la Suite Libertango que con el sonido del acordeón incorpora otros matices ...

ver también: Hermeto Pascoal

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FOCUS
(2003) - Live in America
Holanda
Género: Rock Progresivo

01.: Focus I
02.: House Of The King
03.: Focus II
04.: Eruption
05.: Sylvia
06.: Focus V
07.: Cathedral De Stasbourg
08.: Focus VII
09.: Hocus Pocus
10.: Focus III

Thijs van Leer: Organo Hammond, flauta traversa y voz
Jan Dumee: Guitarra y voz
Bobby Jacobs: Bajo
Bert Smaak: batería

Ufff!... qué disco...

Este concierto se basa en lo mejor del repertorio de la banda, además de un par de nuevas piezas, y fué registrado en el Patriot's Theater de Trenton, Nueva Jersey en el marco del Nearfest 2002, un prestigioso festival de rock Progresivo.

Focus es por lejos mi banda favorita no- británica de Rock Progresivo, y la verdad es que viendo tantos retornos de otros grupos en estos últimos años, debo confiar que lo escuché con cierto recelo, sin apostar de antemano, considerando que Jan Akkerman no es de la partida y que todos los músicos que Thijs Van Leer convocó para conformar esta nueva versión de Focus son nuevos y tán jóvenes que ni siquiera habían nacido cuando la banda se formó allá por el ' 73...

Pero este retorno fué tremendo!...

Jan Dumee, es tan pero tan bueno, que los dejará con la boca abierta al primer solo, de hecho con algunos amigos debatimos y sostienen que quizás es mejor que Akkerman. Todos los solos son inmejorables, en el ardiente estilo de fusión. El chico es un monstruo, realmente.

La flauta y el órgano de Thijs son también de primer nivel. Su performance en "House Of The King" y "Eruption" son increíbles al igual que su voz.

La versión de "Hocus Pocus" es un placer.

El sonido excelente!

Altamente recomendado!

Con esta misma formación la banda registró Focus 8 en año 2002 (también recomendadísimo)

ver también: Jan Akkerman

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BEAUTIFUL LOSERS

La generación Beat -cuyos miembros han acabado siendo conocidos como beatniks-, fué la generación de los derrotados. Es un punto de referencia ineludible para comprender todos los movimientos sociales e intelectuales posteriores.

El termino "Generación Beat" tuvo sus origenes con John Clellon Holmes y Jack Kerouac que describían así a la gente de su edad que vivía en Nueva York a finales de los 40´s. El termino "beat" viene de "beaten down" (derrotado), reflejando la desesperación frente a una sociedad barrida por la depresión económica, la segunda guerra mundial y la amenaza de la bomba atómica. Los beatniks (la partícula -nik es un sufijo despectivo yiddish -dialecto judeogermano-; así pues, beatnik viene a significar "derrotaducho") optaron, vista la situación, por una actitud que se despojase de todas las falsas moralidades y mostrara al hombre desnudo y sincero. Esta celebración del individuo como único, que rechazaba todas las posturas políticas por considerarlas intrínsecamente opresivas, tiene mayor valor considerando la política norteamericana del momento, no sólo reflejada en el anticomunismo atroz o en el desmesurado crecimiento de la burocracia, sino -por la parte que les tocaba- en la aplicación de técnicas como el electroshock o la lobotomía para tratar "enfermedades sociales" como la homosexualidad o el inconformismo.

Esta acepción de la espontaneidad como forma de vida, de la respuesta libre de concepciones sociales, este ascetismo frente a una sociedad básicamente materialista, logró liberar -de una forma natural, sin pretensiones iniciales- tanto a los practicantes como a quienes les observaron.Toda esta situación fue inmortalizada por escritores -algunos de ellos excelentes, como Burroughs, Ginsberg y Kerouac- que montaron este tren desde muy pronto. En realidad, la calidad de algunos de estos libros ha forzado la segunda apreciación de ´generación Beat´, más extendida pero equivocada, que dice esta generación beat es un grupo de escritores.

Ni tampoco es -tercera acepción, y la más peligrosa de todas- un grupo de personas desastradas pero elegantes, con exquisito gusto para el Jazz (principalmente el be-bop), que escriben poesías e insultan a los trajeados. La generación beat es una Generación, con g de gente, que se enfrentó a lo que se enfrentó y reaccionó como buenamente pudo, pero que demostró que hay más caminos que los oficiales cuando uno decide imponer las reglas a nadie excepto a sí mismo.

Según Kerouac y Ginsberg, hallaron la palabra en la jerga de los buscavidas y los jazzmen neoyorquinos: dead beat o beat-up equívalia a estar machacado, alienado,. Exiliado en la sociedad convencional. Todo ese mundo oscuro del jazz era punto de referencia y de admiración para la generación beat.

Coincidieron cronológicamente con el nacimiento del be bop y celebraron a los grandes "terroristas del jazz", como Charlie Parker, en infinidad de poemas y relatos. Existen muchas grabaciones de spoken words , sobre bases de jazz, de la mano de Ferlinghetti , Rexroth, Kerouak, y otros tantos. Por otro lado el bautismo de la generación beat se produjo el 16 de noviembre de 1952, cuando john Clellon Holmes publicó en el New York Times un artículo titulado: This is the Beat Generation". A partir de aquí el movimiento se convirtió en "oficial". Por otro lado Kerouak reivindico la paternidad del termino.

Durante una entrevista con Holmes en 1948 pronuncio las palabras: "This is really a beat generation" ("esta es realmente una generación golpeada"). El mismo Kerouak cuenta que en 1944, encontrándose en Times Square, en Nueva York, se le acerco un agitador de Chicago llamado Herbert Huncke, y le dijo: "Man, I an a Beat". Huncke era amigo de Ginsberg, con quien compartió muchas experiencias.

Este grupo, que acabó denominándose la Generación Beat, revitalizó la escena bohemia cultural norteamericana. Su energía se desbordó hacia los movimientos juveniles de aquella época (On the Road -En el camino, 1957- de Kerouac, asumió carácter de manifiesto universal de una juventud que quería huir de lo establecido), y fue absorbida por la cultura de masas y por la clase media hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta.

Sus ideales abogan por un arte como manifestación de las texturas de la conciencia. Su canto a la liberación espiritual derivó hacia una liberación sexual, particularmente homosexual, que hizo de catalizador en los movimientos de liberación de la mujer y de los negros. Llevados por una visión tolerante y no-teísta, un antifascismo cósmico, un eclecticismo... se interesaron por las sustancias psicodélicas como herramientas de conocimiento.

Centraron su lucha en contra de los valores tradicionalistas y puritanos de Estados Unidos, contra el "American Way of life", un repudio implícito a los valores comerciales, para cuyo reemplazo proponían los ideales expuestos por Whitman en "Hojas de hierba".

Los beatniks, los miembros de la Generación Beat y sus partidarios, no son tan novedosos como se creyó cuando aparecieron, y fueron suprimidos del escenario por la publicidad. Una paradoja: luchaban contra la sociedad de consumo.

JACK KEROUAC

Es frecuente que una celebridad y la idea que sus admiradores tienen de ella no se parezcan demasiado: éste es el caso de Jack Kerouac, a quien los críticos acribillaron, la fama le llegó tarde, sus fans se negaron a asociarlo con sus obras y acabó fagocitado por el sistema al que nunca se había propuesto pertenecer.

Vivió siempre al margen de cualquier regla o estereotipo: fue un brillante jugador de fútbol americano para obtener una beca en la universidad de Columbia, cuando su único interés era escribir; se enroló en la marina mercante durante los años de la segunda guerra mundial; fue el alma mater del movimiento beat cuando siempre pensó que cualquiera de sus amigos (Burroughs, Cassady, Ginsberg...) eran más inteligentes y brillantes que él.

Vivió al límite durante la segunda mitad de los cuarenta y principios de los cincuenta, años en que acumuló suficientes experiencias vitales para luego plasmarlas en sus libros. Sin embargo, cuando le llegó el reconocimiento económico y del público el ya estaba de vuelta de todo, no supo asimilar la popularidad y el dinero que ésta le reportaba y sus lectores no querían creer que ese borracho que aparecía en los shows de T.V. había escrito esos libros llenos de energía y ganas de vivir. De forma inconsciente se había labrado una reputación de personaje extraordinario.

Pero tenemos que acercarnos a Jack como amigo, a ese muchacho con los ojos siempre abiertos a lo que ocurría a su alrededor, al tipo simpático, a veces eclipsado por la arrolladora personalidad de sus compañeros, pero que era el punto de referencia del grupo, el único que sabía mantener la cordura en los momentos mas desfasados, para luego ejercer de cronista y dejar plasmada la imagen más humana del movimiento Beat.

Sólo por dos de sus obras: ´Los subterráneos´ y ´En el camino´ ya merece un hueco en el olimpo de la literatura del siglo XX (por otra parte son lo único realmente reseñable de su bibliografía). Este último libro pasa por ser ´la Biblia de la generación Beat´, ya que retrata de forma autobiográfica sus viajes por todo Estados Unidos y está protagonizado por todo el plantel de escritores del movimiento: la realidad supera a la ficción y apenas podemos creer que hayan existido nunca personajes tan locos, salvajes y, a la vez, geniales.

A pesar de que siempre había tenido éxito con las mujeres, nunca consiguió durar demasiado con ninguna; la única relación sentimental duradera que tuvo fue con las botellas de cutty sark. Durante sus últimos años Jack vivió con su madre, a la que siempre había adorado. Kerouac murió en 1969 de rotura de variz esofágica, o sea, de borracho; triste colofón para la vida intensa e inconformista de un hombre que sólo se encontró en su sitio a finales de los cuarenta viajando de un sitio a otro con sus amigos y con su talento todavía por demostrar. A finales de los ´50, principios de los ´60, empieza a repercutir la fama de "En el Camino", entrevistas en televisión, en la prensa, ventas abultadas. Jack no aguanta la presión del éxito que le otorgó, se encierra con su madre y escribe alejado de todo el movimiento beat (ya casí extinguido). Se transforma.

Esa vida que le llevo a recorrer los Estado Unido de América de punta a punta desaparece. Escribía y por la noche bebía y bebía y regresaba a casa, muchas veces, "calentito" por la cantidad de alcohol que ingería y por las palizas que provocaba (en un claro sentido de autodestrucción). Según Ginsberg su comportamiento obedecía a un alejamiento voluntario del estado casi policial que se había organizado a su alrededor, pero también son notorias las declaraciones del Jack renegando de todos sus antiguos amigos, acusándolos de reaccionarios y deplorando el radicalismo del underground.

Según Burroughs (en una charla años más tarde con Lou Reed) el cambio no fue tal: "No cambió tanto, Lou. Fue siempre así. Primero había un joven sentado delante de la televisión en camiseta bebiendo cerveza con su madre, luego había una persona más gorda y más vieja sentada delante de la televisión en camiseta bebiendo cerveza con su madre…"."Y él andaba dándole fuerte a la botella, porque cogió otra habitación en el hotel y se quedó a pasar la noche, y empezó a pedir botellas de whisky y a beber por la mañana, que es una practica que a mí me parece horrorosa."

Y aquel día, el 20 de octubre de 1969, después de muchas borracheras y muchos viajes, su cuerpo no aguantó más y se le reventó una vena. Lo que le provoco una hemorragia interna. Fu trasladado al hospital de St. Anthony y los médicos trabajaron furiosamente. En las siguientes veinticuatro horas recibió once litros y medio de sangre. El 21 de octubre de 1969, a las cinco y media de la madrugada, Jack Kerouak, murió. Y ya nada volvió a ser lo mismo. Medio mundo, mas tarde (en los ´60), volvió a intentar emular lo que estos hombres lograron ser: protagonistas de sus propias historias. Y es curioso lo que jamás en la literatura se ha vuelto a repetir: inscribirse en la historia de la literatura como una generación, la Beat. compuesta principalmente y sobre todo, por amigos (casi hermanos).

"Vive tu memoria y asómbrate"
Jack Kerouac

WILLIAM S. BURROUGHS

William Seward Burroughs ha escrito uno de los mejores libros de este siglo, mató de un tiro a su mujer, ha probado (y sobrevivido al consumo repetido de) todas las drogas imaginables por todos los métodos concebibles y anuncia Nike en TV. Es una de las personalidades más complejas del planeta y bien merece una lectura detenida.W.B. nació en St. Louis, Missouri, en febrero de 1914.

Nieto del inventor de la calculadora, creció rodeado por el lujo, una vida que pronto descubrió no le satisfacía. Ratón de biblioteca, fascinado con las armas y con una necesidad irrefrenable de romper toda regla de la que tuviese conocimiento, sus padres comprendieron que jamás podría ´integrarse´ en la sociedad, y, una vez que se graduó en Harvard, decidieron subvencionarle sus aventuras/experiencias.

A principios de los treinta, tras involucrarse en los bajos fondos neoyorkinos, conoció a un grupo de enloquecidos inconformistas que estudiaban en la universidad de Columbia: entre ellos estaban Jack Kerouac, Allen Ginsberg, y su futura esposa, Joan Vollmer Adams. W.B. era mayor que ellos, pero quedaron impresionados por su inteligencia y su cinismo. Para entonces tanto K. como G. tenían inquietudes literarias; a los treinta años, W.B. aún no había empezado a escribir, pero todos los que rodearon a K. y G. acabaron escribiendo algo. Burroughs escribió primero Junky (Yonqui) -acerca de sus experiencias con la droga- y luego Queer (Marica), tan fuerte que no llegó a imprenta durante décadas.

Se trasladó a Texas, donde intentó vivir como granjero hasta que, perseguido por su relación con las drogas, marchó a Méjico. Allí, bromeando ante amigos, haciendo de Guillermo Tell con un vaso en la cabeza de su esposa Joan (por primera y última vez), la mató de un tiro en la frente. La tragedia afectó terriblemente a W.B., que vagó por todo el mundo hasta aterrizar en Tánger, donde escribiría su Opus Magna: Naked Lunch (El Almuerzo Desnudo). La obra le convirtió en una celebridad underground, puesto que mantiene hasta el momento. Sólo dos datos recientes: grabó un disco con Kurt Cobain (W.B. contando un cuento, fondo de guitarra de Cobain) y ahora anuncia zapatillas deportivas.

"Lo que único que se puede hacer es lo que uno quiere hacer"
W.Burroughs

ALLEN GINGSBERG

Fue la voz de la herencia beatnik: mucho del poder del hippismo y de la conciencia social anti-Vietnam nació de su boca. Nació en junio de 1926 en Newark, New Jersey; su padre era poeta y profesor; su madre una comunista radical y una nudista irreprimible que enloqueció al poco de alcanzar la madurez (por lo que fue posteriormente hospitalizada de por vida y finalmente lobotomizada).

Fue un niño tímido y complicado, dominado por los ataques de su madre y por el temprano descubrimiento de su homosexualidad. Descubrió la poesía en el instituto pero decidió labrarse un futuro estudiando Derecho Laboral en la Universidad de Columbia. Allí cayó ante la irrefrenable vitalidad de un grupo de personas como Jack Kerouac, William Burroughs o Neal Cassady, jóvenes filósofos igualmente obsesionados con el crimen, las drogas, el sexo y la literatura.

Ginsberg, el más joven e inocente del grupo, les ayudó a pulir sus habilidades literarias, mientras éstos a su vez lo espabilaban un poco. Le expulsaron de la Universidad -la Norteamérica represiva-, comenzó a frecuenta ladrones y yonquis neoyorkinos -la mayoría amigos de Burroughs- y se enamoró perdidamente de Neal Cassady y le visitaba en Denver y San Francisco, comenzando una cinética de viajes de costa a costa que desembocarían en ´En el Camino´ de Kerouac.

A los 29 años, había escrito mucha poesía pero no había publicado nada (había promovido las obras de Burroughs y Kerouac, pero no las suyas) hasta que decidió, en un ya mítico recital de 1955, presentar espectacularmente su poema Howl (Aullido); ganó fama instantánea, parte por la calidad del texto, parte por la denuncia por depravación sexual que le pusieron -la homosexualidad era imperdonable en la época-. Esa fama no le abandonaría, como a Kerouac, y la mantuvo cuando decidió entrar en los 60´s en la escena hippy -con todos los honores-, y como poeta americano tendría acceso a las grandes figuras de su tiempo y, sobre todo, a los grandes medios, y fue un factor esencial para desarrollar las protestas anti-Vietnam. Su actividad en los 60´s fue frenética y de enorme importancia.

En los 70´s fundo la escuela de poesía The Jack Kerouac School of Disembodied Poetics, en Boulder, Colorado. En los primeros '80 flirteó con el punk y colaboró con The Clash. Y en estos treinta años no ha dejado de recitar sus poesías.

"He visto a las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura"
Allen Ginsberg

MUSICA & GENERACION BEAT

David Bowie

Está muy familiarizado con las obras de William Burroughs e incluso a reconocido su influencia estilística en las letras de sus canciones, para Bowie, Burroughs es otro compañero de los años sesenta al igual que otros profetas de la contracultura como Andy Warhol o Marshall McLuhan. "Diamond dogs" es el trabajo en el que más claramente se aprecia la influencia de Burroughs; este albúm de gran influencia orwelliana comienza con una introducción hablada llamada "Future Legend" que proviene de uno de los "cut-up" de Burroughs. Por otro lado, en el albúm en directo "David Live", lo primero que se oye es una melodía de tintes árabes, grabada en Tanger. Una curiosidad: en una reciente entrevista, Bowie ha contado que el título de su famosa canción "Jean Genie" se le ocurrió estando en la librería City Ligths, donde vio una serie de obras del novelista frances Jean Genet, que fue uno de los escritores que más influenciaron a Kerouac.

Bob Dylan

Allen Ginsberg era uno de los poetas favoritos de Dylan y llego a formar parte de su íntimo circulo de amistades, llegando a colaborar en varios proyectos juntos, como la película "Don´t look back", en varias canciones a loa largo de los años 70 y en el legendario Rolling Thunder Revue Tour, y en la película de esa gira, en la que se ve a un emocionado Ginsberg leyendo su poema "Kaddish" y visitando la tumba de Kerouac. A pesar de la estrecha relación entre ambos, el punto de vista creativo de Dylan es más próximo a Kerouac, quizás por la presunta admiración, no reconocida por él, que Dylan sentía hacia la obra de Kerouac, entevista por ejemplo en "Last thoughts on woody guthrie" en The Bootleg series. Sin embargo, Kerouac no tenía una elevada opinión de Dylan, quizás por el profundo rechazo que despertaba en él todo lo relacionado con los hippies y la explosión contracultural de los sesenta.

Janis Joplin

La famosísima canción "Buy me a Mercedes- Benz" es muy conocida, pero lo es menos el hecho de que la letra es del poeta Beat Michael McClure.

Van Morrison

Hay gran cantidad de referencias literarias en las letras de Van Morrison, existen citas de William Blake, Rimbaud, Joyce, y también breves menciones de miembros de la generación Beat, especialemente Kerouac, al que, más que referirse a su onra, invoca nominalmente, como por ejemplo en la canción "Cleaning windows" del albúm "Beautiful Vision" (1982) o en "On Hyndford Street" (Hymns to the silence, 1993).

Patti Smith

Otra cantante en la que la influencia de Rimbaud es harto manifiesta, como se ve en el álbum "Horses": "go Rimbaud and go Johnny go". También es conocida su devoción por William Burroughs al que dedicó su elepé "Peace and noise" de 1997, que también incluye referencias al "Howl" de Allen Ginsberg.

Frank Zappa

Existen varias referencias a los Beats en los elepés de Frank Zappa con los "Mothers of Invention", entre ellas la parodia que hace Zappa de la forma de recitar de Ginsberg en la introducción a la canción "Muffin Man" del elepé directo "Bongo fury".

Grateful Dead

Los Dead estuvieron muy ligados al movimiento Beat incluso antes de ser los "Grateful Dead". Cuando Ken Kesey, autor de "Alguien voló sobre el nido del cuco", comenzó a vislumbrar la idea de las que luego se conocieron como "Fiestas del Ácido", contaba con la inestimable colaboración de Neal Cassady, experto en cualquier tipo de celebración lúdica, y con una banda, los "Warlocks"que, bajo la dirección de Jerry García, amenizaban las Fiestas. Está banda, posteriormente cambio su nombre; se pasaron a llamar "The Grateful Dead" Estas "celebraciones" comenzaron entre 1965 y 1966, antes del Verano del Amor y la explosión del movimiento hippie, del que los Beats son claros, y principales, precursores. Los "Grateful Dead" estuvieron siempre muy unidos en cuanto a ideología con el movimiento Beat y también por la relación que mantuvieron con algunos de sus miembros, ya fueran de los fundadores, como Neal Cassady o de los miembros posteriores, especialmente Ken Kesey. Precisamente a Cassady le dedicaron varias canciones, como "The other one" y "Cassady", en las que demostraban su amistad/adoración por tan curioso personaje.

Jethro Tull

Esta conocida banda que exploró, en los años setenta, las posibilidades de fusión entre los ritmos celtas y el rock progresivo no aparece en primera línea de los grupos influenciados por cualquier miembro de la Literatura Americana. De todas formas, en el elepé "Too old to Rock and Roll" incluyen una canción titulada "From a dead Beat to an old Greaser"

Pink Floyd

La relación de este grupo con los Beats, si bien no tan reconocida como la de los Grateful Dead si existe, sobre todo por el hecho de que los muchachos de "Pink Floyd" procedían de la escena psicodélica del Londres de mediados de los sesenta que había comenzado con el Festival Poético Internacional celebrado en el Royal Albert Hall en 1965 y en el que habían participado, entre otros, Ginsberg, Ferlinghetti y Corso. Probablemente, la mejor muestra de la conexión entre "Pink Floyd" y los Beats es Miles, el dueño de la librería Indica y miembro en la escena poético-artístico-rock de los "Pink Floyd". Escribió el mejor libre que existe sobre este grupo: "Pink Floyd: A Visual Documentary by Miles" y también la mejor biografía sobre Allen Ginsberg. Como anécdota decir que fue en la librería Indica donde se conocieron John Lennon y Yoko Ono.

Velvet Underground

En el Festival Poético del Royal Albert Hall también estaban presentes Andy Warhol y Gerald Malagna, y mientras Kesey y los "Grateful Dead" creaban el Haight- Ashbury en San Francisco, y Pink Floyd participaba activamente en la puesta en marcha de la escena psicodélica en Londres, Warhol estaba convirtiendo Greenwich Village y el Lower East Side en su propio patio de colegio dedicado al arte, las películas, las drogas y, por supuesto, a la música. La banda que acogió bajo su tutela fue la "Velvet Undergrund" cuyos principales integrantes eran Lou Reed y John Cale. Las conexiones con los Beats son bastante numerosas, pero tienden a ser accidentales, Tanto la gente de Ginsberg como la de Warhol compartían la misma zona de juegos, el Lower East Side, pero sus filosofías de vida eran algo diferentes lo que impidió que ambos crearan mejores alianzas creativas.

Por otro lado, Lou Reed como letrista ha sido comparado muchas veces con Burroughs, ya que a ambos les fascinaban las drogas, los pasos hacia la depravación humana y el mismo lado de la vida. Pero mientras Burroughs jugaba con ideas, con la ruptura de reglas para hacer su trabajo incomprensible, Reed es un minimalista, y escribe sobre las emociones con gran claridad. En realidad, en cuanto a las revelaciones emocionales sobre si mismo, Reed está más próximo a Kerouac y a Ginsberg que a Burroughs.

Fuente: http://punksunidos.com.ar